Un Gran Follón

Jim O'Rourke / Christoph Heemann

2012-01-29T11:28:00.002+01:00

Jim O'Rourke / Christoph Heemann
"Plastic Palace People Vol.1" (Stremaline/ Drag City, 2011)
"Plastic Palace People Vol. 2" (Stremaline/ Drag City, 2011)

En 1991 el músico francés Christoph Hemann (Mirror, HNAS) y Jim O'Rourke entraron en contacto y decidieron unir esfuerzos (de hecho "Bloomington Indiana Autumn", que fue publicado por primera vez el año pasado, data de esta misma época). La escena experimental que reivindicaba con fuerza el legado de los grandes de la musique concrete (Pierre Schaefer, Luc Ferrari, Bernanrd Parmegiani) estaba empezando a ganar terreno y tanto O'Rourke como Heemann se empezaban a hacer un hueco junto a músicos como Fennesz, Kevin Drumm o Peter Rehberg en sellos como Mego o Mille Plateux.
Hay que encuadrar por tanto estos dos discos en la primera época experimental de Jimbo O'Rourke, marcada por obras de búsqueda como "Tamper" (1991) o "Scend" (1992). Musique conrete, grabaciones de campo, drones tranversales sobre los que O'Rourke introduce detalles y manipulaciones de cinta, puntuales ramalazos noise, mazacotes drone atonales -sobretodo en el segundo volumen-, teclados desfigurados y un ambiente general hipnótico y realmente conseguido.
Otra muestra más de la inagotable creatividad de O'Rourke.

Vol 1 pt 1
Vol 1 pt 2
Vol 2

Naked On The Vague

2012-01-16T19:29:00.002+01:00

Naked On The Vague
"Heaps Of Nothing"
(Siltbreeze, 2010)

Pues sí, resulta que la condición humana es un jodido misterio y una continua fuente de sorpresas. No sólo soy capaz de disfrutar un disco de indie rock publicado en pleno 2011 sino que también puedo hacerlo con un disco en el que una chica toca los teclados y canta y que son catalogados como post punk, eso sí que no os lo esperabais!
Este par de meses que llevo escarbando en el catálogo de Siltbreeze me han regalado multitud de buenos momentos y Naked On The Vague (un dúo australiano que recientemente ha mutado a cuarteto -ver EP en Sacred Bones-) es uno de ellos. Tienen el clásico sonido poco aseado y tirando a misántropo de la mayoría de grupos de Siltbreeze, a lo que esta pareja añade unos chorritos de No Wave. Quien dice No Wave -quizá no es para tanto- dice Sonic Youth del principio. Como bien definen en la reseña de Pitchfork: sonido de "garbage in the rain".
Un grupo que si bien está muy lejos del savaje inconformismo de otras bandas emblemáticas del sello australiano (The Dead C, The Shadow Ring, Harry Pussy) sí que refleja una idiosincrasia artística ciertamente huraña. Desde aquí aplaudimos a los Cónsules de la Música Jodida, claro que sí.
Fans de Neptune, por ejemplo, dadle fuerte aquí.

Os podeis comprar el disco en la página del sello (sólo 25 dólares!)

Naked On The Vague

Kitchen's Floor

2012-01-13T20:30:00.001+01:00

Kitchen's Floor
"Look Forward To Nothing"
(Siltbreeze, 2011)

"No te esperes nada".
Toda una declaración de principios desde el mismo título. Estamos en el 2012.
Pensaba que ya nunca más me gustaría una banda nueva que pudiera catalogar directamente como "indie rock". Pues sí, resulta que después de todo todavía me gusta el indie rock. Kitchen's Floor hacen un indie rock bastante peculiar y sobretodo no tiene mucho que ver con la sobrecogedora mierdosidad que rodea al sobadísimo rollito indie rock de hoy en día. Son tres chavales de Brisbane (saldrán muchas bandas de esta ciudad, algunas las vais a ver por aquí en próximas entradas) muy jóvenes. Siltbreeze, el sello lo fi/experimental por excelencia, edita el disco pero es un LP que no se caracteriza por ser increíblemente oscuro y experimental sino por sonar cabreado y desganado al mismo tiempo. Esa especie de nihilismo que uno esperaría encontrar en TODOS los grupos de música que hace la gente joven de hoy en día (y no el escapismo y las ganas de fiesta que obtenemos en su lugar).
Lo que más me gustó del grupo cuando lo escuché por primera vez es la voz de Matt Kennedy: le importa una mierda todo, suena desafinada, no se entiende lo que dice y entra cuando le sale de los cojones. Canciones directas, poco elaboradas pero que seducen exactamente por ello.
Qué bien!
Además el video es cojonudo y me ha recordado a un video de Seaweed que me encanta.

Kitchen's Floor

Bill Orcutt

2012-01-11T22:53:00.002+01:00

Bill Orcutt
"How The Thing Sings"
(Mego Editions, 2011)

Se podría definir la música de Bill Orcutt (miembro fundador de Harry Pussy junto a Adris Hoyos) de muchas maneras. Definirlo como "folk", "blues" o "experimental" sería representar un 3,6% de lo que hace Orcutt. Es de ese tipo de música que a mí me resulta particularmente divertida de clasificar porque habita en su propia jodida isla -me encantan estos tipos de artistas-. Así que vamos allá: sus canciones suenan como si agarráramos a dos gatos y les pusiéramos a perseguir una bola de papel de plata por el mastil de una guitarra acústica. O como si a Andrés Segovia le diéramos media botella de absenta, le hiciéramos escuchar a Muddy Waters, después le forzáramos a comer tres jalapeños extra picantes y finalmente le diéramos una guitarra y le dijéramos que imitara al gran Waters.
Orcutt -no sé si vais pillando la idea- ha desarrollado una manera de tocar totalmente única, visceral, intuitiva y técnica a partes iguales. Una gran libertad y desinhibición planea por todas las canciones del disco, que son dos de las cualidades que hacen que la música experimental/improvisada sea algo tan grande.

Orcutt

Charalambides

2012-01-09T21:40:00.001+01:00

Charalambides
"Exile"
(Kranky, 2011)

El tercer día vagando por el desierto empezó con buenos augurios: unas nubes en el horizonte nos acompañarían en nuestra travesía hacia el norte. Así que no nos extrañó cuando al mediodía pudimos divisar al fin la cabaña de Tom y Christina Carter. Se divorciaron hace tiempo pero pasan juntos largas temporadas aquí, huyendo de las prisas de la vida moderna y dando forma a sus hipnóticas composiciones. Nos dieron algo de beber y después de una cordial charleta se dispusieron a masajear nuestra alma como sólo las canciones de Charalambides saben hacerlo. Contemplación, meditación, psicodelia y el alma de los rios y los árboles y los escorpiones.

Exile

Mis 29 discos favoritos del 2011

2012-01-06T14:14:00.000+01:00

1. Dan Melchior "Assemblage Blues" (Siltbreeze)

2. Hype Williams "One Nation" (Hippos In Tanks)

3. Bombino "Agadez" (Cumbancha)

4. VHS Head "Midnight Section EP" (Skam)

5. Jim O'Rourke + FIRE! "Unreleased?" (Rune Grammofon)

6. Zomes "Earth Grid" (Thrill Jockey)

7. Arrington de Dyoniso's Malaikat Dan Singa "Suara Naga" (K Records)

8. Barn Owl "Shadowland" + "Lost In The Glare" (Thrill Jockey)

9. Psychic Paramounts "II" (No Quarter)

10. Tinariwen "Tassili" (-Anti)

11. Jim O'Rourke Christoph Heemann "Plastic Palace People Vol 1" / "Plastic Palace People Vol 2"

12. Earth "Angels of Darkness, Demons of Light I" (Southern Lord)

13. Rangers "Pan Am" (Not Not Fun)

14. The Oh Sees "Castlemania" (In The Red)

15. Byetone "Symeta" (Raster Noton)

16. Run DMT "Dreams" (Culture Dealer)

17. Oneohtrix Point Never "Replica" (Software)

18. Dimlite "Grimm Reality" (Stones Throw)

19. Daniel Higgs Marc Clos "Beyond and Between" (La Castanya)

20. Cindy Talk "Hold Everything Dear" (eMego)

21. Huntsville "For Flowers, Cars and Merry Wars" (Hubro)

22. Lawrence English "The Peregrine" (Room 40)

23. Haunted House "Blue Ghost Blues" (Northern Spy)

24. Helm "Cryptography" (Kye)

25 Cave "Neverendless" (Drag City)

26. Sun Araw "Ancient Romans" (Sun Ark)

27. Vladislav Delay Quartet "S/T" (Honest Jons)

28. Kyle Bobby Dunn "A Young Person's Guide To" (Low Point)

29. Chris Watson "El Tren Fantasma" (Touch)

Transmission

2011-12-31T00:14:00.001+01:00

Transmission
"S/T"
(Audible Hiss, 1996)

Transmission es un dúo formado por Adris Hoyos (también estuvo en Harry Pussy) y por Graham Lambkin (The Shadow Ring). Los dos estuvieron casados durante un tiempo a mediados de los 90 y publicaron este excelente LP que vendría a ser el equivalente sonoro a esos animales aplastados que te encuentras a veces mientras conduces. Las diecisiete canciones -algunas de ellas cantadas en castellano- tuvieron alguna vez una forma parecida a Lo Que Conocemos Como Canción, pero definitivamente han perdido esa cualidad y se han convertido en algo horrible, sucio y disforme. Más cercano a Harry Pussy que a The Shadow Ring, aunque no tan increíblemente salvaje como los Pussy.

Aquí podeis leer un excelente artículo que sirve de perfecta introducción a la obra de este artista británico.

Transmission

Graham Lambkin

2011-12-28T18:29:00.001+01:00

Graham Lambkin
"Salmon Run"
(Kye, 2007)

Preparando la entrevista que le pudimos hacer a Dan Melchior para otro medio y gracias a las indicaciones de otro aficionado, entré en contacto con la extraña pero atractiva obra de Graham Lambkin. Este músico afincado en EEUU lideró a The Shadow Ring a lo largo de la mayor parte de la década de los 90 y desde el 2002 navega en solitario, publicando discos en su propio sello, Kye.
La única manera de definir el acercamiento de Lambkin a la creación musical es a través de adjetivos como arriesgado, radical o experimental. Muchos de vosotros lo encontraréis directamente inescuchable porque su música hace que Sonic Youth suenen como Green Day. Pero algunos de vosotros, fans de la música amorfa y peliaguda, me daréis las gracias algún día. Como estoy seguro de que más adelante volveremos a hablar de él y de su fabuloso combo terrorista The Shadow Ring, hoy nos vamos a centrar en este estupendo LP que tuvo a bien publicar hace cuatro años, en el 2007.
Leí en el foro de I Hate Music una maravillosa descripción del disco: es como si acabaras de entrar en tu nueva casa y descubrieras que los antiguos inquilinos se olvidaron unas cintas de cassette en un cajón de la cocina. "Salmon Run" son esas cintas: Field recordings domésticos (lluvia, grabaciones de música clásica, risas, respiraciones), efectos de sonido y algún breve añadido instrumental. El efecto dramático conseguido es realmente poderoso, como si hiciéramos una foto sonora de la vida doméstica de esos antiguos inquilinos. Eran gente extraña, jodida y oscura como somos todos nosotros. En realidad no tenían ni puta idea de nada pero seguían adelante.

Salmon Run

Penguin Cafe Orchestra

2011-12-27T01:35:00.000+01:00

Penguin Cafe Orchestra
(EG Records, 1981)

Un día estaba hablando con un amigo sobre lo grande que es "Eureka", de Jim O'Rourke, y me comentó que el segundo disco de Penguin Cafe Orchestra le recordaba bastante a ese disco. Tiempo después me lo encontré en una cubeta de discos de segunda mano, entre un disco de John Mellencamp y otro de Art Garfunkel. Como me gustó mucho la portada y además el pingüino es mi animal favorito, así que -unida a la referencia O'Rourke- me llevé el disco a casa y lo senté en el sofá.
Recuerdo que lo puse por primera vez una mañana soleada de otoño y me atrapó desde el primer instante. Música instrumental excelentemente arreglada y orquestada, el sonido y el tono del disco te masajea la epidermis con suavidad y delicadeza, moviéndose entre el folk, la música étnica marcianoide y la música de cámara. Las canciones fueron compuestas por Simon Jeffes (1949-1997) e interpretadas por un amplio grupo de instrumentistas.

Cafe

Julian Lynch

2011-12-24T18:40:00.001+01:00

Julian Lynch
"Mare"
(Olde English Spelling Bee, 2010)

Al cabo de la semana escuchamos muchos discos y de vez en cuando me gusta parar las máquinas y profundizar en algunos LPs o artistas y darles más de una vuelta. Es entonces cuando te encuentras sorpresas como "Mare", un disco que se publicó a mediados del año pasado. Una espléndida colección de canciones de ambientación sosegada y psicodélica, muy orientado a las voces y las melodías y con instrumentación muy suave. Se le ha emparentado de manera perezosa con la movida "chillwave" (más que nada por su split single con Ducktails y porque publica en OESB), pero en realidad creo que Lynch tiene más en común con músicos como Brian Eno o Robert Wyatt. Al igual que estos, el de New Jersey juega con el pop desde la experimentación, acercándose en ocasiones al drone, al ambient o al noise más relajante. A estos elementos, Lynch le añade un acercamiento más orientalista y un poco descuidado en las formas (no deja de ser bedroom music). Sus canciones funcionan muy bien como música ambiental pero en escuchas más atentas revelan una cantidad detalles, tanto de producción como de composición, que hacen que el disco vaya ganando forma con las escuchas.

Mare

Nate Young

2011-12-18T17:56:00.004+01:00

Nate Young
"Stay Asleep (Regression Vol. 2)"
(NNA Tapes, 2011)

Bastante sorprendente el giro emprendido por Nate Young en su último disco. Integrante de las bestias pardas del Michigan Noise, Wolf Eyes, Young ha decidido cambiar un poco de dirección con esta obra, así como con el proyecto que lleva por nombre Stare Case (con LP en De Stijl) y en el que también participa John Olson.
Disco oscuro como era de prever pero mucho más minimalista y espartano que los ataques sonoros de Wolf Eyes. Los teclados y sintes utilizados transmiten secuencias que se van repitiendo obsesivamente, mientras por encima se van sucediendo toda clase de ruidos añadidos que le dan un aire de pesadilla realmente conseguido. El tipo de música que se podría calificar tranquilamente como "jodida" o "enferma". También se puede poner el acento en lo poco convencional que es este disco o en la cantidad de sensaciones que transmite. A mí me encanta.

Aquí podeis leer una interesante entrevista que le hicieron en Tiny Mixtapes.
Éste es el soundcloud de Young, en el que va colgando material inédito, lives, etc...

Stay Asleep Vol. 2

J Dilla

2011-12-12T19:59:00.001+01:00

J Dilla
"Donuts"
(Stones Throw, 2006)

Uno de los discos más importantes de la historia del hip hop que se han publicado en los últimos diez años (sinó el más importante). La influencia de Jay Dee puede notarse en miles de DJs hip hop pero su impacto trascendió (como hicieran The Bomb Squad unos cuantos lustros antes que él) cualquier escena o género musical. Una enfermedad degenerativa se lo llevó por delante demasiado pronto, pero Dilla tuvo tiempo suficiente para dejar unas cuantas producciones para el recuerdo.
En el tramo final de su periplo vital, cuando ya prácticamente vivía en el un hospital de LA, Dilla completó "Donuts", una de las cumbres de la música negra, electrónica y hip hop de todos los tiempos.
Se podrían decir muchas tonterías sobre este disco, si no lo conoceis dadle caña.

Codeine

2011-11-13T17:17:00.001+01:00

Dos partes de mi persona libran una batalla interior cada vez que se anuncia una reunión de un grupo que fue muy importante para mi formación como persona. La parte romántica preferiría que las cosas permanecieran en el recuerdo y que el propio paso del tiempo fuera dejando sus huellas sobre ese recuerdo. Otra parte de mí más egoísta desea revivir una pequeña parte de ese pasado.
La última reunificación de uno de esos grupos que habitan muy cerca de mi corazón es la de Codeine.

VHS Head

2011-11-07T22:41:00.001+01:00

VHS Head
"Trademark Ribbons of Gold" (Skam, 2010)
"Midnight Section" (Skam, 2011)

Una puta locura. El misterioso VHS Head (hay rumores de que podría ser un productor conocido actuando bajo pseudónimo) se ha marcado un par de EPs y un LP de los que hacen época. Avalancha de mash ups, samplers y ritmos que se suceden a velocidad de vértigo y en una secuencia aparentemente caótica que sin embargo te hace cabecear rítmicamente como un pelele. Prefuse 73, Aphex ("Drukqs"), Squarepusher, Gescom.. Casi todos los samplers utilizados (líneas de bajo, coros, cajas discotequeras..) parecen tener un origen ochentero (se comenta que sacados de un arsenal de viejas cintas de video) pero el resultado es rrrrabiosamente actual, bailongo y esquizo a partes iguales. El dominio que tiene el amigo Cabezal de VHS para editar y darle a la MPC está al alcance de muy pocos. Muy bestia, en serio.

Trademark Ribbons of Gold LP
Midnight Section EP
Sesión para Mary Ann Hobbs

Discos de música de esta moderna

2011-11-06T12:57:00.004+01:00

Está muy bien pillarse reediciones de cosas antiguas de Miles Davis o Beach Boys o Sun Ra o This Heat o Dylan o quien sea, pero en mi opinión también se editan excelentes discos ahora mismo. Normalmente el último trimestre del año condensa la publicación de la mayoría de discos realmente potentes del año y el 2011, por lo que parece, no va a ser menos.

Byetone "Symeta" (Raster Noton, 2011)

En general, el catálogo de Raster Noton puede llegar a ser un poco demasiado áspero para los oídos del lector medio de Pitchfork, pero no para el instruido visitante del blog Folloneer. Así, "Symeta" (Raster Noton, 2011) puede servir de excelente puerta de entrada al sello alemán. Densidad, capas de sonido que se van intercalando con maestría, energía y repetición. Todavía llevo pocas escuchas, pero me atrevería a decir que "Symeta" es superior a "Death Of A Typographer". Por ponerle un pero al disco: no aporta demasiado a lo ya escuchado en anteriores entregas del amigo Olaf Benders.

Symeta

Oneohtrix Point Never "Replica" (Software, 2011)

Daniel Lopatin nos ha venido sorprendiendo positivamente con cada nueva entrega (excepto quizá con el proyecto-dúo Games) desde que saliera del circuito cassettero hace unos tres años. Su último disco, "Replica", es quizá su disco más sorprendente, mucho más orientado al sampler vocal y a los ritmos que en discos anteriores. Siguen apareciendo multitud de pianos y sintes pero lo que llama la atención de "Replica" es el original uso del sampler vocal.

Replica

Dimlite "Grimm Reality" (Now & Again, 2011)

A pesar de que productores con un poco más de renombre como Ras G o Gaslamp Killer llevan alabando sus beats desde hace tiempo, lo cierto es que Dimlite nunca ha gozado de la popularidad de otros artistas de colectivos como Brainfeeder o Lucky Me. Esperemos que ahora tenga un poco más de suerte porque el suizo DD Grimm un LP de los que hacen época. Psicodelia, JDillarismo, electrónica (IDM, puagh!), hip hop... Una singular mezcla al servicio de un beatmaker de marcada personalidad. Very pepino.

Grimm Reality

Lawrence English "The Peregrine" (Experimedia, 2011)

Inspirado en el libro de JA Baker que lleva el mismo título, el nuevo disco de este maestro del drone pasiajístico sólo se ha editado en vinilo. Dos largas composiciones que, a diferencia de millones de discos que se etiquetan bajo el nombre de "drone" o "ambient" o "modern classical", se caracteriza por un imaginativo uso de las texturas y una fuerza evocativa sin parangón.

The Peregrine

Rangers "Pan Am Stories" (Not Not Fun, 2011)

El segundo LP de Rangers no hace más que confirmar que la década de los 80 puede servir pefectamente como fuente de inspiración. Otros artistas como James Ferraro o Ducktails (por nombrar unos pocos) también parten de esta premisa para desarrollar su propia personalidad. En el caso de "Pan Am Stories", Rangers ofrecen un disco orgánico y progresivos que no le hace ascos al pop (algunos momentos recuerdan a Talk Talk).

Rangers Pan Am Stories

Run DMT

2011-11-04T23:49:00.000+01:00

Run DMT
"Dreams"
(Culture Dealer, 2011)

Conocí la existencia de este artista a través de un artículo aparecido en Altered Zones y he pensado que lo compartiría con vosotros. Es música moderna, de ésta que se edita en cassettes de tirada limitada y que aparece en blogs que parecen hechos por un robot (ya sabeis, textos de dos líneas, 12 entradas al dia, fotos extrañas..). Run DMT me hace querer a la modernidad, a ese underground psicodélico que ya no es underground porque también se cuela en Pitchfork y porque tiene un Tumblr que lo hace accesible. Gente que lleva bambas de colorines y el pelo sucio y que se ponen la capucha aunque no llueva ni nada. Gente que toma drogas.
En fin.
Algunos de ellos resulta que tienen talento, como es el caso de Run DMT (Mike Collins es su nombre verdadero). Música psicodélica hecha con el laptop que a veces es increíblemente minimalista y otras veces se inclina por el songwriting, dejando entrenever un gran amor por Brian Wilson. A ratos puedes pensar en Hype Williams (o un J Dilla muy lo fi), en otras Oneohtrix Point Never, Animal Collective (aaargh!, lo sé)...
Guay.

Run DMT Dreams

L´Hereu Escampa

2011-11-02T16:50:00.003+01:00

Qué video más bonito y qué canción más maja y qué grupo más prometedor!

Al Jarnow

2011-10-31T09:45:00.000+01:00

Me encanta este video sobre un reloj cósmico que acelera el tiempo, creado por Al Jarnow. Este artista estuvo trabajando para "Barrio Sésamo" al mismo tiempo que construía videocreaciones de aire más vanguardista. Tanto unas como otras son muy buenas.
Si quereis conocer un poco más la obra de este artista podeis visitar este artículo en Paste Magazine.

The Holy Modal Rounders

2011-10-30T11:29:00.001+01:00

The Holy Modal Rounders
"The Moray Eels Eat The Holy Modal Rounders"
(Elektra, 1968)

Una de las bandas más estrambóticas que surgió de la escena underground de mediados/finales de los 60 (y eso es decir MUCHO) fueron los Holy Modal Rounders de Peter Stampfel (también en The Fugs) y Steve Weber. Un par de muchachos que, como muchos de sus compañeros de generación (entre ellos Bob Dylan), quedaron absolutamente marcados por la música contenida en la "Anthology of American Folk Music" de Harry Smith. En ella, Smith abocó todas las grabaciones de campo musicales que había hecho por la América interior, músicos aficionados que representaban un eslabón en la cadena evolutiva de la música popular norteamericana. Stampfel y Weber decidieron de alguna manera intelectualizar ese legado y acentuar el factor "freak" o surrealista que tenían algunas de esas grabaciones.
Sus dos primeros discos se pueden encuadrar más o menos fácilmente dentro de la escena folkie del Greenwich Village neoyorquino, pero el tercer disco del grupo ("Indian War Whoop" 1967) y sobretodo el cuarto ("The Moray Eels Eat The Holy Modal Rounders" 1968) se sitúan con derecho propio dentro de su propia galaxia: psicodelia, folk, country, ragtime, surrealismo, blues, hillbilly, LSD... El primer corte del disco ("Bird Song") marca perfectamente el tono del resto del disco. Es una de esas canciones extrañas y deformes que marcan una frontera clara: o entras dentro o te quedas fuera (me gustaría ver vuyestra cara cuando la escuchais por primera vez). De manera alucinante, la canción de marras obtuvo una certa repercusión comercial (al fin y al cabo estamos hablando del Estados Unidos de finales de los 60) y se incluyó, como no podía ser de otra manera, en la banda sonora de "Easy Rider".
El resto del LP combina instrumentación acústica y eléctrica y, más de 40 años después, se podría decir que suena de maravilla y que es un disco mucho más interesante que la mayoría de artistas contemporáneos que se mueven dentro de lo que se dio en llamar "weird americana" (con Devendra Barnhart a la cabeza).
Un disco caótico, extraño y hermoso, muy poco conocido pero absolutamente esencial para entender lo que eran los 60.

The Holy Modal Rounders

Marion Brown "The Marion Brown Quartet" (ESP Disk, 1966)

2011-10-26T20:36:00.001+02:00

Marion Brown
"The Marion Brown Quartet"
(ESP, 1966)

A pesar de haber colaborado con músicos como Coltrane, Anthony Braxton o Archie Shepp (nada menos que en "Attica Blues"!), la figura de Marion Brown nunca gozó de mucha popularidad entre los amantes del free jazz de los 60 y 70. Procedente de Atlanta, Brown llegó a Nueva York en 1962 y enseguida se hizo un hueco en la bulliciosa y vanguardista escena neoyorquina (Coleman, Sun Ra, Pharoah Sanders, Rashied Ali, Archie Shepp) y al cabo de poco tiempo -en 1965- tuvo ocasión de participar en las sesiones que dieron lugar a "Ascension", una de las obras capitales de la etapa final de Coltrane. Al año siguiente, Brown logró captar el interés del sello referencia del free jazz más arriesgado, ESP Disk, en el que publicaría dos LPS ("The Marion Brown Quartet" 1966 y "Why Not?" 1968).
Tres extensas composiciones dan forma a este fabuloso LP, en el que la sección rítmica formada por el batería Rashied Ali y Reggie Johnson y Ronnie Boykins al contrabajo deja el espacio suficiente para que Brown despliegue toda su personalidad artística. A diferencia de otros artistas de ESP (Albert Ayler a la cabeza), Marion Brown no necesita pisar el acelerador todo el rato y, aunque el material aquí recogido es fruto de la libre improvisación, aparecen varios destellos líricos de bastante mérito.

Marion Brown Quartet

A Frames "Black Forest" (Sub Pop, 2005)

2011-10-25T18:25:00.001+02:00

A Frames
"Black Forest"
(Sub Pop, 2005)

A Frames se formaron en Seattle a finales de la década de los 90 y a lo largo de los siguientes diez años publicaron un total de cuatro discos. El batería, Lars Finberg, se unió a The Inteligence y los otros dos miembros del grupo (Erin Sullivan y Min Yee) formaron AFCGT, un combo bastante más orientado a la experimentación y la improvisación y que publicaron un LP en Sub Pop el año pasado.
Los cuatro discos de A Frames son muy parecidos en cuanto a sonido y solidez de las composiciones, pero yo le tengo especial cariño al tercero, "Black Forest" (Sub Pop, 2005), porque fue el disco con el que descubrí al grupo, lo he escuchado un porrón de veces y se lo he regalado a la gente.
A priori es sencillo definir a A Frames como una banda claramente influenciada por Joy Division, Gang of Four y Wire y el post-punk británico y oscuro de finales de los 70/principios de los 80. A Frames toman ese referente como un punto de partida, no como una meta.
Normalmente las canciones de este trio siguen un patrón característico: la batería y el bajo construyen una base repetitiva compleja y ligeramente matemática y/o robótica sobre la que la guitarra y voz van entrando y saliendo, lanzando patadas y puñetazos mientras los otros dos siguen a lo suyo, añadiendo tensión. Lo estrambótico de algunas de estas bases hace que pienses en grupos como Polvo o US Maple, pero cuando entra la elegante voz de Erin Sullivan ya no te acuerdas de Polvo ni nada. Tampoco se puede pasar por alto el lado más pop del grupo, que hace brillar a gran altura composiciones como "Memoranda" o "Eva Braun. Un disco adictivo que crece con las escuchas y que merece todas las reivindicaciones posibles.

A Frames

Dan Melchior und Das Menace "Thank You Very Much" (SS Records, 2009)

2011-10-22T18:33:00.003+02:00

Dan Melchior und Das Menace
"Thank You Very Much"
(SS Records,, 2009)

Doble LP con 16 estupendas canciones que el artista de origen británico grabó para el interesantísimo sello americano SS Records (A Frames, Los Llamarada, Sightings...) poco después de establecerse en North Carolina. Como en la mayoría de discos de Melchior, cada canción es un universo en sí mismo, moviéndose con maestría entre el rock´n´roll, el garage, la psicodelia y el blues. Se le ha comparado con Syd Barret y Robyn Hitchcock pero realmente creo que al amigo Dan hay que darle de comer aparte. Es cierto que una cierta estética lo-fi se impone en todas las canciones pero nuestro hombre se las arregla para mantener un discurso personal, genuino y enigmático a partes iguales, tanto a nivel de producción como de composición y letras. En "No Horizon/No Prescription", por ejemplo, repite sin cesar "There´s no horizon, I can show a diagram", unas palabras que pueden tener una lectura política, metafísica o sociológica dependiendo del día o del lugar en que la escuches. Dan tiene el sonido pero, ojo, también tiene las Canciones.
Dan Melchior ha publicado un montonazo de discos y algunos fans prefieren sus primeros discos, pero "Thank You Very Much" es una joya mugrienta del lo-fi garage rock´n´roll de autor con tintes psicodélicos y seguro que os gusta.

Pasaros por su página y apoyad a este artista.
Os podeis pillar "Tank You Very Much" en vinilo por doce pavos (más gastos) en la web de SS Records.

Thank You
Very Much

Billy Childish & Holly Golightly "In Blood" (Damaged Goods, 1999)

2011-10-19T23:54:00.001+02:00

Billy Childish and Holly Golightly
"In Blood"
(Damaged Goods, 1999)

En 1999, Holly Golightly grabó un disco muy parecido (un poco menos blues, si acaso) al que un par de años después haría con Dan Melchior y del que hablábamos un par de entradas atrás. "In Blood" en muchos sentidos es un disco perfecto. Simple, directo, básico y con un sonido más bien cochambroso que hacen que las canciones de dos acordes aquí incluidas se te peguen al cuerpo, como sucede con Beat Happening o los Sonics. El pie te empieza a hacer "stomp stomp". Piensas en dejarte tupé y no lavar los tejanos con tanta frecuencia. Un riff, dos acordes. La batería haciendo todo el puto rato lo mismo. Se acaba una y luego empieza otra igual de buena o incluso mejor. Doce pedazo de canciones que acaban creando un ambiente hipnótico e irresistible.

In Blood

Oneohtrix Point Never

2011-10-18T23:30:00.000+02:00

Se está cocinando un megapost sobre el amigo Daniel Lopatin. Mientras tanto aquí tenéis un clip de su nuevo disco, "Replica" (Software, 2011).

Vladislav Delay "Multila" (Chain Reaction, 2000)

2011-10-17T23:54:00.001+02:00

Vladislav Delay
"Multila"
(Chain Reaction, 2000)

No me considero un fan especialmente apasionado de la música electrónica pero si algún día bajara John Coltrane de los cielos y me dijera que en adelante únicamente podría escuchar material editado por Chain Reaction sería igualmente un hombre feliz. Llevo ya unos cuatro años saboreando, masticando, absorviendo y alucinando con la música que en su momento editó el sello de Berlín capitaneado por Moritz Von Oswald y Mark Ernestus. Dejaron de editar discos en el 2003, pero su catálogo todavía persiste como uno de los más excitantes e innovadores de la escena electrónica experimental de todos los tiempos.
Otro día nos detendremos en el dúo que hizo grande a Chain Reaction, Basic Channel, pero hoy nos ocuparemos de un disco -el impepinable "Multila"- que recopila los 12" que el artista de origen finlandés Sasu Ripatti (aka Vladislav Delay, Luomo, Sistol, Uusitalo, Conoco y también componente del Moritz Von Oswald Trio) publicó a principios de la década pasada.
A lo largo de las siete composiciones que forman parte de este LP, Delay gravita alrededor de las señas de identidad de Chain Reaction: uso de un minimalismo que huye del 4x4 sin perder empuje, profusión de tonalidades y texturas atmosféricas, bajos subacuáticos... Se ha hablado mucho de la influencia de la música jamaicana en Basic Channel (Moritz Von Oswald es uno de los culpables de la recuperación de la música Dub a principios del 2000) y escuchando "Multila" uno puede encontrar similtudes con los grandes productores jamaicanos: ambos comparten la intención de hipnotizar al oyente a través de un uso muy imaginativo de las técnicas de producción. Los discos de Chain Reaction (y éste de Vladislav Delay es un perfecto ejemplo) suenan jodidamente bien. Reproducen un tipo de música aparentemente repetitiva pero que son increíblemente entretenidos de escuchar, sobretodo los dos o tres temas que se van más allá de los quince minutos.

(Por cierto, este CD ha sido reeditado por el propio sello que Delay fundó a finales de los 90. Lo podeis comprar por 7 euros -incluyendo gastos!- a través de la página del sello)

Multila 1
Multila 2

The Lounge Lizards "S/T" (EG Records, 1981)

2011-10-16T10:15:00.002+02:00

(Carles Novellas ha tenido a bien colaborar con este follón de Blog y lo hace con una estupenda entrada sobre los Lounge Lizards de John Lurie, uno de aquellos grupos que dignifican el legado musical de la década de los 80. Gràcies, Carles!)

The Lounge Lizards

"The Lounge Lizards"

(EG Records, 1981)

La figura de John Lurie resulta irresisitible por su carácter poliédrico y por haber representado durante los ya lejanos 80 la viva imagen de lo que entendemos como cool: downtown neoyorkino, jazz, camiseta imperio y tirantes, cine, arrogancia, cigarrillos... Tras haberlo descubierto en "Down By Law" y "Stranger Than Paradise" -en las que Lurie, como tantos otros no-actores utilizados por Jarmusch en sus películas, se interpretaba a si mismo- y haber escuchado parte de su música tanto en solitario (la banda sonora de "Down By Law", precisamente) como con los Lounge Lizards, me olvidé de él. Como casi todo el mundo, en realidad.

Hasta que hace apenas unos meses mi amigo Gorka me pasó los capítulos completos de la muy delirante "Fishing With John", serie de culto en la que nuestro hombre se va de pesca con colegas de la talla de Tom Waits, Jim Jarmusch, Dennis Hopper, Matt Dillon y Willem Dafoe, y lo filma en míticas cápsulas televisivas de apenas 30 minutos. Al ver el primero de estos episodios (el de Jarmusch y el tiburón azul de Montauk) de golpe volvieron, inevitablemente, las imágenes del Lurie primigenio, ese saxofonista jazz de vocación experimental y mirada hastiada, y el recuerdo difuso de The Lounge Lizards y su primer disco, fechado en 1981, con esa portada tan atractiva y premeditada, que a mi me recordaba a los veteranos periodistas cascarrabias de "Primera Plana", de Billy Wilder. También aparecieron, ante mi insaciable curiosidad rayana en el verdulerismo, las noticias que ya había medio leído en su momento que nos hablan del Lurie de hoy, un hombre perdido, tristemente enfermo y obsesionado por el acoso de un ex-amigo pintor con el que compartió casa, tragos de whisky y largas partidas de ajedrez (más detalles de esta inquietante historia aquí y aquí).

Y volvieron, claro, las ganas irrefrenables de escuchar otra vez, y con oídos nuevos, ese jazz noir, barriobajero y a ratos caótico -entre Albert Ayler y Bernard Hermann- de sus elegantes lagartos de salón. Junto a Lurie están en este debut homónimo su hermano Evan, al piano; Steve Piccolo, al bajo; y dos músicos de la talla de Anton Fier (batería de los Golden Palominos y ex-miembro de The Feelies) y Arto Lindsay (guitarrista clave de la no-wave al frente de DNA). Más tarde se le unirán otros muchos instrumentistas de primera fila (Marc Ribot y John Medeseki entre ellos) y habrá otros álbumes de los Lizards, tanto de estudio como en directo. Especialmente recomendable es "Voice of Chunk", de 1989. Pero su trabajo más emblemático y admirado sigue siendo este superlativo primer álbum, un disco-joya cuyos destellos brillantes se suceden sin pausa ante nuestros atónitos oídos: los arañazos sangrantes de Lindsay en "Ballad"; el ritmo ultra-trepidante de "I Remember Coney Island"; la fluidez y el swing, un poco a lo Henry Mancini, de "Conquest of Rar"; el bop reinterpretado de "Well You Needn't" (la primera de las dos versiones de Thelonious Monk que se incluyen en el álbum); el piano de puro cine negro en el arranque de "Incident On South Street"; los quiebros inesperados de "Au Contraire Arto"... Música entre la academia y el punk, que llega directa y pega duro al alma y al estómago, que fluye en su espíritu free y que queda como una muestra de lo que el jazz puede y debe ser y significar para cualquiera que tenga las orejas bien abiertas.

Lurie

Bombino "Agadez" (Cumbancha, 2010)

2011-10-13T21:31:00.001+02:00

Bombino

"Agadez"

(Cumbancha, 2011)

Al rebufo de un gran grupo como Tinariwen han surgido otros artistas con cosas que decir. Algunos de ellos (Terakaft) ya han aparecido en este blog anteriormente y otros lo harán en el futuro (Tamikrest). Hoy quería hablar de Bombino.
Los que leáis el Rockdelux habitualmente quizás ya conoceis su historia: residente en Agadez, ciudad al norte de Nigeria, Omara "Bombino" Octar tuvo que emigrar al sur de Argelia cuando estalló la rebelión tuareg. Mientras vivía en el exilio y se ganaba la vida como cocinero, el cineasta Ron Wyman (autor del documental "Agadez, The Music and The Rebellion") quedó prendado con su música (a la que había llegado escuchando cassettes con grabaciones en vivo) e intentó contactar con él. A principios del 2010 lo consiguió y animó a Bombino a que grabara sus canciones. El maravilloso album que presentamos hoy, "Agadez" (2011), es el resultado. Es fácil adivinar la influencia de Tinariwen y de la música tradicional del norte de Nigeria, pero sin duda estamos ante un artista con una voz propia, personal. Es fácil encontrar ecos de artistas occidentales como Hendrix, Page e incluso Jerry Garcia o Mark Knopfler. Largas composiciones que giran entorno a las improvisaciones de Bombino pero sin perder de vista el componente espiritual que hace que escuchar "Agadez" o los discos de Tinariwen sea una experiencia especial. Aunque uno nunca haya estado en el desierto (ni -ya que estamos- haya tenido que marchar de su país por fuerza) es muy sencillo sentir una conexión instantánea con el discurso estético de esta tropa de músicos.

Aquí podeis acceder a su bandcamp y pagar por bajaros el disco, hoy no hay enlace

A continuación teneis oportunidad de escuchar una sesión que hizo para una emisora de radio de LA. Pelos de punta como las primeras veces que ves a Tinariwen.

Holly Golightly & Dan Melchior

2011-10-09T20:26:00.003+02:00

Holly Golightly & Dan Melchior
"Desperate Little Town"
(Simpathy For The Record Industry, 2000)

Amo a Dan Melchior con toda mi alma pero enfrentarse a uno de sus discos puede ser una experiencia -digamos- molesta para la mayoría de los mortales. No es el caso de este maravilloso LP que el de Baltimore grabó junto a Holly Golightly (Thee Headcoatees) hace más de una década y que ahora ha recuperado una cierta visibilidad gracias a su reciente reedición (sí, son tres palabras que empiezan por "re"). Diez estupendas canciones que no pasarán a la historia por su complejidad compositiva sino por la calidez que habita en el blues esquelético y destartalado. Lo mejor del show? La combinación de las voces de Gollightly y Melchior, como beber aguardiente mientras olemos unas gardenias. Si cuando os enfrentais a grabaciones antiguas de Robert Johnson o Skip James os cuesta entrar en situación, probad con este LP; esta pareja recoge perfectamente el espíritu de aquellas canciones desde una perspectiva más contemporánea.
Muy probablemente ambos volverán a aparecer por este blog en algún otro momento de esta historia que tú y yo compartimos.

Desperate Lil Town

Eh "La Fase del Sueño Intratable" (BCore, 2011)

2011-10-03T18:26:00.001+02:00

Eh!
"La Fase del Sueño Intratable"
(BCore, 2011)

Hace unos días colgábamos una entrevistilla que le hicimos al bueno de Elías Egido, la mente pensante al frente de Eh! La entrada de hoy es sobre su nuevo disco, "La Fase del Sueño Intratable" que ya podeis escuchar en Soundcloud (nube al final de la entrada).
Todo un lujo. La amplitud de registros expresivos que maneja este conjunto, la exquisitez en las interpretaciones, la calidez de la grabación, la riqueza en cuanto a texturas y creación de atmósferas… La segunda entrega de Eh!, el proyecto capitaneado con mano de santo por Elías Egido, confirma las expectativas que levantó entre el público más selecto su primer disco, “36 de 48” (BCore, 2009). Si en esa obra participaban cuatro músicos además del ex bajista de Standstill y E-150, en “La Fase Del Sueño Intratable” (BCore, 2011) son nada menos que once los músicos que ahora toman parte en la función. Artistas de la escena sevillana y madrileña, componentes de bandas como Pony Bravo, Hand of Fátima o Matiné colaboran decisivamente en este ambicioso proyecto. También encontramos en los créditos la participación del músico catalán Rubén Martínez, quien ya estuvo con Elias en Standstill. Fue en los Estudios La Mina de Sevilla donde se grabó el disco, con la ayuda de Raul Pérez (grabación y mezclas).

El resultado de este proyecto colaborativo suena con una potencia expresiva inédita en nuestro país: un torrente de ideas y motivos instrumentales se van desplegando ante nuestros oídos y cada uno de los ambientes que recrean las diez canciones del disco son ejecutados con verdadera maestría por los componentes de la banda (violas, saxos, slide guitars, contrabajos, trompetas…). La banda sonora de estos diez sueños va tomando forma poco a poco, desvelando una madurez compositiva e interpretativa que no está al alcance de cualquiera. Se nota que estos artistas han recorrido un largo camino y es su veteranía la que marca positivamente el discurso de Eh!

Los referentes artísticos que han servido de inspiración para “La Fase Del Sueño Intratable” revelan una ambición creativa que se ve ampliamente recompensada con los resultados. Mientras en “36 de 48” el ambiente predominante era de tonos oscuros y crepusculares, en el nuevo disco la paleta expresiva gana en amplitud. Más riesgo, mayor dinamismo. De las atmósferas envolventes a las expansivas. Ennio Morricone, Lalo Schiffrin, JG Thirwell (también conocido como Foetus), los “Filmworks” de John Zorn o bandas que no se dedican al “score” exclusivamente como Tortoise o Aloha son referencias estilísticas que el público más cultivado sabrá apreciar.

Eh! (La Fase Del Sueño Intratable) by BCore Disc

Agitpop

2011-09-27T20:39:00.001+02:00

(Nuestro amigo Marc Balfagón, aka "El Balfita", inicia su colaboración con Un Gran Follón introduciéndonos a la obra de esta banda ochentera, Agitpop. Gracias, man!)

Agitpop eran un grupo de art-punk americano que habitó, de manera bastante discreta, la década de los ochenta. Su sonido basculaba entre el punk college de los Replacements o Minutemen y los devaneos arty de grupos herederos de Captain Beefheart y Red Krayola como Pere Ubu. Ahora que lo pienso, un buen nombre para describir al grupo sería collage punk.

Oídas ahora, sus canciones suenan con una pureza increíble: rabiosas, extrañas, cambiantes, libres…pero siempre conservando la forma y el estribillo. De sus cuatro discos, me quedo con los dos primeros ("Feast of sunfish" y "Back at the plan of jairs"), los más personales y experimentales, pero "Open Seasons" y "Stick it" son igualmente brutales. Estos dos últimos son los que prefiere Carlos Alonso, persona que me descubrió el grupo y que tiene menos tolerancia que yo a los sonidos rarunos. No dejes que el tiempo los entierre y dales una oportunidad.

Feast of sunfish

Stick It Open Seasons

Sun Araw "Ancient Romans" (Drag City/Sun Ark, 2011)

2011-09-22T18:50:00.004+02:00

Sun Araw
"Ancient Romans"
(Drag City/Sun Ark, 2011)

Estaba escuchando el último disco de Mark McGuire para Mego y un pensamiento ha cruzado mi mente: quizá todos estos chachos que sacan tantos discos (y que tienen mil proyectos paralelos) no aspiran a que su música sea escuchada de manera repetida y atenta. Es imposible escucharse la discografía de -digamos- Wolf Eyes con detenimiento, con lo que uno acaba teniendo una impresión del conjunto, como si cada disco (o CDR) fuera en realidad una canción de un disco de 427 minutos. Ahora hay MÁS de todo: más conciertos, más grupos buenos, más grupos malos, más grupos gñe, más festivales, más gente que sabe de música, más grupos en el Rockdelux, más listas, más revisiones con grupos antiguos que no habías escuchado y que deberías conocer... No sé si es bueno o malo, pero la escena actual es así.
Sun Araw (aka Cameron Stallones) es de estos que tiene un sótano y mucho tiempo libre y, también hay que reconocerlo, personalidad. Casi todo lo que ha sacado mantiene bastante interés, aunque también es cierto que podría haber editado exactamente la mitad de lo que ha sacado y el mundo seguiría girando tan tranquilo. A mí los que más me gustan son los que está sacando últimamente. De "On Patrol" (Not Not Fun, 2010) ya hablamos por aquí y ahora el amigo Stallones ha tenido a bien compartir con nosotros "Ancient Romans" (Drag City/Sun Ark, 2011), un disco que -al igual que el anterior- trasciende la mierdosa etiqueta del chillwave, porque suena a un montón de cosas a la vez. Sun Araw ya hace ese tipo de música que se convierte en un ser mutante y cada vez que la escuchas adopta una forma distinta: ahora Dub de andar por casa, ahora Psicodelia hippilonga, ahora Dronerio, ahora Kosmische, ahora Alemania peluda, ahora Disco patibulario... Todo ello mezclado con las señas de identidad que hacen que todo esto tenga solución de continuidad: ecos, reverberaciones, flangers, bajos que te llevan por los sitios, teclados que encienden lucecitas y una tendencia a alargarlo todo hasta el límite.
Bastante bien. Esto de la música moderna a veces parece que está bastante bien.

Sun Araw Romanos Ancientes

Ali Farka Touré "Niafunké" (World Circuit, 1999)

2011-09-19T22:09:00.001+02:00

Ali Farka Touré
"Niafunké"
(World Circuit, 1999)

En una larga conversación* que pudimos mantener con Daniel Higgs, el cantante de Lungfish nos explicaba cómo la música del llamado tercer mundo se construye alrededor de una tradición y a partir de ahí va evolucionando. Siempre con las raíces presentes la música se mueve hacia adelante y cambia de forma. Nos explicaba que los músicos del sur de la India conocen la vida de grandes músicos de la comunidad que vivieron hace más de siete siglos. En Occidente, mientras, nos preocupamos constantemente por generar nuevas músicas que rompan con lo preestablecido, que hagan rabiar a nuestros padres, quizá movidos por los intereses de las grandes compañías discográficas ávidas en crear siempre nuevas tendencias. En Occidente –continuaba Daniel- tenemos una idea equivocada de lo que es la tradición: tendemos a pensar en lo tradicional como algo que tiene que mantenerse exactamente igual a lo largo de los siglos (Stravinsky, Wagner, Beethoven, las sardanas, las jotas, Wynton Marsalis).

Cuando Ali Farka Touré grabó este disco su intención era volver su mirada hacia sus raíces.Ya había gozado de una notable notoriedad a nivel internacional (Premios Grammy junto a Ry Cooder, exitosas giras internacionales) y sentía que debía volver al corazón de su identidad cultural, devolver a Mali lo que había aprendido de su periplo en Occidente. Su música en ningún momento se alejó en exceso de sus raíces, pero el gran Ali sentía que se había alejado de ellas. Qué mejor manera que grabar el disco en Niafunké, la población situada al norte de Mali en la que creció y de la que sería alcalde unos años más tarde. El resultado es uno de los discos más espirituales y serenos de Touré. Desarrollos que adquieren un tono mediatitvo y profundamente espiritual en su mayoría y que demuestran que la música de este artista es de ésas que hace grande una tradición y que la renueva sin que pierda sus señas de identidad.

Niafunké

*Esta entrevista será publicada dentro de poco (ahora sí!).

Nuno Canavarro "Plux Quba" (Moikai, 1999)

2011-09-13T23:00:00.002+02:00

Nuno Canavarro
"Plux Quba"
(Moikai, 1999)

Nuno Canavarro es un músico portugués de corte electrónico y experimental. Publicó "Plux Quba" en el año 1988 y no tuvo mucha repercusión, a pesar de lo avanzado y enigmático de su sonido. Un par de años después, Christoph Heeman introdujo a Jim O`Rourke y Jann St Wener (Mouse On Mars) a la música de Cannavarro y el de Chicago acabó reeditándola en Moikai, el subsello de Drag City, diez años después.
La verdad es que este disco se las trae. No se parece a nada que haya escuchado. Quizá se podría emparentar a algunas cosas de Kevin Drumm, de Pauline Oliveros o de Mouse On Mars (aunque estos vinieron después del portugués) y estoy convencido de que gente como The Notwist, Guillermo Scott Herren (Prefuse 73), Nobukazu Takemura o media plantilla del sello Anticon (Bracken, sobretodo) han escuchado este LP en algún momento. Quince cortes de electrónica bastante experimental que sin embargo transmite una sensación de calidez y de cercanía que no se acostumbran a encontrar en este tipo de artefactos. Al principio cuesta un poco acostumbrarse al ritmo en el que se suceden las canciones, porque la mayoría son temas relativamente cortos que tienen un motivo central claramente definido y que no varía mucho en su desarrollo. Después de unas cuantas escuchas el tono intimista -odiaría decir "emocional"- acaba resultando familiar y extrañamente adictivo. El uso de voces distorsionadas a un volumen bastante bajo en la mezcla es uno de esos trucos originales que muestran a las claras que el portugués es un artista con una voz propia.
"Plux Quba" serían como quince polaroids distintas, quince texturas. Quince tipos de luz.
Un disco asombroso que vale la pena reivindicar más de veinte años más tarde.

Canavarro

Bombino

2011-09-12T23:35:00.002+02:00

Jeff Parker "The Relatives" (Thrill Jockey, 2005)

2011-09-10T22:44:00.001+02:00

Jeff Parker
"The Relatives"
(Thrill Jockey, 2005)

Mi subconsciente es sabio. Cuando no tengo muy decidido qué voy a escuchar, Él guía mis pasos. Hacia Chicago, ya sabeis. Normalmente pienso en todos los discos de la Gran Familia de Componentes de Tortoise que me quedan por escuchar/descubrir/reescuchar/prestar más atención/etc.. John Herndon. John Mc Entire. Doug McCombs. Dan Bitney. Jeff Parker. La lista de proyectos interesantes en los que se ha visto envuelto alguno de los miembros de la GFCT es de ésas que estimulan las papilas gustativas: Bastro, The Sea And Cake, Isotope 217, The For Carnation, Chicago Underground Trio, Brokeback, Pullman, Directions In Music, Eleventh Dream Day...
Jeff Parker es el Tortoise que aporta un elemento más genuinamente jazzístico y sus discos en solitario todavía se acercan más a este tipo de música. De entre todos los que ha publicado (con resultado desigual, todo hay que decirlo) el más interesante es "The Relatives", editado por Thrill Jockey en el año 2005. En él colaboran músicos de la escena experimental de Chicago de entre los que destaca Chad Taylor (batería de Chicago Underground Duo/Trio junto a Rob Mazurek y el propio Jeff Parker y que también es conocido por tocar en los discos en solitario de Sam Prekop, el cantante de The Sea And Cake).
A lo largo de las ocho composiciones que dan forma a este fantástico disco, el cuarteto (guitarra, bajo acústico, teclados Fender y batería) se mueve dentro del terreno del Jazz relajado y accesible (quizá un cierto aromilla soul se cuela en alguna ocasión) que no suena a naftalina y que no se pierde en extravagancias innecesarias. Los cuatro músicos desarrollan variados diálogos musicales que en todo momento mantienen la chispa y el interés y que dejan un excelente sabor de boca.
Grabado en los estudios SOMA de Chicago por John McEntire.

Lo podeis comprar por unos ocho euros en Thrill Jockey.

The Relatives

Eh!, una entrevista con Elías Egido

2011-09-08T16:16:00.001+02:00

Elias Egido ha dado unas cuantas vueltas desde que dejara Standstill y E-150. A lo largo de este tiempo ha estado ocupado -entre otras cosas- con un estimulante proyecto musical que lleva por nombre Eh! Hace un par de años ya sorprendió con "36 de 48" (BCore, 2009), un CD grabado en Sevilla con músicos de la escena local y madrileña. Un portentoso concierto en las fiestas del BAM barcelonés confirmó la solidez del conjunto, que ahora se ha visto confirmada con la publicación de su segundo disco, "La Fase Del Sueño Intratable" (BCore, 2011). En él encontramos diez canciones orientadas al imaginario de las bandas sonoras que harán las delicias de los fans de Lalo Schiffrin o de los "Filmworks" de John Zorn. Todo ello construido y ejecutado con un buen gusto y una claridad de ideas que los sitúan como una verdadera rara avis dentro del panorama musical estatal. Charlamos brevemente con él via email y esto es lo que nos explicó.

Al final de la entrevista podeis escuchar entero su estupendo primer disco, "36 de 48", ya que muy amablemente la peña de BCore nos lo ha subido a las nubes. Dentro de poco la indie de Barcelona publicará su segundo álbum, "La Fase Del Sueño Intratable", únicamente en vinilo (las copias incluirán el disco en formato CD)

1. Elias, nos puedes poner un poco al tanto de lo que has estado haciendo musicalmente en estos últimos tiempos? Qué tipo de música has estado escuchando, si has estado ensayando con alguien regularmente, etc..?

Tras cerrar mi etapa como miembro de Standstill y tomarme dos años de desconexión musical decidí retomar mi camino creando el proyecto Eh!, del cual Bcore editará la primera quincena de octubre la segunda referencia del grupo, "La fase del sueño intratable". Hasta febrero de este año en el que volví a Badalona, ensayaba con el grupo madrileño llamado Le Traste y en este tiempo he estado escuchando todo tipo de música, desde cosas más acústicas como Josh T. Pearson o Bon Iver a cosas más personales como Pony Bravo o John Zorn.

2. Cómo empezaste con el proyecto Eh!? Tenías en mente alguna idea previa o la cosa fue tomando forma a medida que todo empezó a rodar?

El punto de partida del proyecto toma forma el día en que tengo diez canciones que considero cerradas y listas para ser grabadas. Durante la grabación de "36 de 48" (BCore, 2009) conté con la batería de Daniel Arrizabalaga y el resto de músicos aportó su lenguaje trabajando desde su casa. En cambio en esta última grabación he tenido la suerte de poder grabar con la mayoría de músicos directamente en el estudio. De hecho ahora mismo Eh! ha dejado de ser el proyecto en solitario de Elías Egido para convertirse en una banda, es más, hemos pasado de ser cinco músicos trabajando individualmente desde su casa a diez personas en el estudio, con el nivel de risas que eso conlleva.

3. Los dos discos tienen un componente “banda sonora” bastante marcado. Qué compositores te han marcado? En qué crees que se diferencia la música de bandas sonoras con la demás (si es que ves alguna)?

Además de los clásicos Morricone y Schiffrin, me gustan mucho Don Ellis y Danny Elfman, por supuesto todo el trabajo que realiza John Zorn con su serie Filmworks me parece excelente. Las BSO y en general la música instrumental permiten al oyente construir imágenes mentales. Dependiendo del estado de ánimo en el que te encuentres cada escucha va a ser distinta, aunque al final la música es música.

4. Has hecho muchos conciertos tocando los temas de “Eh!? Qué planes tienes al respecto en el futuro próximo?

Preferimos hacer pocos conciertos al año ya que los miembros de Eh! están repartidos por toda la geografía española con los problemas de logística que ello supone. Todo el mundo involucrado tiene claro que este es un proyecto a cuidar debido a la gran amistad que nos une a todos y como cada uno de nosotros tiene proyectos más activos en directo, cuadrar nuestras agendas a veces puede ser considerado como un pequeño milagro.

5. Tengo curiosidad por conocer tu opinión respecto a lo que hacen Standstill en los últimos discos. Mantienes el contacto con ellos?

Guardo un recuerdo único de mi etapa como Standstill, mi lenguaje musical no sería el mismo de no haber formado parte de ese proyecto. Por supuesto que mantengo contacto con ellos y sigo admirando su capacidad para ofrecer nuevos puntos de vista a su manera de entender la música.

6. Los nombres que me vienen a la cabeza son Mirrocone y Schiffrin, pero también me ha recordado bastante a JG Thirwell (Foetus). Lo conoces? Te gusta su trabajo?

Foetus y Steroid Maximus son dos de sus proyectos que mas me gustan, concretamente el album "Gash" es mi favorito y ciertamente hay paralelismos entre su trabajo y el de Eh!.

Eh! "36 de 48" by BCore Disc

Voice Of The Seven Woods "S/T" (Twisted Nerve, 2007)

2011-09-05T22:50:00.001+02:00

Voice Of The Seven Woods
"Voice Of The Seven Woods"
(Twisted Nerve, 2007)

Rick Tomlinson es un músico británico afincado en Bolton, cerca de Manchester, que practica un estilo de música que se podría denominar como psicodélico. Iba a decir "folk psicodélico", pero es una etiqueta que me da náuseas porque hay un millón de bandas absolutamente mediocres que son definidas como "folk psicodélico". Tomlisnon va mucho más allá. Muchísimo más allá.
Tras la publicación de incontanbles CDRs, maxis y siete pulgadas (todos ellos con un muy notable nivel de interés) el proyecto musical conocido como Voice of the Seven Woods (ahora toca bajo el alias de Voice of the Seven Thunders) materializó su culminación con un LP que el sello británico Twisted Nerve publicó en el 2007. Bien. Este disco lo escuché por primera vez hace relativamente poco y me voló la cabezota. A priori -como decía antes- tiene todos los elementos que hacen que un grupo se me indigeste:

1. Están influidos por la psicodelia sesentera
2. Tiene sitars
3. La música recuerda vagamente a Incredible String Band o Pentangle (dos bandas que amo pero que han influenciado a un montón de grupos de mierda)
4. Tiene alguna guitarra con wah wah
5. Algunos momentos te hacen pensar en gente con peinados extraños y pantalones de tergal.
5. Están influidos por la psicodelia turca (!)

Básicamente el disco sería como sintonizar una extraña frecuencia de radio en la que en cada emisora estuvieran pinchando un tema diferente de los 60 (Nick Drake, John Fahey, Davy Graham, Bert Jansch/Pentangle, Can, Hendrix, Zeppelin... además de los citados más arriba) y cada tres o cuatro minutos fuéramos moviendo el dial a un lado o a otro. Normalmente estos discos que abarcan un espectro tan amplio de influencias están muy bien sobre el papel, pero no me acaban de gustar. El conjunto suele carecer de un hilo que lo cohesione todo y te queda la sensación de que estás escuchando un recopilatorio de bandas diferentes. En Voice of the Seven Woods, en cambio, todo cobra sentido: un artista paga su tributo a los gigantes que le enseñaron a andar y lo hace de una manera arrolladoramente personal, genuina. Lo hace como si nunca se hubiera hecho antes y lo hace muy bien.
Un disco realmente sorprendente que me ha abierto las puertas a un músico realmente excitante, a pesar de que se pueda decir que hace "folk psicodélico" (puaj!).
Escucha imprescindible.

Seven Woods

Michel Onfray

2011-09-03T12:34:00.001+02:00

Este verano he estado leyendo con verdadera devoción al filósofo francés Michel Onfray, un intelectual de los que no abundan: comprometido, valiente, profundamente erudito y con una voluntad por trascender los círculos del ghetto de los happy few intelectuales que le ha reportado una merecida fama mediática en su país natal, Francia.

Michel Onfray (extraído de "La Inocencia Del Devenir. La Vida de Friedrich Nietzsche"):

"Primer tara: el solipsismo que triunfa tan a menudo en el arte y que adquiere la forma de autismo. El egotismo, el narcisismo, el placer autista de concentrarse en uno mismo; el olvido del público, la negligencia -si no ya el desprecio liso y llano- respecto del espectador: he aquí una lista de los síntomas de nuestro tiempo. según la vieja fórmula aplicada por los fracasados, para quienes la ausencia de éxito de hoy indica con seguridad el talento de mañana, por un momento se ensalza en toda su mediocridad lo que siempre será malo. Los tontos adoran esta retórica útil para transformar a los personajes lastimosos en héroes y a los espectadores engañados en improbables precursores sagaces."

"El cine llamado intelectual figura en esta categoría. Con esto me estoy refiriendo al cine que se dirige a los teóricos del cine. De ahí surge la segunda tara que ocasiona el egotismo: el elitismo. La década de 1970 exageró este defecto hasta la náusea: se producía filosofía para catedráticos de filosofía, música para musicólogos, novelas para los semiólogos, teatro para los maestros de la disciplina, ciencia de la educación para los expertos en pedagogía, obras de arte para críticos de arte, galeristas, conservadores de muesos y periodistas especializados... Todas esas producciones destinadas a la secta consumaron el divorcio del gran público cultivado, una ruptura que continúa haciendo estragos."

(...)

"Todo lo cual nos lleva a la tercera tara: el intelectualismo. El objeto de arte pasa a un segundo plano para convertirse prioritariamente en un medio para alcanzar un fin que lo supera: el debate, la elucubración, el comentario, la palabra, el verbo, el discurso, la divagación, el delirio, el texto, la smiótica, el anfiteatro. El filme sin imágenes, sin diálogos, sin realización ¿es el ideal del cine? El silencio ¿es el quid de la música?La tela en blanco ¿la verdad de la pintura? Lo incomprensible ¿el objetivo de toda comunicación?Una generación respondió afirmativamente; la nuestra se esfuerza por reponerse."

"Históricamente, puede comprenderse el papel dialéctico que desempeñaron las experimentaciones del siglo XX -los monocromos de Yves Klein, los conciertos de silencio de John Cage, las novelas de James Joyce, la poesía de Isidore Isou, el cine de Guy Debord-, pero esos momentos espcíficos y precisamente fechados no deben hacernos olvidar el movimiento general, que sigue su marcha indiferente a los accidentes que dufre la disciplina en su derrotero. Lo que un día revoluciona, no siempre revoluciona: también hace falta revolucionar la revolución."

Umberto "Prophecy Of The Black Window" (Not Not Fun, 2010)

2011-09-01T16:48:00.000+02:00

Nuestro amigo Abel inaugura su colaboración con el blog Follonero por excelencia con esta reseña que hará las delicias de los fans deJohn Carpenter. Que lo disfruteis!
(Gracias, man. Espero que no sea la última)

De buenas a primeras, un grupo que se pone por nombre Umberto, siempre va a molar. Si alguno de los presentes no sabe ver esto, por favor, que paren el mundo que me bajo.
Umberto es el proyecto de Matt Hill, también bajista de Expo70 (proyecto de naturaleza improvisatoria, capitaneado por un tal Justin Wright, el cual no tengo el placer de conocer, y con la mirada puesta en el krautrock, ambient drone, la space exploration y sonidos minimalistas. Bastante jugoso, si bien esto es otra historia).
Matt debutó en formato cassette (como no podía ser de otra manera) en el sello Sonice Meditations con el albúm "From the grave", y reeditado en vinilo por Permanent Records. De ahí que el "sello de moda" Not Not Fun y su parejita responsable, le echaran el guante para sacar su segundo disco (de sonido más grueso y grasiento si cabe), convirtiéndose en uno de los pequeños grandes exitos del sello hasta la actualidad.
Umberto hace bandas sonoras ficticias de películas imaginadas, ni más ni menos. Matt se baja al sotano de su casa a las afueras de Missouri, lleno de telarañas e iluminado con centenares de velas a punto de consumirse, quitándole el polvo a todos los teclados analógicos que ha ido recopilando en sus paseos por los mercadillos y cash & converters de la américa redneck y profunda, y cual psicópata con las pelotas hinchadas por jovenes wasp universitarios con ganas de mojar bragas y calzones, se pone a aporrearlos y exprimir el sonido hasta fundir la resistencia y que huelan como carne humana quemada.
Los dos discos son un claro homenaje al sonido de las peliculas giallo y a sus máximos exponentes, Goblin, su teclista Claudio Simonetti y otros compositores italianos como Fabio Frizzi o Walter Rizetti y por supuesto, al influyente e imprescindible compositor y director de cine John Carpenter, pellizcando tangencialmente también, como no podía ser de otra manera, de pesos pesados como Vangelis o Giorgio Moroder.
En su última referencia hasta la fecha, un single 7" también para Not Not Fun, muta su sonido giallo hacia la action movie palomitera que tanto nos petaba en los 80, emulando a compositores del relieve de Harold Faltermeyer (recordemos su ultra hit Axel Foley Theme de Superdetective en Hollywood o su acertadísima aportación en Tango y Cash) o Jan Hammer (con la perspectiva que otorga el tiempo, esencial la popular bso de Miami Vice, por nombrar un sólo ejemplo y de sus trabajos más populares) que con la recuperación de los sonidos ochenteros que se está llevando durantes los últimos años, están saliendo nuevamente a flote.
Y si me preguntan, a mi el que más me peta es el segundo. El primer tema, con sus más de 3 minutazos de intro con teclados a cascoporro tocados con nocturnidad y alevosía, hace que aulle como un hombre lobo en pleno plenilunio atrapado en medio de un Barça-Madrid .

Umberto

Jack Rose y Glenn Jones

2011-08-30T19:08:00.002+02:00

Slowdive "Pygmalion" (Creation, 1995)

2011-08-29T12:26:00.001+02:00

Slowdive
"Pygmalion"
(Creation, 1995)

Podríamos hablar de "Just For A Day" (Creation, 1991) o de "Souvlaki" (Creation, 1993), pero no, el disco que hay que escuchar de Slowdive, el que escucharán mis nietos cuando les duelan los pies y quieran ponerse los auriculares y notar cómo se les erizan los pelos del cogote es "Pygmalion" (Creation, 1995). Este disco está firmado por Slowdive, pero básicamente es obra de Neil Halstead casi exclusivamente en solitario. El grupo se hallaba en su última fase de descomposición y Halstead echó un pulso con Creation al arriesgarse con este LP atmosférico en el que las texturas y el shoegaze psicodélico pasan por encima de las canciones en formato más o menos tradicional, que supongo que es lo que esperaban en Creation. Halstead sabía que el grupo se iba a la mierda y que de todas maneras no podría entregar el disco que Creation esperaba así que decidió tirar por el medio y como resultado le salió una obra maestra del shoegaze (llámalo shoegaze, llámalo psicodelia bajonera) por la que no ha pasado el tiempo. En su momento "Pygmalion" no fue un disco muy bien recibido que dijéramos pero el paso del tiempo -como decíamos- ha situado a este LP en el lugar que se merece, al lado de "Loveless" de My Bloody Valentine o de "Hex" de Bark Psychosis.
Los diez minutos que abren el disco ("Rutti") ya suponen una potente declaración de principios: ambientes abstractos, delays y mucho espacio por el que grabitar parsimoniosamente. En primeras escuchas las canciones parece que simplemente no existan pero a medida que te familiarizas con el sonido del disco vas descubriendo que sí que las hay ("Crazy For You", por ejemplo) y que no es un mero ejercicio de estilo.
Obra de culto.

Slowdive

Shackleton "Fabric 55" (Fabric, 2011)

2011-08-22T23:50:00.003+02:00

Shackleton
"Fabric 55"
(Fabric, 2011)

Sam Shackleton es uno de mis productores de electrónica favoritos de todos los tiempos. Hace unos años formó con Applebim uno de los proyectos (Skull Disco) que ayudarían a sentar las bases de ese gran cuerpo extraño conocido como Dubstep. Más tarde publicó "Three EPs" que significaban un nuevo avance respecto a lo que había hecho y que al mismo tiempo se alejaba del Dubstep que se estaba haciendo por aquel entonces. Y con esta sesión para la serie de Fabric nos volvió a dejar mandidifusos con una hora de selección de temas propios (de sus recientes maxis para Honest Jons, temas antiguos de Skull Disco, pero la gran mayoría inéditos) que de nuevo le confirman como uno de los productores más personales e innovadores de la escena electrónica. Algunas de las señas de identidad que han hecho grande a Shackleton (uso de efectos de percusión oriental, bajos de rítmica impredecible, atmósfera tensa que nunca se acaba de liberar) se encuentran aquí pero el bueno de Sam nos da mucho más. Lo lleva todo unos metros más arriba, dejándolo todo en un excitante nuevo lugar en el que no hay nadie más ahora mismo. Una sesión que ya se ha definido como legendaria y que supone un punto y aparte dentro de cualquier escena.

Shackleton 55 (Reup)

Aquí podeis leer una entrevista bastante interesante

Human Bell "Human Bell" (Thrill Jockey, 2008)

2011-08-20T12:15:00.002+02:00

Human Bell
"Human Bell"
(Thrill Jockey, 2008)

David Heumann y Nathan Bell son dos músicos de Baltimore que han acompañado a otros artistas de la zona (Bonne Prince Billy, Arbouretum, Papa M) a lo largo de los últimos quince años. Nathan Bell quizá es el más conocido de los dos porque tocó el bajo en Lungfish desde 1996 hasta el 2003. A principios de la década del los '00 ambos empezaron a tocar juntos piezas instrumentales centradas en la guitarra y el banjo y en el 2008 publicaron este fantástico disco en Thrill Jockey.
El LP refleja dos estilos de tocar la guitarra que se complementan perfectamente y ofrecen un expresivo conjunto que aporta una nueva visión a la música de raíces norteamericana, blues, folk, experimental.. Mientras Bell elabora tonos repetitivos que tanto nos gustan a los fans de Lungfish, Heuman construye movimientos más elaborados e intrincados. Gran disco que pasó injustamente desapercibido en su momento. Fans de Slint, Pajo, Lungfish seguramente disfrutarán con él.

Lo podeis comprar en la web de Thrill Jockey por 10 míseros dólares.

Human Bell
Human Bell 2

Glenn Jones

2011-08-19T16:02:00.001+02:00

Glenn Jones - Of Its Own Kind from Thrill Jockey Records on Vimeo.

Barn Owl "Ancestral Star" (Thrill Jockey, 2010)

2011-08-17T17:20:00.000+02:00

Barn Owl
"Ancestral Star"
(Thrill Jockey, 2010)

Este dúo de San Francisco formado en San Francisco en el 2006 me tiene loco. Evan Caminiti (guitarras, voces) y Jon Porras (guitarras, voces, baterías y teclados) practican una suerte de Americana minimalista, heredera tanto de John Fahey como de Earth. Excursiones mayormente instrumentales que se centran en la figura de la guitarra (tremolos, slides, delays por un tubo, drone...). Casi todas las canciones son desplegadas de forma parsimoniosa, estimulando la percepción lenta y progresivamente (y nunca, afortunadamente, en forma de ese odioso crescendo característico del post-rock). Hay mucho espacio en la música de Barn Owl y casi siempre el clima es bastante relajado, hipnótico, oscuro y sugerente. Es fácil imaginarse grandes espacios desérticos en los que el tiempo se ha detenido y la huella del hombre prácticamente no existe. Te imaginas a los planetas gravitando lentamente, a los cactus respirando.
Han publicado LPs en pequeños sellos experimentales que algunos de nosotros llevamos en nuestros corazones (Root Strata, Digitalis, Not Not Fun, Blackest Rainbow) y sus últimos discos han contado con el apoyo del sello de Chicago por excelencia, Thrill Jockey. "Ancestral Star" (Thrill Jockey, 2011) es una pequeña obra maestra que nadie que ame a los cactus y que odie a las personas debería dejar pasar.

Star

Bobby Conn "Rise Up" (Truckstop Records, 1998)

2011-08-11T22:51:00.001+02:00

Bobby Conn
"Rise Up"
(Truckstop Records, 2011)

Bobby Conn es uno de esos músicos que os decía el otro día que vive en su universo particular, aislado de toda escena musical y ajeno a los imperativos del hype que guía tanto la escena independiente como por supuesto la mainstream. Esto no impide que el peculiar músico de Chicago tenga una visión muy ambiciosa de su propio discurso musical que lleva más de diez años desarrollando sin que nadie le haga mucho caso.
Sin ningún género de dudas estamos ante uno de los genios más infravalorados de la prolífica escena de Chicago, con la que en cualquier caso no tiene absolutamente nada que ver. Todos sus discos estan bastante bien, pero "Rise Up" (1998) y sobretodo "The Golden Age" (2001) resultan particularmente inspirados, tanto conceptual como musicalmente. Hoy hablaremos del primero, "Rise Up".
Una manera de definir el trabajo de Conn sería catalogarlo como una mezcla de canción de protesta y de vanguardia. Él mismo comenta en las entrevistas que "todos sus discos critican de una manera u otra lo que sucede en los EEUU". Tampoco os penseis que sus canciones son una especie de actualización del legado de Pete Seeger o de Woody Guthrie es más bien que, por ejemplo, el tio escribe una canción sobre Tom Cruise y eso refleja un comentario político sobre la situación del país.
"Rise Up!", sin ir más lejos, es un retrato de la decadencia de la sociedad americana (la misma portada refleja un paisaje post-nuclear), y el concepto del album tiene mucha fuerza a lo largo de todo el minutaje. La producción de Jim O'Rourke está totalmente al servicio de la versatilidad del genio artístico de Bobby Conn, con una paleta de recursos expresivos de una variedad abrumadora: Zappa, cabaret, jazz, Curtis Mayfield, rock n roll, new wave, punk rock glamouroso (la impagable "United Nations")... Tanto a nivel de composición como de interpretación (flautas, clarinetes, saxos, sintes..), la personalidad artística de Conn se despliega con maravillosa complejidad y, en consecuencia, "Rise Up!" es un disco que cambia con cada escucha. Cualquiera que tenga problemas con las voces en falsetto, con los discos que cambian de género en cada canción y en general con todos aquellos frontmen que se pintan los ojos que se olvide de este disco. Para todos los demás, "Rise Up!" es una de esas extrañas obras maestras difíciles de clasificar. No os la perdais!

Conn 1
Conn 2

Cosas

2011-08-09T17:50:00.001+02:00

(En la imagen, el compositor francés Luc Ferrari)

Mola tener tiempo libre y pensar cosas como: "Voy a aprovechar el tiempo y ponerme a escuchar cosas de Frank Zappa y también cosas de Musique Concrete". Cosas así como muy sesudas que mola ponerlas en los auriculares de noche y abrazar el sonido. Un disco de Bernard Parmegiani que va sobre el nacimiento del universo (existe un concepto más audaz y ambicioso?) y que lo peta mil. En fin, esto es lo que he estado escuchando estos días y seguramente aparecerá próximamente en Un Gran Follón:

Albert Marcoeur "Albert Marcoeur" (Atlantic, 1974)
Bernard Parmegiani "La Creation Du Monde" (M10, 1996)
Luc Ferrari "Far West News Episode 1" (Signature Radio France, 2002)
Barn Owl "Lost In The Glare" (Thrill Jockey, 2011)
Bobby Conn "Rise Up" (Thrill Jockey, 1998)
Bobby Conn "The Golden Age" (Thrill Jockey, 2001)
Magnetic Fields "69 Love Songs" (Merge, 1999)
Bassekou Kouyate & Ngoni Ba "I Speak Fula" (Sub Pop, 2010)
Frank Zappa "We´re Only In It For The Money" (Rykodisc, 1967)
Frank Zappa "Hot Rats" (Rykodisc, 1969)
Van Dyke Parks "Song Cycle" (Warner Bros, 1968)
Willie Evans Jr "Introduin´" (High Water Music, 2011)

+ Scratch Perry, toneladas de O'Rourke, Ali Farka Touré, AFX, Madlib...

Sparks

2011-08-06T16:18:00.000+02:00

Sparks
"Propaganda"
(Island, 1974)

Los lectores de este blog que me conocen en persona saben de mi profunda aversión por el grupo liderado por Freddy Mercury, Queen (por supuesto, no es mi única fobia declarada, pero sí una de las que siento más intensamente). Pero como soy una persona abierta de miras y con un ying y un yang en perfecto equilibrio, no tengo ningún reparo en decir que Sparks suenan -remotamente- parecidos a Queen y, sin embargo, me gustan.
Quizá el disco más famoso de Sparks sería "Kimono My House" (Island, 1974), el fantástico disco que los hermanos Mael grabaron unos meses antes, pero a mí me gustan más en "Propaganda". Trece canciones de pop demente repleto de falsettos que te pueden joder el día si no estás preparado y con grandes arreglos que siempre suenan a tope de vitaminas (o de, ejem, cocaína). Supongo que se podría definir este disco como "Rock clásico", pero tiene un punto freaky demente que está muy conseguido. Las letras, por otro lado, no tienen ningún desperdicio y contribuyen a darle un toque arty-pop-farlopero al disco.
Ya llevo un tiempo obsesionado con este tipo de pop o lo que sea con producciones cuidadas que limitan con la orfebrería y el barroco (por culpa de Jim O'Rourke) y desde luego este disco encaja perfectamente entre esta serie de discos que básicamente suenan de cojones a pesar de que fueron grabados hace más de treinta años. Muy recomendado, tanto este disco como "Kimono My House".

Os lo podeis bajar de este blog.
O también lo podeis comprar a precio de chiste en Discogs.

US Maple

2011-07-30T17:34:00.002+02:00

US Maple
"Long Hair In Three Stages"
(Skin Graft, 1995)

US Maple pertenecen a esa divertida especie de bandas experimentales que están como una jodida regadera y que habitan su propio planeta sin nadie más que les moleste. No hay muchas, ya os lo digo ahora. Tenían ganas de experimentar y de joder la marrana, pero todo ello de manera desinhibida, con sentido del humor y del ritmo y de una manera genuina y personal, única. Algunos de sus miembros venían de Shorty -un inclasificable grupo que ya tenía bastante tela marinera- y sus primeros discos fueron publicados en Skin Graft, el sello de Chicago en los que US Maple fueron de alguna manera pioneros. Unos pocos años después otras bandas del sello llevaron estos postulados-regadera unos cuantos kilómetros más allá (los legendarios Yowie, por ejemplo). Los tópicos nos permiten describir sus canciones como disonantes, fracturadas, atonales. Algunas referencias obvias serían Captain Beefheart, DNA y, por razones de coyuntura generacional, Polvo y Trumans Water (aunque estos aparecían en 120 Minutes y US Maple estaban totalmente fuera del radar).
"Long Hair In Three Stages", su primer disco para Skin Graft y uno de los mejores, fue una de las primeras producciones de Jim O'Rourke y desde luego se nota que el ex-componente de Gastr Del Sol ya sabía lo que se hacía porque el sonido de este disco no ha envejecido ni una pizca. "Letter To ZZ Top", en especial, conserva toda su frescura más de quince años después.
Un par de años después la banda dejaría el sello para marcharse a Drag City y grabaría discos con Michael Gira de productor. Todos están muy bien, pero diría que el primero es el mejor.

Os lo podeis descargar de este blog, y si os gusta el disco daros un garbeo por YouTube porque tiene unos cuantos videos en directo del grupo que son el pene.

FIRE! with Jim O'Rourke

2011-07-28T13:40:00.000+02:00

FIRE! with Jim O'Rourke
"Unreleased?"
(Rune Grammofon, 2011)

Fire! son una especie de supergrupo de la escena improvisatoria-free-jazz-experimental escandinava formado por Mats Gustafson al saxo y Fender Rhodes, Johan Berthling al bajo y Andreas Werliin a la batería. Para su segundo disco en Rune Grammofon se han unido nada más y nada menos que a Jim O'Rourke, el músico americano afincado desde hace unos años en Tokyo y que aquí conocemos tan bien. Se hace un poco difícil seguir el ritmo que marcan Gustafsson y O'Rourke por lo que a publicación de discos se refiere. En cualquier caso el nivel medio de las excursiones improvisatorias de este par de músicos es muy alto y en esta ocasión en concreto el resultado de la colaboración sólo cabe calificarlo como soberbio.
"Unreleased?" incluye cuatro largas piezas instrumentales improvisadas que en todo momento mantienen la dirección. Como las grandes improvisaciones, la música aquí contenida te coge de la mano y te lleva de paseo por lugares excitantes que esconden sorpresas inimaginadas. Mientras la sección rítmica se concentra intensamente en un motivo sobre el cual van creando tensión, Gustafsson y O'Rourke aprovechan para ir añadiendo expresividad al conjunto y dotarlo de dinamismo, algunas veces en forma de crescendo y otras progresando en horizontal. En ningún momento la tensión acumulada llega a liberarse del todo, lo que provoca que el conjunto mantenga siempre un ambiente de suspense, hipnosis y psicodelia realmente conseguido. El trabajo de Gustafsson, en concreto, es espectacular aunque sería injusto destacar la aportación de cualquiera de los cuatro músicos porque lo que destaca es el conjunto: todo avanza como una gran bola que no se puede detener, como una tormenta de la que no te quieres escapar.

Os lo podeis bajar de este blog
Lo podeis comprar directamente a Rune Grammofon

Lungfish 15-3-98, Upstairs at Nicks, Philadelphia

2011-07-26T00:14:00.000+02:00

Mi época favorita de Lungfgish ("Indivisible", "Artificial Horizons" y "The Unanimous Hour") atrapada en dos joyazas que han salido a la youtube-superficie muy recientemente. Soy feliz.

Lungfish 12-5-98

La calidad del audio es un poco inferior pero aún y así es una jodida maravilla.

Tributo a Jerry Boys #3: Toumani Diabaté´s Symmetric Orchestra

2011-07-25T17:43:00.000+02:00

Toumani Diabaté´s Symmetric Orchestra
"Boulevard De L´Independance"
(World Circuit, 2006)

"Boulevard De L´Independance" se complementa perfectamente con "The Mandé Variations", el disco que el músico maliense grabaría un par de años después y del que hablábamos el otro dia. Si "...Variations" se caracteriza por su tono lírico y por ser una obra en la que sólo se escucha la kora de Diabaté, en "Boulevard.." el ambiente es mucho más festivo y en su grabación participaron más de cuarenta músicos africanos procedentes de Malí, Senegal, Níger, Burkina Faso y Gambia. Se puede apreciar que muchos músicos vienen de la costa occidental de África, de pueblos de pescadores, creando un curioso contraste con la tradición folklórica de Mali encarnada por Diabaté. El grupo de músicos que grabó el disco estuvo hiciendo conciertos a lo largo de dos semanas en el Hogon de Bamako, la capital de Bamako. Poco después se encerraron junto a Jerry Boys y Nick Gold (el productor del disco y capo de World circuit Records) en el hotel Mandé, donde acabaron de dar forma a este fantástico disco que contiene una notable variedad de registros expresivos. Una grabación que certifica a Toumani Diabaté como uno de los más grandes músicos de la música africana de raíces de todos los tiempos.

Os lo podeis descargar a través de este blog.

Trbuto a Jerry Boys: Toumani Diabaté

2011-07-02T23:46:00.001+02:00

Toumani Diabaté
"Mande Variations"
(World Circuit, 2008)

No pensaba continuar mi particular tributo al ingeniero de grabación Jerry Boys con este disco, pero me lo compré hace poco y estoy maravillado con él. Además, cualquier reconocimiento que se le preste al gran músico maliense Toumani Diabaté es poco. Entré en contacto con su obra a través de los estupendos discos que grabó junto a Ali Farka Toure y a medida que he ido profundizando en su discografía me he ido haciendo una idea de su grandeza como creador. Hijo de Sidiki Diabaté -uno de los más grandes intérpretes de kora que jamás salieron de Mali-, Toumani ha ampliado el rango expresivo de este instrumento de manera portentosa. Originariamente, la música interpretada a la kora eran lamentos que servían para mantener vivo el recuerdo de una persona desaparecida. En "Mande Variations", Diabaté se sirve del lenguaje musical tradicional para elaborar su propio discurso, llevándolo más allá añadiendo dos piezas de aires improvisatorios, con referencias al flamenco y a la banda sonora de "The Good, The Bad and The Ugly". Ocho piezas en las que el único instrumento que escuchamos es esta especie de arpa africana, interpretada con delicadeza y sensibilidad. Música intemporal y hermosa como pocas.

Os lo podeis descargar de esta página.

Tributo a Jerry Boys

2011-06-28T15:58:00.000+02:00

Rubén González
"Introducing..."
(World Circuit, 1997)

Hace poco terminé de leer "Bicicletas Blancas", de Joe Boyd, en el que el productor norteamericano rememora distintos episodios de su carrera que tuvo la fortuna de compartir con gente como Hendrix, Fairport Convention, Nick Drake o The Incredible String Band, entre muchísimos otros. Una lectura muy agradable que me ha dejado con ganas de escuchar muchos discos que conozco de pasada o con los que directamente no he tenido ningún contacto. En fin. En las páginas finales del libro Boyd habla de su relación con Nick Gold, el capo del sello londinsense World Circuit, responsables del lanzamiento internacional de algunos de los mejores artistas que han salido del denominado Tercer Mundo (primero, si evaluamos su contribución a la historia de la música popular): Ali Farka Toure, Orchestre Baobab o el proyecto Buena Vista Social Club. Al analizar el impacto y popularidad que obtuvo este disco que capitaneó con mano maestra el músico californiano Ry Cooder, Boyd comenta que gran parte del éxito reace en el técnico de grabación, Jerry Boys, y su destreza a la hora de grabar música en vivo a través de consolas analógicas. Boyd llega a decir que si este disco lo hubiera grabado otro ingeniero no hubiera tenido la mitad de éxito (nunca lo sabremos). No es que sea muy tiquismiquis con el asunto de la calidad de las grabaciones (he escuchado demasiados discos de Dinosaur Jr, supongo), pero sí que me habían llamado la atención lo condenadamente bien que suenan los discos de Ali Farka Toure y, sobretodo, Buena Vista Social Club, que eran los discos que conocía en los que había intervenido la mano maestra de Jerry Boys. A raíz del comentario de Boyd me puse a investigar en la red (inserte su comentario de alabanza a las posibilidades que nos brinda el uso de las nuevas tecnologás aquí) y últimamente me estoy dando un verdadero festín sensorial. Y es que los discos grabados por Boys suenan en tres dimensiones. Ya llevo unos cuantos y los vamos a ir poniendo por aquí.
El primero es el de Rubén González, un músico que ya tenía una larga y exitosa carrera musical a sus espaldas cuando colaboró con el Buena Vista Social Club. Nick Gold, Cooder y Boys quedaron prendados con el veterano pianista y decidieron improvisar la grabación de un disco (que finalmente fue grabado en vivo en dos días!). González vivía en una situación ciertamente precaria para un pianista: no podía tocar su instrumento en casa porque no tenía ninguno! (aunque nadie lo diría escuchando el disco). El resultado es una auténtica maravilla, un verdadero viaje al pasado de la música cubana (que supongo que forma parte ineludible del presente, porque como dice Boyd, Cuba ha permanecido en una espcie de burbuja temporal que ha posibilitado la supervivencia de este tipo de sonidos). Standards de la música cubana de tintes lounge y jazz se entremezclan con unos cuantos originales del propio Gonzalez, dando como resultado un disco soberbio. La excelente labor de recording de Boys añade profundidad y amplitud a la música que estos veteranos músicos cubanos interpretan con maestría.

Lo podeis descargar de esta página.

Silver Antlers: interview

2011-06-26T16:26:00.000+02:00

Silver Antlers hacen música para los sentidos. Sus canciones se despliegan con parsimonia y te transportan mentalmente por encima de vastos paisajes naturales. Una arrebatadora mezcla de shoegazing, kosmische musik y ambient que ha situado al grupo en el punto de mira de los aficionados a bandas como Emeralds, Tarentel o Stars Of The Lid. Los caminos del facebook facilitaron el contacto que posibilitó esta breve entrevista (si necesitais traducciónescribid un comentario), en la que nos pone al corriente sobre la escena de Salt Lake, sobre la influencia del entorno geográfico en la creación artística, digital vs analógico, etc...
Os podeis descargar el fantástico último disco del grupo, "Pulling Diamonds From Dirt", de su propio bandcamp.

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First of all can you tell us a little bit about the history of the Silver Antlers project (releases, other projects, etc..)? When did you start playing this kind of music?

I used to play in a sorta dance punk band that turned into a noise kinda thing or something? I dunno. It was music is all that really matters. It was also fun, which matters even more. After that group disbanded I had a bunch of money saved up and decided that I wanted to make my own music so I bought recording equipment and a lot of gear that I'd been really interested in using. Around that time I started having these sort of reoccurring dreams that all existed in this similar world, so I decided to create a soundtrack to that world and that is mostly how Silver Antlers started. Silver Antlers is just the name for all work created by me in any medium. I released my first album under the moniker of Silver Antlers titled Black Blood of the Earth, but back then I was in a much darker emotional space, and that is reflected in the sounds that were created in that time. Since then things have lightened up and the new sounds represent where I'm at now. A much more peaceful zone, I guess.

Salt Lake City is not a city well known for its kosmische-drone oriented music, but I understand that you guys are kind of building a scene up there. Is that true?

There are so many beautiful and absolutely incredible sounds coming out of Salt Lake City right now, and a lot of close friends(family) are making them. Some of my favorite people and close friends are also some of my favorite musicians working currently. To name just a few, Seven Feathers Rainwater send me to a different place in space every time I see them live. If you have not heard their record, it is imperative that you do (and PLEASE see them live!). Brilliant people, lovely people, favorite people. Stag Hare is also one of my favorite humans on the planet, and his work is absolutely astounding (get ready for his new album Spirit Canoes, world... it is something to behold and swim deeply in). WYLD WYZRDZ, who also operates the absolutely incredible Inner Islands record label (which will release Stag Hare's Spirit Canoes) has been making some of my favorite music as of late. Amazing person, amazing ear for beautiful music, and all around an incredible musician. His music could lull me out of the darkest void. There are so many lovely things happening in this area of the US, and I hope more people can find out about it all. These sounds are very important.

Do you think that your geographical surroundings (plane mountain views, lakes, etc..) influences your music? I have always thought that the music you do can not be created in an urban landscape.

I think that it's definitely possible to create anything out of where you are, as long as it's honest to you, but environment definitely has something to do with the final product for me. I feel a strong connection to the lake (that being, the Great Salt Lake), the enormous and humbling mountain range, and the wooded areas. There is something mysterious about these areas. I think the connection to all living things is extremely important, and to live without those connections can be depriving (for myself, not all artists). I, personally, thrive on those mysteries and that unknown world. It's something to explore and something to discover, ultimately. It all translates, and if these zones resonate with you, you will push that connection into your art whether it's voluntary or not.

I´ve watched some videos of Silver Antlers playing live and was surprised to see that it´s not a one man band. Do you approach your live shows differently than recording?

For the most part when playing live Silver Antlers is only me, but there have been certain times when I've invited up to 8 musicians to play live with me. For a while I was having a friend from Seven Feathers Rainwater play with me at most shows. It mostly just depends on how I'm feeling about the show, and also if I'm feeling like the show could use more people filling in any gaps. I would say 85% of the time it is just me... though I really enjoy playing with other people. There is something about the mental communication between playing with friends that is so amazing, and also impossible while playing alone. Recording is definitely a different animal. That process is kind of like building the skeleton for what will happen on stage, and learning from performing live where the song will go in the recording process. A lot of learning and discovering through both processes and building off of them back and forth.

I got to know Silver Antlers through a description I read in a blog that compared your music to Terakaft, a band from the north of Africa that I really like. Do you know them? Are you into African/desert blues music at all or the resemblance is a mere coincidence?

I have actually never heard Terakaft, but "African/desert blues music" sounds really up my alley, and I would LOVE to hear that sometime. I imagine this was a review of my older music. That, at least, sounds more like some of the stuff I was working on when I released Black Blood of the Earth and the split I did with Seven Feathers Rainwater.

What kind of art do you consider an inspiration for your music? Do you follow the contemporary music scene or you focus on the older stuff?

Oh, man... such a broad question for me. I love so many forms of art that it's hard to say what is currently inspiring to me. As far as visually, Andy Goldsworthy has been a big influence on me. I really love the idea of creating fleeting pieces of art that last until the elements take them. If you've never seen his work I highly suggest checking it out. It's all really beautiful. I listen to a handful of older stuff (Dylan, Neil Young, Velvet Underground, etc.). I have been listening to a lot of Brightblack Morning Light, which is always blowing my mind. Everytime I listen to them the world sorta slows down and takes a breather. Been listening to a lot of My Bloody Valentine as well. I really love their approach to textural sound. Lots of others as well. Aside from that, I listen to a lot of music friends of mine make. Very special things are happening, and it's really exciting to know that my friends are making most of the music I listen to.

What´s your point of view on the current situation regarding MP3s and records? Are there any record stores in Salt Lake? Do you download music?

Personally, I think file sharing is a great thing. Most people would probably never hear my music without it. If people hear my music and don't have the money, but want to hear the songs I highly encourage downloading them. Have at it! I have a bandcamp page to stream all the songs I create as well. All I really want is for people to hear the vibes I am sending out. If people feel inclined to pay for my music (thank you in advance! Love you!) I am totally down with that, but to be honest... all I want is for people to hear it and hope it makes an impression. I download music all the time. If something hits me hard, I buy it. I don't expect everyone to be on that page though. In closing, I love all of ya. (Sorry to not answer the record store question... not a lot of legitimate record stores in Utah...)

Bandcamp

Myspace

Unos garbeos por el Primavera Sound 2011

2011-06-17T20:49:00.000+02:00

A estas alturas ya habréis leído unas 371 crónicas sobre el Primavera Sound 2011, la edición que pasará a la historia por el colapso en las barras del primer día. Muchísima gente para arriba y para abajo; más o menos igual que en ediciones anteriores (según mis standards un concierto con más de 150 personas ya es un mogollón). Poca comida, mucha bebida, mucho patear para arriba y para abajo, mucha gente guapa y joven y trendy y también unos cuantos conciertos realmente buenos. Muchas conversaciones de dos minutos con gente que hace tiempo que no ves, una lástima no poder charlar más tiempo. Tios con bigote. Muchos tios con barba. Chavalas con chancletas y pantalones cortos con pinzas. Unos dos millones de Ray Ban y I-Phones. La sensación de que al 90% de los asistentes la música les importa un mierdón y luego vas y te cruzas con un tío con una camiseta de Swervedriver o de Sparklehorse. O ves gente llorando en el concierto de los Swans.

Estos son los conciertos que más o menos pude presenciar. Sin orden ni concierto.

Oneohtrix point never: A esa hora tocaban PiL en uno de los escenarios grandes, pero yo y unos cuantos nos quedamos a ver a Daniel Lopatin. Algunos problemas con el PC no deslucieron el envolvente set del ruso, que se acompañó con unos audiovisuales muy bonitos. Fue bastante mejor que cuando estuvo tocando en el auditorio de Caja Madrid. Calculo que un 80% del concierto estuve con los ojos cerrados, sintiendo la falta de gravedad.

Betunizer: El lunes no es un día que se preste mucho a escuchar a estos fieras, pero no estuvo nada mal. Nada nada mal. Yo diría que es el mejor concierto que les he visto. Cada vez suena todo más raro y agresivo y rítmico y espeso. Este grupo ha pillado la onda, como cuando Jordan se liaba a encestar todo lo que tiraba. Así es como están Betunizer ahora mismo, con un porrón de temas nuevos que suenan de maravilla.

Bullit: El mismo día que Betunizer, Bullit dieron un fantástico concierto. Tengo una debilidad personal con este grupo. Me encantan tanto en disco como en directo. No inventan nada pero sus canciones suenan frescas como si nunca hubieran existido unos Jawbreaker o unos Samiam. Tocó el bajo Max de No More Lies, al que hacía como seis años que no veía.

The Fresh and Onlys: No los conocía de nada pero gente cuyo criterio tengo bastante en cuenta me los había recomendado. Me gustaron bastante. A medio concierto me encontré con unos amigos que hacía tiempo que no veía. A ellos también les gustó bastante. Tocaron al lado del mar y ya estaba anocheciendo. Fue un momento guay.

Low: Jodidos clásicos. Ya llevamos unos cuantos discos y unos cuantos conciertos de los de Duluth y la cosa no decae. Poco a poco han ido construyendo una de las mejores carreras artísticas de entre los músicos de su generación. Niños mimados del público del PS, sus conciertos se siguen con atención reverencial y cada canción nos pone los pelos de punta a todos. Para el recuerdo queda el tramo final con “Murderer”, “Sunflower” y “Canada”.

Nisennenmondai: El sonido que se escuchó a las cinco de la tarde en el Poble Espanyol no permitía apreciar muchos de los matices que añaden profundidad al kraut rock de las niponas Nisenenmondai, pero aún y así consiguieron que todos nos metiéramos en el concierto, flotando hacia el espacio con el sol a nuestra espalda.

Glenn Branca Ensemble: Uno de los platos fuertes del festival. Cuándo volveremos a tener oportunidad de ver al jodido Glenn Branca? Nunca, seguramente. Era difícil estar a la altura de las expectativas, pero Branca y su Ensemble lo estuvieron, ya lo creo. Los épicos desarrollos instrumentales sonaron a gloria aquella noche, con momentos puntuales en los que parecía que la Tierra se iba a partir en dos. Un poco más de volumen no hubiese venido mal, pero con todo el concierto fue de los que recordaremos mucho tiempo.

Factory Floor: Bastante menos oscuros y krauties que en disco, su actuación supuso un pequeño fiasco. No les culpo por centrarse en la faceta más festiva de su discurso pero no me esperaba que tiraran por la vía fácil.

Berlinetta: Los madrileños mostraron ganas y buen instinto para las melodías. Lástima que su post-punk de guitarras quedara deslucido por su ubicación en los horarios (las cinco de la tarde!). Esperemos poder verles en una sala y horarios más favorables.

Mountains: Fantástico concierto el que dio el dúo de Brooklyn ante poco más de treinta almas. Cumpliendo las expectativas generadas por lo escuchado en sus dos últimos discos para Thrill Jockey, Mountains gozaron de un sonido exquisito para desplegar su arsenal de texturas droneras que en ningún momento cayeron en la autocomplacencia.

Male Bonding: Grupete de tres al cuarto con tatuajes y gorra plana del que afortunadamente nadie se acordará dentro de cinco años. Ahora llevan otro guitarra que no aporta absolutamente nada a lo que hacían antes.

Dan Melchior und Das Menace: Maravilloso concierto oscuro, peligroso, de raigambre blues y ejecución punk. Melchior se alejó bastante de lo que hace en disco (el marciano, básicamente) y hizo un concierto de rock n roll. Canciones largas, ejecutadas con precisión, guiadas en todo momento por la portentosa y peculiar dicción dylaniana de Melchior. Gol por la escuadra.

Shellac: A estas alturas los shows de Shellac (quién nos lo iba a decir hace nueve años?) son un ritual parecido a cuando Arévalo hacía su aparición en el “Un dos tres”: sabes lo que va a pasar y el orden en el que van a pasar las cosas, pero la magia sigue ahí. Una lástima que los conciertos de Shellac en el PS sirvan de excusa para que algunos descerebrados se junten con el único objetivo de armarla bien gorda.

Half Japanese: Decepción mayúscula, cuando se rejuntan cosas del pasado y se sitúan en un momento histórico distinto puede pasar esto. Si no supiera quién era Jad Fair no habría aguantado ni diez minutos. Quién habría pensado que las canciones de este hombre se podrían tocar de una manera plana, aseada, aburrida y apuretada?

Kode9 plays Burial: Quizá no era el mejor momento para disfrutar de las oscuras composiciones de Burial, pero sirvió para comprobar que nos espera una nueva obra maestra.

Gonjasufi: Como definió un amigo más sabio que yo: “Bad Brains de tercera división”. Eso.

Einsturzende Neubaten: Sin ser un gran conocedor de la obra de Blixa Bargeld y sus muchachos, disfruté un montón con su pase. Los Neubaten demostraron que es posible ser alemán, tener clase, estar cabreado y hacer música oscura y elegante a la vez.

Swans: A lo largo de nuestro periplo como espectador de conciertos de música en vivo, muy pocos de ellos pueden describirse como apoteósicos, pero el de los Swans fue sin duda uno de ellos. Michael Gira abrió su alma para que pudiéramos verla. Quedó demostrado que es negra de cojones y que en ella no pueden crecer ni las flores ni los árboles. De repente el recuerdo de un millón de bandas que alguna vez sonaron parecidos a los Swans (como Mogwai, que estaban tocando a la misma hora en otro escenario) quedó reducido a chiste sin gracia. Concierto histórico de los que engrandecen un festival.

Julian Lynch: Decepción con todas las de la ley. Reconozco que es difícil llevar al directo las canciones de este hombre, pero lo que vi en los tres primeros temas de su concierto no me gustó nada.

Pissed Jeans: El punk rock descoyuntado de Pissed Jeans logró sacudir los maltrechos cuerpos (tercer día de festival!) de todos los que pasamos de Animal Collective para ir a verlos a ellos. Nos lo agradecieron con un buenísimo show que demostró que Matt Kosloff es uno de los frontmans más genuinamente estrambóticos que han surgido del punk rock underground en los últimos años. Hay muchísimas bandas que suenan mucho mejor que ellos y cantantes que cantan mejor, pero a ellos les importa un cagarro. Ellos van a lo suyo y a mí me gusta que así sea.

DJ Shadow: La clásica jugada sucia que sucede en los festivales: un cambio de horario del que no te enteras. Me robaron tres cuartos de hora de DJ Shadow porque no tengo Twitter, HQJ (Hay Que Joderse). Además me encontré con unos amigos que estaban igual de emocionados que yo ante el concierto de los Swans que habíamos visto unas horas antes. Decidí quedarme con ellos y escuchar al Shadows de fondo mientras pasaba gente con la nariz manchada de blanco y mirando su móvil como si contuviera Información Importante.

Michael Chapman

2011-06-10T17:06:00.000+02:00

Michael Chapman
"Trainsong: Guitar Compositions 1967-2010"
(Tompkins Square, 2011)

Reseña corta:
JOHN FAHEY.

Reseña menos corta:
Con el por lo general bastante fiable seal of approval de Thurston Moore (Chapman prepara disco para Ecstatic Peace) nos llega este maravilloso recopilatorio que sitúa a Michael Chapman entre los grandes del fingerpick que combinaron con maestría la vanguardia y el primitivismo de raíz folklórica. Si sois fans de John Fahey, Robbie Basho o Jack Rose lanzaros a por este disco de cabeza porque vais a disfrutar como un niño con padres nuevos. al igual que los monstruos citados anteriormente, Chapman arrima sus hipnóticos desarrollos guitarrísticos al folk, al blues, al ragga de raíz hindú, al new age (post rock?).. Piezas complejas se combinan con otras más melódicas. La variedad estilística contenida en las cerca de cincuenta canciones aquí incluidas es verdaderamente remarcable. Un verdadero viaje musical que resume cuarenta años de carrera musical de un artista que merece todas las reivindicaciones artísticas que se le puedan brindar.

Lo podeis descargar de esta página.

"Friends of God"

2011-06-09T16:26:00.000+02:00

"Friends of God"
(Alexandra Pelosi, 2007)

Como bien sabeis, en nombre de la religión se pueden hacer muchas cosas: despreciar a las mujeres, incitar al odio entre los pueblos, combatir la libertad individual, mutilar el cuerpo humano, negar las evidencias científicas.. Sin embargo el hecho religioso no sólo no va en retroceso sinó que en algunas partes del mundo la influencia del credo religioso en la toma de decisiones va en aumento. Sin ir más lejos, hoy juraban su cargo los miembros del gobierno de la Generalitat valenciana y lo hacían frente a un crucifijo de madera que alguien ha tenido los santos cojones de poner allí enmedio.
El auge de los llamados cristianos evangélicos en la potencia hegemónica mundial (los EEUU) es motivo de preocupación para los ciudadanos laicos del mundo. Mientras que los laicos aceptamos sin problemas convivir con ciudadanos de confesión cristiana, musulmana o judía, los grandes líderes de estas tres confesiones no aceptan que alguien tenga unos valores distintos y pretenden imponerlos emplenado para ello una variedad de estrategias impresionante. De esto es lo que trata este magnífico documental de Alexandra Pelosi (hija de la primera mujer en ser presidenta de la Cámara de Representantes, la demócrata Nancy Pelosi). "Friends of God" presenta datos como el siguiente: 54 millones de americanos niegan la evolución de las especies y ven el creacionismo como una teoría científica igual de válida que las de Darwin o Lamarck. Una parte de mí se parte de risa al leer este dato, pero mi mitad más políticamente consciente se acojona de veras. El desfile de fanáticos religiosos es igualmente divertido y preocupante a partes iguales: un matrimonio de una zona rural de Kentucky que tiene 13 hijos que son educados siguiendo exclusivamente las enseñanzas de la Biblia, en casa; los skateboarders for Christ; el cràpula de Ted Haggard y demás telepredicadores; christian stand up comedy; educadores infantiles que se dedican a lavar el cerebro a los chavales para que crean en la teoria del diseño divino, el creacionismo. Muchos ejemplos de esa América profundamente empobrecida culturalmente que no aparece en las pelis de Woody Allen pero que tiene un peso electoral muy grande.
Totalmente recomendado (por desgracia no hay subtítulos en español)

Encontrareis los enlaces de descarga en esta página.

"Our Band Could Be Your Life"

2011-06-06T19:01:00.000+02:00

Cualquiera que haya leído el fantástico libro de Michael Azerrad "Our Band Could Be Your Life" puede citar los títulos de los trece capítulos sin problemas:

Minor Threat
Sonic Youth
Dinosaur Jr
Fugazi
Big Black
Hüsker Dü
The Replacements
The Minutemen
Butthole Surfers
Beat Happening
Mission Of Burma
Mudhoney
Black Flag

Cada una de las bandas que aparecen en la lista tuvo su parte de responsabilidad en el surgimiento de una filosofía creativa que demostró que podía funcionar al margen de la industria mainstream. Las bases de esta manera de entender la creación artística mantienen plenamente su vigencia, a pesar de que algunos sellos multinacionales sean más atrevidos ahora que hace 25 años.
Village Voice ha rendido un merecidísimo homenaje a este impactante libro (de lectura absolutamente obligada para cualquier aficionado al rock independiente) y ha charlado sobre él con algunos músicos de la escena actual (Ted Leo, Dan Deacon, el tio de Titus Andronicus). También se hicieron una serie de conciertos en Nueva York en el que distintos grupos hacían versiones de los grupos que aparecen en el libro.
Lo podeis leer aquí.

Bukowski en el Primavera Sound, que no?

2011-06-04T00:15:00.000+02:00

Asistir a un festival de música de estos grandes que te cagas con más de 200 grupos (literalmente, más de 200 grupos) puede provocar que a mucha gente -joven y guapa, en la mayoría de los casos- se le desplace ligeramente la superficie craneal y acabe haciendo lo que nuestro simpático redactor invitado ha tenido a bien recopilar en la siguiente narración. Me gustó tantísimo cuando la leí en uno de esos foros de dios, que pensé que estaba escrita por el mismísimo Charles Bukowski. Le pedí permiso para publicarla aquí y él accedió muy amablemente.
Aclaro que la experiencia que tuvimos nuestro simpático redactor invitado y yo fue muy pero que muy distinta.

JUEVES

- Primero Toundra. Impresionantes, y uno de los mejores conciertos del día. Tantas guitarras, y sonaba bien.

- Triángulo en la zona VIP. Es posible que fuera porque estuviéramos lejos, pero la cosa sonaba mucho más poppy que de costumbre. Mi experiencia me ha dado un concierto fantástico de estos por cada concierto regulero, y creo que tocaba el regulero.
- Blank Dogs. Misma base todo el rato. A ratos sonaba a lo mejor de New Order, pero otros ratos, a garrafa. Me cansé.

- Ratito de Thelematicos. Divertidísimos, como se esperaba en el disco, con canciones cortas. Tan cortas, que en nada estaban con "Vivo en una montaña" y acababan.

- Vuelta a Blank Dogs. Cuando volví, la base que llevaban usando toda la hora como ritmo seguía ahí.

- Vuelta a la zona vip a tomar diecisiete cervezas más. Of Montreal se ven haciendo el ganso y haciendo lucha libre.

- Fresh & Onlys. Chascazo del quince al ver que no eran capaces de defender tan magníficas canciones. Buscaba a las melodías como quien busca a Wally. Desistí. Me escapé a...

- Seefeel, que estaban dando un señor concierto, con, esta vez sí, todos los instrumentos funcionando. El look señora del campo de la frontman me tenía hipnotizado, pero la música era aún mejor. Cuando tocaban la primera del Quique el amigo que me encontré me hizo dejarlos para...

- PIL. Que no me estaba gustando tanto como el en fib 2010. Quizás sea porque era muy pronto, quizás por la falta de alcohol (que se notaba en el público), quizás porque en el FIB apostaron por un show contínuo de descerebre post punk lleno de blanco y negro, y aquí no ocurría. Así que aguanté lo suficiente para...

- Oneothrix Point Never. Que era una idea estupenda y un sonido ambient estupendo... si no se hubiese entrecortado contínuamente. Parece que fue culpa de su portátil, o de su mezclador; culpa suya anyway. Buena atmósfera, por el resto.

- Zona VIP. Diecisiete cervezas más, y una hamburguesa. Comienza Grinderman. Me gusta, y me gusta mucho ver a Nick Cave, furioso, junto con Warren Ellis el que no hace comics. Pero tengo demasiada curiosidad por ver a Glenn Branca...

- ... que resulta ser una apisonadora. Un concepto un poco raro lo de dirigir guitarras y batería (que llevaban partitura todos y cada uno), pero un resultado muy chulo. A destacar el propio Glenn Branca, un tipo divertidísimo.

- Quiero ver a Das Rascist pero me da una bajona tremenda. Épica. No puedo con mi cuerpo. Quiero morir. Quiero dormir. Me tumbo en el cesped, comienza Caribou con un show parecido a los últimos, me duermo un rato, mi espalda descansa. Despierto, suena "Sun". Me estiro, me voy tranquilamente al pitchfork.

- Gold Panda da un set muy efectivo, pero sin duda la que parte el bacalao es "You". Fascinante en directo, un slow disco que bailo rodeado de guiris rubias, felices. Me encuentro a una panda de amigos muy animados.

- Nos vamos a lo que queda de Lüger, que es magnífico a esas horas, incluso mejor de lo que recordaba a este grupo. Ingleses con los que voy dicen "parece un grupo de los 70". Las pillan al vuelo.

- Pierdo el conocimiento y la memoria. Por las fotos parece que estuve en Factory Floor y que me lo pasé muy bien.

- Recupero la memoria para un John Talabot estupendo que acaba demasiado pronto, repentino, ni idea de por qué.

- Nos damos la caminata todos los de Talabot para llegar al final de Girl Talk, con un Imagine cantada por todos. Vuelta al metro. Muero.

VIERNES

- De alguna forma, logro despertar en el hostal. Pienso en los conciertos del parque, pero tengo el cuerpo del revés. Nos hicieron una ñapa en el hostal y tenemos que cambiar de habitación en un rato. Me meo vivo, me despierto, espero a mi amiga pacientemente, y ya espabilado, nos vamos a desayunar. Vuelvo a morir y de nuevo me despierto en mi habitación, a las 3 y media de la tarde, con el tiempo justo de pegarme una ducha, vestirme, y pedir por favor en un restaurante cercano que me den de comer, terminar, y darme la carrera al Forum.

- Aias son monas y poppies. Y eso. Monas y poppies. Nada más. Sonríen. Son monas.

- Voy a Lichens. Media hora de experimentación con sonidos analógicos y juego con loops. Fascinante.

- Vuelvo a la zona VIP a beber una cerveza, claro. Bueno, dos. Terminan unos Avi Buffalo potentes, que me da rabia haberme perdido en su totalidad. Me bajo a Monochrome Set y me encuentro a mi compañera de habitación.

- The Monochrome Set hacen un... set donde sólo hay una canción de su segundo disco, mi favorito. Da igual. Su estilismo es tremendo, pero su directo también, y suenan compactos, seguros, como si se cayesen bien. Me encantó.

- Vuelvo a la VIP, cervezas, voy a James Blake tras saludar a unos cuantos foreros [muchas de las partes de la zona VIP fueron de saludar a foreros, pero ni me acuerdo de los nicks ni de las caras]

- James Blake parece dar un conciertazo. Está petado. Intento moverme hacia un lado: imposible. Hacia al lado del mar: no se oye. Frustrado, me largo a Wolf People.

- Wolf People dan exactamente el directo que me esperaba, aunque me faltó conocer más su repertorio. Muy monos, muy buen grupo.

- Voy a Pere Ubu que tocan su primer, y quizás mejor, disco. Empiezan con dos singles, siguen con el disco a capón, presentándolo de forma divertida y algo inquietante. Conciertazo.

- Vuelvo a la zona VIP a comer y beber. Luego pienso, qué cojones, y me voy a coger sitio para Belle & Sebastian.

- Escucho a B&S como buen fan, y sobre todo, como buen fan de su segunda etapa. Me cuesta entrar, pero al menos entro, no como todos los de mi alrededor, gente seta que no paraba de hablar. En este momento no me puedo mover. Pienso qué cojones y canto y bailo y salto y que el mundo se acabe. Me río con Stuart Murdoch, me emociono con Sleep The Clock Around.

- Bajo a ver a Explosions. Me voy a la barra. Espero. Espero 10 minutos. 15. Empiezan. Sigo esperando. Terminan la primera. Doy un grito al cabo de un rato, nadie me hace caso, y me atiende un camarero con los ojos claros más hipnóticos que recuerdo. Ya con mal cuerpo itnento pillar un buen sitio para ver a los EITS, pero es imposible. A la izquierda la gente habla, a la derecha también, y yo estoy agotado, muy cansado, derrotado, agobiado de esa puta mierda de público que me iba a amargar los conciertos que más esperaba. Me siento en las gradas e intento aislarme, con la cerveza, respirando hondo, y es muy difícil, pero más o menos lo consigo.

- Tengo curiosidad por el Dj Set burialesco de Kode 9. Curiosidad satisfecha: me duermo. Me vuelvo a subir a la zona VIP.

- Pulp tocan Disco 2000. Pulp tocan This is Hardcore. Pulp tocan más cosas. Pulp llegan a Common People, y con el nuevo amigo que me encontré en la zona VIP, empiezo a bailar... y me siento igual que cuando le echaba todo el entusiasmo posible para bailarla en el Ocho y Medio, aunque la canción estuviera quemada. Se me amarga el concierto pensando en lo programado que está todo, lo calculadamente nostálgico que es la sucesión de monochrome set, pere ubu, pulp. Me bajo a Jamie XX.

- SESIONAZA de Jamie XX. Voy a ver como es Battles, me lo pienso mejor, y me quedo con Jamie XX hasta el final, disfrutando como una perra.

- Ya me quedo en el pitchfork para bailar a Lindstrom. Me pongo por delante. De repente estoy rodeado de maricas y pienso que esto es como una sesión de una discoteca de Chueca, pero en bien. I feel Space. Maravilla. Subidón. Termina, a casa, y a dormir. Llego a las 6 y cuarto a la habitación.

SABADO
- La zorra de mi amiga va a quedar con otra, y vuelve a ducharse durante una hora, secarse el pelo y demás. 48 horas después la volvería a amar, pero en ese momento, a las 10 y media de la mañana, la odio como a las urracas que me despiertan en verano. Me despejo, enciendo el twitter, y leo a una amiga "¿alguien para Espanto esta mañana?". Hm, siempre se me escaparon, y Espanto es uno de esos extraños casos de grupos a los que conozco personalmente ANTES de escuchar su música. Me pillo un café que me tomo en el metro, acabo en el parc, y GAF están dando un bolazo ruidoso. Con una cerveza gratuita gracias a un par de chavales a mi lado que confundieron a los camareros con esto de ser VIPs, me voy a ver a Espanto, con un público mayormente integrado por amigos.

- Espanto tocan con más parafernalia y ruido que nunca. Imperfectos, pero da igual. Las canciones son estupendas, las letras son maravillosas, y soy un poco fan aunque sea porque ella me cae fenomenal. La amiga con la que quedé llega, cantamos juntos alguna letra, terminan, saludo a Teresa y la conversación parece parte de una canción de Espanto. En vez de a Espaldamaceta & Cuchillo, me voy al bar de la esquina a pedir un bocata de lomoqueso.

- Sí, suenan contínuamente Espaldamaceta y cuchillo, pero soy incapaz de analizar lo que escucho: no he dormido un carajo. Me voy a coger sitio en Comet Gain mientras tomo el bocata (para envidia de la cantante, en serio, vaya miraditas que le echaba). Conciertazo. Maravillosos. A ratos me mareo porque el sol empieza a salir, pero luego vuelvo y me animo de nuevo.

- Dan Melchior hace otro conciertón mañanero de cagarse. Sentado, relajado, sin mucha gente, su parafernalia me llega con claridad y facilidad.

- Tennis no sólo se parecen musicalmente a Fairground Attraction: la tía parece obsesionada con Eddi Reader en su estética. El concierto un coñazo bajo mi punto de vista, y a la media hora me largo, caminando, con dos cojones, al forum.

- Me equivoco de escenario y acabo en el Adidas. Doy un par de canciones a Pájaro Jack, que musicalmente tocan de maravilla, conjuntados, sutiles, pero no aguanto la voz del chaval. Me largo al lado, al jager vice, a ver a Disco las palmeras.

- Disco las palmeras son la primera apisonadora del día en ese fabuloso escenario, donde me pedí la primera cerveza provista por mr ojos claros del día anterior, que me miraba no sé si compasivamente o con instinto asesino. En el concierto tampoco me acaba de convencer la voz, pero en cuanto el sonido se compacta todo suena magnífico. Pero me tengo que ir, que empiezan The soft moon.

- The Soft Moon, con el viento, magníficos, maravillosos, y ahí Risingson Carlos baila, tan cansado, siempre atento a sus tonadas. Bailo como si me hubiesen inyectado adrenalina, que es lo que hacen con sus bases electrónicas y atmósferas oscuras, consiguiendo con el sonido un puto eclipse en el escenario levante. Emocionado, termina, y me voy otra vez a la Vice.

- La débil me sorprenden muy positivamente. Sin estructuras convencionales, usando también el ruido, arriesgándose con todo tipo de rupturas a mitad de concierto, me vuelven a dejar sin habla. Tres conciertos seguidos, tres putos conciertos de la vida.

- Tengo demasiada curiosidad por tune yards. La tía aparece en el escenario hecha una mamarracha, y soltando gritos al igual que en el disco, perfectamente afinados. Me sorprende que logren sacar esas canciones adelante, pero por otro lado me irrita el toque perriflauta que tiene de fondo. Desconecto del concierto al cabo de unas cuantas canciones, y me voy a la zona VIP.

- Me tomo las últimas cervezas que me tomaría en esa zona, y me voy a verlos desde más cerca. Milagrosamente, me encuentro con el amigo con el que más conexión musical tengo. Vemos un rato Fleet Foxes, muy bien conjuntados, afinados, con sus corillos, y se me cae un poco el mito del disco porque, de alguna forma, no me funciona en la San Miguel. Quizás sea porque esté un poco lejos, pero a esas alturas ni me apetecía moverme, y estaba harto de estar solo en todos los conciertos. Me voy con mi amigo a Gonjasufi. "¿Qué dices, Album Leaf? Album Leaf sabes qué van a hacer, no van a ser ninguna sorpresa, y en cambio Gonjasufi puede ser una sorpresa".

- Efectivamente lo fue. Para mal. Un desastre que quería intentar epatar con el guitarreo, torpemente mezclado con las bases, y con un micrófono que sonaba fatal por pura culpa del propio Gonjasufi. Al menos escuchamos a Las Grecas, pero me arrepentí enormemente el haberme perdido a Album Leaf.

- Nos damos cuenta de que vamos a estar casi toda la noche pateando, y nos resignamos. Vamos a Einsturzende, y ahí vemos un rato mientras que las amigas que se nos juntaron, directamente, se aburren. A ratos entramos en el concierto, hipnótico, fascinante, a veces hasta coreografiado. Pero nos apetece ver a Money Mark.

- Money Mark está vacío, como los viejos primaveras. Es simpático, toca bien, hace sus baladas, nos gusta pese a que suena más a lo fi que a funk. Aprovechamos para sentarnos, tomar unos perritos, unas cervezas. Nos vamos a Matthew Dear.

- Matthew Dear comienza regulero, pero va subiendo subiendo y subiendo hasta conseguir una magnífica traca final. Nos hipnotiza. Pero hay que ir a Mogwai.
- Logramos pedir cerveza , copas y demás, y cuando me tomo la primera (a estas alturas del festival estaba acostumbrado a pedir de dos en dos), comienzan con white noise. Me encanta el setlist, me encantan ellos, y pese a que a la derecha tienen una sobredosis de m bastante importante (y no paraban de echar bolsitas a la cerveza), la verdad es que nos toca un público envidiable. Mogwai fears satan, nos cagamos por la pata abajo, y éste quiere irse . Auto Rock, y ya nos vamos.

- Llegamos a Odd Future, estos hacen el bestia, hacen el ganso, y pensamos que mola, pero molaría más si se oyesen todos los micrófonos... y si nosotros entendiésemos algo. Nos subimos a la psicodelia de Animal Collective...

- ... a quienes damos unas cuantas canciones de cancha. Nos encontramos a más gente. Nos alejamos del gentío. En realidad no me está sonando demasiado mal, pero no tengo el cuerpo para meterme en el concierto. Nos largamos a Pissed Jeans.

- Pissed Jeans tienen una propuesta punk salvaje, desaforada, ruidosa y cacofónica. Y eso, tienen una propuesta punk y tal. Sí, pillamos la propuesta. Sí, que pillamos el chiste. Que sí. Que vale. Vamos a ver a Suicide Of Western Culture.

- Suicide of Western Culture logran cargarse mis dos favoritas del disco. Nos largamos a Dj Shadow.

- Dj Shadow tiene el huevo puesto, pero no parece haber empezado. Cuando nos colocamos entre el público (no pun intended), empieza el drum n bass. Luego el organ donor. Luego mi favorita de toda la puñetera carrera de dj shadow, high noon. Maravilloso. Y de repente, fin.

- Nos vamos a la Pitchfork. Estamos rendidos. Nos quedamos por pura fe en kode 9. Aguantamos el final de Black Angels, aguantamos un poco más. En las escaleras no podemos ni movernos. Empieza Kode 9, nos levantamos, disfrutamos, suena Julio Bashmore y nos emocionamos, sigue, sigue, y cuando son poco antes de y media decidimos irnos antes de que el metro se pete.

- Me despiertan a las 10:30. De alguna forma logro levantarme, nos vamos a desayunar, y luego a la tienda del CCCB. Estoy derrotado, quedamos con un amigo, tomamos unas cervezas, otras, luego unas tapas, me tomo dos cafés con él, me voy al aeropuerto, me divierto con el Grindr dentro de él, el avión se retrasa una hora, llego a Madrid, llego a Nuevos Ministerios, de ahí logro coger un cercanías al pinar de las rozas donde tengo el coche, y llego a casa a las 12 y media. No puedo dormirme. Juego a la DS. Me duermo. Hoy tengo el día menos productivo de mi vida.

"Les caixes d´Amsterdam"

2011-05-30T23:31:00.000+02:00

"Les Caixes d´Amsterdam"
(Dirección y realización: Felip Solé)

"El ideal libertario se reinventa contínuamente, aunque no creo que lo podamos demostrar científicamente. Intuyo que se continúa reinventando porque todos lo llevamos dentro de manera natural. Todo lo que tienen los niños de curiosos y creativos por naturaleza puede ser anulado y destruido; un niño puede ser obligado a ser obediente pero existe un tipo de creatividad espontánea, natural, que es parte de nuestra manera de ser. Éstas son básicamente las ideas de la Ilustración: estamos diseñados -por así decirlo- para investigar y crear"
-Noam Chomsky

Magnífico documental que ayuda a dignificar el papel de la televisión pública como un medio de educación social (WHAT??), en este caso concreto recuperando episodios históricos de la lucha por los derechos de los trabajadores que cada día se intentan eliminar desde muchos frentes (uno de los más recientes aquí).
Felip Solé y su equipo elaboran una espléndida reflexión sobre los ideales libertarios anarquistas a través de las declaraciones de distintos historiadores más o menos simpatizantes con la Idea, entre los que destacan Noam Chomsky, Michel Onfray o Josep Termes, entre muchos otros. El documental ilustra al espectador de manera concisa y reveladora sobre los antecedentes de la revolución anarquista de Catalunya (la Comuna de París, la Patagonia rebelde, Nestor Makhno en Ucrania..), sobre las características del anarco-sindicalismo y las diferencias con otras experiencias parecidas, sobre el papel de la CNT en el devenir de la Guerra Civil española...
El actual momento histórico (en el que grupos de población han decidido agruparse de manera espontánea en la plaza del pueblo para ponerse a hacer política real) convierte en imprescindible la reflexión sobre los ideales libertarios.

Lo podeis ver en la página de TV3 a la carta (en catalán!).

Sleetmute Nightmute

2011-05-29T20:55:00.001+02:00

Sleetmute Nightmute
"Night Of The Long Knives"
(Fast Weapons, 2010)

En realidad este disco no es del año pasado, sino del 2003. Este cuarteto de Portland (tres guitarras y batería) grabó un solo disco y un par de singles, pero con el paso del tiempo ha ido adquiriendo una merecida aureola de "disco de culto" que hará las delicias de los fans de Flying Luttenbachers, Ex Models, Sightings, Neptune, AIDS Wolf, Yowie o Erase Errata (con quien compartieron un single en KRS). Las voces pueden recordar a la de Kim Gordon, pero a nivel anecdótico. Mucho ruido y mucha disonancia combinada con partes en las que todo suena increíblemente conjuntado y furioso. Cinco canciones para un LP que es una obra maestra de música destructiva y poco amable en general.

Podeis adquirir parte del material editado por la banda en el sello Fast Weapons.

Sleetmute Nightmute

Jim O'Rourke? Jim O'Rourke!

2011-05-02T23:15:00.000+02:00

Bien, habreis notado que no ha habido mucho movimiento últimamente. Esto se debe -en parte, es verdad- a que sigo perdida y ridículamente obsesionado con la figura de Jim O'Rourke. Atrapado; esto normalmente dura una semana o dos. Estoy pensando en fundar una asociación de culto a la figura de Ntro Señor Jim o'Rourke (una secta, vamos) y organizar peregrinaciones a Japón (ahí es donde vive nuestro amigo en la distancia desde hace unos años), a ver si podemos pillar una chancleta o una toalla de lavabo todavía húmeda de *Él*. Iba a decir que estoy pensando en montar un altar en casa con sus discos, pero es que eso ya lo he hecho.
O'Rourke -esto es un hecho sabido- es una auténtica supernova de creatividad que se expande sin descanso desde hace más de veinte años. Discos/grupos en los que ha participado, tocado, producido, mezclado o simplemente bendecido se acumulan sin remedio en la Iglesia O'Rourkiana en que se ha convertido mi casa. Por ejemplo, en la misa de hoy -dentro de unos minutos, a las once en punto- pincharemos "Ys", de Joanna Newsom, un disco al que en su momento no presté la más mínima atención y que despaché interiormente como "folk-de-la-tierra-media-con-arpas-!!". Ahora que he renacido, no sólo escucho y disfruto este disco sinó que lo he adquirido en vinilo (una jodida obra de arte, por cierto) y seguro que si os veo algún día os caliento un poco la oreja al respecto de lo bueno que es. Otro ejemplo: me he bajado los dos LPs de Smog que produjo Ntro. Señor JO'R ("Knock Knock" y "Red Apple Falls"). Bill Calahan es un artista que nunca me había interesado en lo más mínimo y ahora ahí estoy dándole vueltas a estos discos (muy recomendables, no hace falta decirlo). Dos discos de Gastr del Sol (proyecto en el que O'Rourke participó junto a David Grubbs) también han ocupado mi atención de manera especial: "Camoufleur" y, sobretodo, "Upgrade & Afterlife". Discos junto a The Thing. Discos de ruido de principios de los 90. Ayer escuché tres veces "Insignificance", el disco del que hablábamos hace unos días y en el que participan Jeff Tweedy y Glenn Kotche, miembros de Wilco y de Loose Fur (junto a JO'R y con dos estupendos discos que también han sido objeto de alguna que otra homilia). Otros días he hecho un triplete con "Eureka", una obra maestra total y absoluta.
En fin, no lo quereis saber. En serio. Estoy muy pesado con el tema y no quiero daros la tabarra. Si no actualizo más es por vosotros. En serio.

Kyle Tezak

2011-04-25T00:10:00.000+02:00

Kyle Tezak es un diseñador gráfico con una misión: retratar una película con sólo cuatro iconos gráficos.

Sun Ra

2011-04-23T01:48:00.000+02:00

"The Shadow of Tomorrow" (de "Angels and Demons At Play", Chicago 1955)

Today is the shadow of tomorrow

Today is the present future of yesterday

Yesterday is the shadow of today.

The darkness of the past is yesterday

And the light of the past is yesterday.

The days of yesterday are all numbered and summed in the word “once;”

Because “once upon a time there was a yesterday.”

Yesterday belongs to the dead,

Because the dead belongs to the past.

The past is yesterday.

Today is the preview of tomorrow, but for me, only from a better and happier point of view,

My point of view is the thought of a better, untried reality.

Yesterday is eternity, the eternity of yesterday is dead.

Yesterday is as one, the eternity of one is the eternity of the past.

The past is once upon a time, once upon a time is past, the past is yesterday.

The light of the past is the light which was,

The wisdom of the past is the light of the past;

The light of the future is the light which is to be,

The wisdom of the fiture is the light of the future.

Yesterday belongs to the dead, tomorrow belongs to the living.

The past is cerlified as the finished product, anything which is ended is finished.

That which is perfect is finished, the perfect man is no exception to the rule.

The perfect man of the past is made according to the rule of the past.

The rule of the past is the law of injustice and hypocrisy.

The revelation of the meaning of the law is revealed through the law itself.

The wisdom of the past is the light of the past

The light which is to be is the wisdom of the future

The light of the future casts the shadows of tomorrow.

J.G. Thirlwell

2011-04-21T01:10:00.002+02:00

J.G. Thirlwell
"The Venture Bros.: The Music of J.G. Thirlwell"
(Wlliams Street, 2009)

Hacer una lista de la cantidad de pseudónimos bajo los cuales ha grabado J.G. Thirlwell o de los artistas con los que ha colaborado sería una tarea bastante laboriosa y yo la voy a resumir con un sólo apunte biográfico: es el tio también conocido como Foetus. Bajo este alias o muchísimos otros este músico inglés de origen australiano afincado en Nueva York, ha publicado una cantidad ingente de LPs y EPs. De entre todos ellos -además de Foetus-, valen mucho la pena Stereoid Maximus, Manorexia y este proyecto del que hablaremos hoy, que casi me provoca una explosión cerebral la primera vez que lo escuché, hace cosa de un mes. "The Venture Bros." es una muy recomendable serie de dibujos animados que se emite por el prestigioso canal de cartoons para adultos Adult Swim. Tiene un toque Hannah Barbera años 60 realmente irresistible, además de los giros humorísticos surrealistas característicos de Adult Swim. Bien, Thirlwell es el responsable del score de la serie y hace un par de años se editó el primer volumen con música extraída del show. Se trata de veintidos composiciones que dan forma a un conjunto soberbio y apabullante por su variedad de registros, todos dentro de los parámetros conocidos de los grandes bandasonoristas (Morricone y Schifrin, principalmente) pasado por el adrenalínico sentido del ritmo de Thirlwell: mambo, drum n bass, big beat, electrónica, lounge music, Naked City, big band jazz.. Escuchar estas veintidos canciones con los auriculares puestos es un delirio para los sentidos, como si Tom y Jerry dirigieran a la Filarmónica de Londres. No en vano el mismísimo John Zorn se ha deshecho en elogios para este fantástico album que os recomiendo aunque no conozcais ni a Foetus ni a "The Venture Bros.".
Cinco estrellas, tios.

Venture

Jim O´Rourke Pt. 4

2011-04-19T13:54:00.000+02:00

Jim O´Rourke
"Insignificance"
(Drag City, 2001)

Tercer y último (sin contar el EP "Halfway To A Threeway") disco de la trilogía Nicolas Roeg (ya explicamos que Roeg hizo tres películas con el mismo título que estos tres LPs). "Insignificance" cuenta con la colaboración de Jeff Tweedy y Glenn Kotche, quienes por aquel entonces estaban muy en contacto con O´Rourke ya fuera con la banda que formaron los tres, Loose Fur, o con Wilco (es bien sabido que el de Chicago ha producido dos LPs de la banda capitaneada por Jeff Tweedy). El disco supone un estupendo colofón a la via expresiva iniciada en "Eureka": canciones pop escritas con una sensibilidad personal e intransferible y ornamentadas de manera exquisita. Al igual que las dos anteriores entregas, O´Rourke presenta aquí su faceta más accesible, aunque no exenta de experimentalidad y originalidad. Un poco más orientado a la guitarra eléctrica y al Rock FM, el album es el favorito de los fans "casuales" de O´Rourke.

Insignificance

Jim O´Rourke Pt. 3

2011-04-17T17:52:00.002+02:00

Jim O´Rourke
"Eureka"
(Drag City, 1999)

La gran obra maestra de este periodo de la carrera de Jim O´Rourke es "Eureka" (Drag City, 1999), un disco que se puede catalogar sin ningún problema como "pop" y que bebe de diversas fuentas: Burt Bacharach, Van Dyke Parks, los dos últimos discos de Talk Talk, Charles Ives y, por supuesto, John Fahey. Las dos obras a las que compararía este disco son "Song Cycle" de Van Dyke Parks y "Pet Sounds" de los Beach Boys. Palabras mayores, lo sé: un sentido absolutamente personal y único del pop y del empleo de la producción y los arreglos instrumentales como forma de expresión. La clase de LP intrigante que cambia de forma cada vez que lo escuchas y cuya aureola de "disco de culto" se va haciendo mayor con el paso del tiempo.

Eureka

En este blog lo podeis descargar en FLAC

Jim O´Rourke pt. 2

2011-04-08T18:32:00.001+02:00

Jim O´Rourke
"Halfway To A Threeway" EP
(Drag City, 1999)

El mismo año que grababa "Eureka" (Drag City, 1999), O´Rourke tuvo a bien regalarnos este estupendo EP (que como demuestra el comentario anónimo enla entrada anterior) que se cuenta entre los favoritos de los fans del de Chicago. A lo largo de los poco más de 20 minutos que dura este EP encontramos a un O´Rourke más accesible, aunque las cuatro canciones mantienen el nivel de elaboración instrumental característico en sus otros discos de esta etapa. Canciones como "Not Sport, Marital Art" o la arrebatadora canción que da título al disco ponen el acento en la faceta melódica y cálida de O´Rourke.
Mimomento favorito del disco (y de toda su discografía) es el tramo final de "The Workplace", uno de esos pasajes que te reconcilian con el universo y que te hacen querer ser un árbol o un banco de madera.
Muy recomendable.
Así como apunte friqui: este disco me hace pensar en el grupo American Football.

Halfway To A Threeway

Jim O´Rourke

2011-04-06T22:59:00.005+02:00

Jim O´Rourke

"Bad Timing"
(Drag City, 1997)

Estos días he estado escuchando un montón a una serie de grupos que salieron de las islas británicas a mediados de los 90: Stereolab, Broadcast, Laika, High Llamas.. y de ahí (aprovechando la visita de The Sea and Cake a nuestro pueblo) he pasado a ponerme en modo "escena de Chicago". Un par de veces al año me da por escuchar cosas de Thrill Jockey/familia Tortoise que no tengo muy integradas y me lo paso teta. Hoy habrá gente que le sacará un montón de fotos mierdosas a Justin Bieber y mañana las colgará en su FB. Yo no, yo me monto un ciclo de audiciones de Jim O´Rourke y The Sea and Cake y de David Grubbs y de Gastr Del Sol y me regalo. Me voy al centro a ver si encuentro algún disco físicamente, les hablo de estos discos a mis amigos y/o señora (unos santos todos ellos, nunca se quejan), hago una entrada en el blog.. Extiendo la palabra, vamos. Evangelizo de manera inopinada y no requerida, una gota de sudor en medio de un océano de reseñas de discos de Manel y de conciertos de Interpol.
Bien, Jim O´Rourke grabó una maravillosa serie de discos en el sello Drag City a finales de los 90 que son los que estoy recuperando estos días. El más conocido de todos ellos es "Eureka" (Drag City, 1999), pero cualquiera de los otros cuatro o cinco también tiene mucho interés y se complementan estilísticamente de manera exquisita además de por otros motivos (artwork, títulos sacados de pelis de Nicolas Roeg).
Empezaremos por "Bad Timing" (Drag City, 1997), el primero por orden cronológico. En el año en que fue grabado (1997), el músico de Chicago (duh!) había pasado algún tiempo al lado del legendario guitarrista John Fahey. De hecho O´Rourke tiene el honor de ser uno de los responsables del reconocimiento que por aquel entonces obtuvo -de manera merecidísima- el propio Fahey. "Bad Timing" le rinde tributo de manera sentida: una parte de lo que escuchamos tiene un ascendente Faheyano muy marcado (técnica depuradísima, por cierto) pero también abundan los elementos totalmente personales de este creativo músico. Partiendo de un inicio con guitarras acústicas 100% finger-picking style, las cuatro canciones aquí incluidas (de unos diez minutos cada una) se van desplegando de una manera realmente hermosa, con arreglos de cuerda, pianos, vientos, pedal steel guitars, baterías... Alrededor de un motivo central O´Rourke va añadiendo capas de instrumentación tradicional que le dan un montón de dinamismo al conjunto.
Cuatro composiciones arrebatadoras, si os gustó el disco de Fahey que pusimos por aquí no os perdáis los discos de O´Rourke que pondremos estos días.

Bad Timing

Una fotillo de O´Rourke con John Fahey!

Wolf Eyes

2011-04-04T23:24:00.003+02:00

Wolf Eyes
"Dread" (American Tapes/ Hanson, 2001)
"S/T" (Hanson/ Bulb, 1999)

Ojos de lobo. Los ojos del lobo. Ese brillo que hace que la distancia se acorte, el pulso se acelere y se te seque la lengua.
El primer disco que escuché de Wolf Eyes fue "Human Animal", el disco que sacaron en Sub Pop hace unos cinco años y que me abrió la puerta a toda una -para mí- nueva generación de grupos cuyo principal argumento creativo era el ruido, la oscuridad, la experimentación más primaria. Byron Coley hizo un certero análisis de esta generación de chiflados cuya música -a diferencia de otras corrientes musicales surgidas del underground- jamás de la vida podrá ser absorvida por el mainstream convencional. Coley venía a decir que así como el hardcore surgió como reacción al mierdismo reinante durante la administración Reagan, la nueva generación de ruideros-hijos-de-la-mugre lo era de la administración Bush. En el fondo cualquier manifestación artística tiene una lectura política.
Wolf Eyes fueron de los primeros grupos de este movimiento en documentar su periplo discográfico como una especie de Gran Hermano, al estilo de lo que hacían los músicos de la escena Free Jazz en los 60 (no en vano, Wolf Eyes colaboraron con Anthony Braxton en un disco que lleva por elocuente título "Black Vomit"). Paralelamente a la consolidación del MP3 y las nuevas vías de intercambio y distribución de música subversiva, contracultural y tocacojones, Wolf Eyes proponían una nueva manera de entender la edición discográfica, una suerte de work in progress imparable y constante. Una especie de bola de nieve pesadillesca llena de mocos y sangre en forma de discos, etc. El espectador podía seguir el trabajo del grupo muy de cerca, porque el grupo editaba cassettes, splits, CDRs y discos sin descanso. Los de Michigan entienden los LPs y los conciertos como parte de algo que va más allá, una gran performance artística (como cuando Nam June Paik pintaba mojando su cabezota en un pote de pintura) que no deja de ser un sonoro FUCK YOU al establishment musical en general. Se puede argumentar que todos estos grupos en el fondo no inventaron nada que no se hubiera dicho o hecho en la No Wave, en el Free Jazz o en la música industrial más inhumana (Whitehouse), pero en mi opinión el mérito artístico de Wolf Eyes está fuera de toda duda.
Hoy incluimos un par de discos de la primera etapa del grupo (hace casi diez años!), a modo de introducción al universo ojolobesco (si teneis un poco de dolor de cabeza o vuestra novia está por casa casi que mejor lo dejais para otro dia). Tanto en "Dread" como en "Wolf eyes" (que recopila algunos de los primeros EPs del grupo) el nivel de improvisación y de "mugrerismo" no están muy subidos: bases repetitivas y así como descoyuntadas. El animal se acerca cojeando. Incluso se pueden reconocer algunas voces e instrumentos, algo de lo que te puedes olvidar en etapas posteriores del grupo.
Si os gustan ya pondremos más.

Os dejo un youtube de una etapa ligeramente posterior (2005) pero que sirve para hacerse una idea de cómo estos tipos le sacan las tripas a la suciedad.

Wolf Eyes

Dread 1
Dread 2

Lee "Scratch" Perry

2011-04-03T12:34:00.001+02:00

Lee "Scratch" Perry
"The Mighty Upsetter"
(On U Sound, 2009)

Los discos que ha estado grabando "Scratch" Perry junto a Adrian Sherwood en estos últimos años no tienen ningún despredicio y son de mis favoritos de toda su discografía. Sherwood es uno de los alumnos aventajados de "Scratch" en el manejo de la consola de producción, además de ser el capo del interesantísimo sello londinense On U Sound. Un estilo de dub más actualizado pero igualmente irresistible y que se complementea perfectamente con los cánones estilísticos que el propio Perry cimentó en la mítica Black Ark. De entre todos los discos que esta pareja han ido sacando estos años mi favorito es "The Mighty Upsetter" (On U Sound, 2009), un trabajo que quizá carece del componente más ocuro/voodoo de su periodo en la Black Ark pero que viene repleto de cadencias melódicas saturadas de bajos y humo.
Seguiremos poniendo algo del gurú Scratch en el futuro.

The Mighty Upsetter

Trts & Scratch

2011-03-30T00:37:00.000+02:00

Takako Minekawa

2011-03-27T22:15:00.001+02:00

Takako Minekawa
"Cloudy Cloud Calculator"
(Emperor Norton, 1998)

Normalmente toda la música que viene de Japón me produce la mayor de las indiferencias, pero no es el caso de Takako Minekawa (un nombre fácil de memorizar, verdad?). Resulta que la Minekawa es ultra-fan de Kraftwerk (bastante graciosa "Kraftpark"), le chiflan los teclados analógicos sesenteros (Dios Moog por encima de todos ellos), tiene un gato al que le graba sonidos que después se pueden escuchar en los discos y es la esposa del conocido productor japonés Cornelius. "Cloudy Cloud Claculator" (Emperor Norton, 1998) es el disco que más me gusta de los que he escuchado de esta mujer, pero por poca distancia. Hay que reconocer que es un tipo de música que puede poner un poco de los nervios, pero yo tengo una cierta debilidad por bandas como Pizzicato Five, Dee Lite y ya no digamos otras como Kraftwerk o Stereloab. Un cóptel de sonidos amables y decididamente Pop en los que se unen la electrónica primigenia, el retrofuturismo Pop francés de los 60, Kraftwerk, y en general todo tipo de cachibaches que hacen "PING". Un disco muy agradable de escuchar, con una paleta de sonidos bastante más amplia de lo que parece en las primeras escuchas.
Me ha recordado también al mega-freak de Bruce Haack (respect!) y a James Pants. Recomendado!

Cloudy Cloud Calculator

Semana grande

2011-03-25T22:38:00.000+01:00

Estos son los flyers que mola que te den:

Jay Reatard

2011-03-23T20:08:00.001+01:00

Jay Reatard
"Watch Me Fall"
(Matador, 2009)

Se hace duro escuchar este disco y pensar que Jay Reatard ya no está entre nosotros y que no va a publicar más discos como éste. El talentoso y prolífico geniecillo de Memphis dejó una discografía trufada de auténticos hits, con un sentido único para unir garage, punk, pop y lo fi, con unos chorritos de melodías vocales inconfundiblemente british (apostaría algo a que le encantaban los Buzzcocks). Él lo definió como Kiwi Pop. Algo menos agreste que otro de sus grandes discos, "Blood Visions", pero también grabado en estado de gracia. Jay Leslie a cargo de la grabación de todos los instrumentos (excepto alguna batería), de la composición y de la producción: genio del fútbol mundial, barrilete cósmico en Memphis, artista único en su generación. Reatard tenía personalidad, algo a lo que los tontainas de Interpol o The National nunca se acercarán ni por asomo.
"It Ain´t Gonna Save Me", el inicio del disco, es como un amigo que te encuentras por sorpresa al doblar la esquina y que te da un abrazo antes de empezar a hablar. Así una detrás de otra, imposible decir si es mejor este disco o "Blood Visions". Los detalles de producción o composición abundan como los rayos de sol en una mañana soleada.
Al igual que sucede con otros artistas desaparecidos prematuramente, algunas de las letras se hacen difíciles de soportar con el tiempo. En "Watch Me Fall" las hay a puñados, pero una en particular: "I don´t wanna be in this world" (de "Rotten Mind"). Aunque seguramente no tiene ningún sentido buscarle ningún tipo de sentido premonitorio.
Obra maestra con todas las letras, este disco lo escucharé con mis nietos -si es que alguna vez los tengo (y sinó lo escucharé con los nietos de Damià)-.
JAY REATARD´S NOT DEAD!

Watch Me Fall

Harlan County USA

2011-03-21T20:55:00.001+01:00

"Harlan County USA"
(Barbara Kopple, 1976)

"The Take" (Avi Lewis, 2007 ), "Numax Presenta" (Joaquim Jordà, 1980) o "El efecto Iguazú" (Pere Joan Ventura, 2001) son algunas de las magníficas películas que seguramente no existirían si Barbara Kopple no hubiera rodado "Harlan County USA" en 1973. Uno de los mejores documentales de todos los tiempos, auténtico cine de guerrilla, que sentó las bases de un tipo de documental de denuncia cuyo exponente más popular sería Michael Moore: el Capital es un jodido ogro, pero los obreros a veces los tienen cuadrados y pegan duro.
El film está situado en un momento y un lugar muy concretos (el Kentucky ultrarural, minero y desposeído de mediados los años 70), pero retrata de manera magistral las circunstancias que tradicionalmente han rodeado cualquier tipo de huelga: corrupción sindical, pistoleros de la patronal/propaganda, respuesta violenta vs oposición pacífica, desgaste en la línea de piquetes, esquiroles y revienta-huelgas, división entre los propios obreros, incertidumbre respecto al futuro de la huelga/sindicato, intereses personales vs intereses del colectivo... Kopple y su reducida troupe pasaron unos cuantos años acompañando a los mineros del condado de Harlan en su lucha, y el documental es un emocionante testimonio sobre el camino recorrido. Especialmente emotivos son los momentos en que se recogen los testimonios de las esposas de los mineros (un retrato absolutamente vívido de una persona y una realidad sociocultural en apenas unpar de minutos), las canciones de aire reivindicativo cantadas en la línea de piquetes y la somanta de ostias que la propia autora de la película se lleva en un momento determinado.
Se ha criticado a Kopple que el documental ignora deliberadamente el punto de vista de la patronal, pero en ningún momento se pretende establecer un relato neutral sobre el conflicto: la autora simpatiza con la causa obrera de manera explícita.
Otros documentales han intentado hacer un análisis más intelectualizado de la lucha proletaria, pero "Harlan County USA" ofrece un fascinante retrato del factor humano de la misma.

Lo podeis encontrar en este foro.

Cristian Mungiu

2011-03-18T18:34:00.000+01:00

"Amintiri din epoca de aur"
(Cristian Mungiu, 2009)

"4 meses, 3 semanas y 2 días" me pareció una de esas películas especiales, tanto por su forma (planos largos e intensos, movimientos de cámara muy bien escogidos, gran dirección de actores) como por su contenido (narración sobre el aborto sin ningún tipo de predicamento moral, ni a favor ni en contra). De eso ya hace cinco años y Cristian Mungiu, el director de esta peli rumana que fue Palma de Oro en Cannes 2007, se ha tomado las cosas con calma desde entonces: "Amintiri din epoca de aur" ("Tales From The Golden Age" en inglés; en castellano no ha tenido traducción, a pesar de que se estrenó en Julio del 2010) es un proyecto colectivo, producido y escrito por Mungiu en el que participan hasta seis directores. Se trata de seis episodios que se centran en relatar una historia-leyenda urbana situadas en la Rumania comunista de Ceaucescu y que contrastan gloriosamente con el tono de "4 meses, 3 semanas...". Como en los libretos clásicos de Aristófanes, el autor hace una demoledora crítica del sistema -además de un retrato costumbrista- a partir de la sátira y la comedia. Seis divertidísmos episodios que contienen algunos momentos ultrajantemente cómicos y que dejan a una peli como "Goodbye Lenin", por ejemplo, a la altura del betún. Gran trabajo actoral, excelente trabajo de diseño de vestuario y de interiores, buen pulso narrativo.. En fin, una auténtica delicia. El único pero es que no existen subtítulos en español, tan sólo en inglés.

Podeis encontrar enlaces de descarga (con los subs en inglés) en este foro.

Shiiiet

2011-03-14T18:50:00.003+01:00

Romain Gavras

2011-03-10T18:44:00.000+01:00

Éste es el trailer del documental que rodó sobre la primera gira americana de Justice:

Y por último el trailer de la excelente película que estrenó el año pasado, "Notre Jour Viendra", con Vincent Cassel y el chaval del video de DJ Mehdi:

Nate Young

2011-03-09T00:08:00.000+01:00

Últimamente estoy escuchando un montón a Wolf Eyes y como siempre me han gustado mucho los dibujos de Nate Young -uno de los miembros del grupo- pues aquí van unos cuantos.

Swirlies

2011-03-08T00:43:00.000+01:00

Swirlies
"Blonder Tongue Audio Baton"
(Taaang!, 1993)

Pues resulta que estoy ordenando mis CDs por orden alfabético y de entre las tinieblas ha surgido victorioso este disco de los Swirlies (no confundir con Surfin´ Swirlies). Creo que sólo tengo dos grupos de Taang Records: The Lemonheads y Swirlies. No está mal.
Marchando una de nostalgia!
Me hice con este disco porque es de la época en que me compraba discos de los Lemonheads, Buffalo Tom, Pixies, My Bloody Valentine, Blake Babies, Sonic Youth, Pavement, Polvo, Seam, Yo La Tengo, Beat Happening.. Grupos que veía reseñados en fanzines que compraba por correo poniendo dos dólares detro de un sobre. Me gastaba casi tres mil pesetazas de la época en grupos que no había escuchado en la vida, pero que sabía que tarde o temprano acabarían gustándome. Hubo dos discos que se me atravesaron un poco ("Sister" de Sonic Youth y "You Turn Me On" de Beat Happening), pero al final me acabaron flipando. El primer disco de los Swirlies me atrapó desde el principio, sin problemas. "Blonder Tongue Audio Baton" (Taaang, 1993) incluye dos tipos de canciones: una es fuzz-pop a la MBV (con sus guitarras ruidosillas y sus voces suaves) y la otra es collage lo-fi pseudo-experimental. Supongo que podría decirse quelos Swirlies hacían Noise Pop, que es una etiqueta nauseabunda pero que en su caso se adapta bastante bien a la realidad. Hacía un millón de años que no los escuchaba y aguantan perfectamente bien. Muy recomendables para los completistas de Indie Rock noventero que hay por esos campos de Dios.

Blonder Tongue

Docus sobre Baloncesto pt. 3: "More Than A Game"

2011-03-03T10:59:00.000+01:00

"More Than A Game"
(Kristopher Bellman, 2008)

Documental para todos los públicos que narra las andanzas de un grupo de amigos siguiendo su sueño y practicando su deporte favorito, desde que empiezan a jugar con diez años hasta que acaban el instituto. En el camino se convierten en el mejor equipo de High School de todos los EEUU, situando a la pequeña localidad de Akron, Ohio, en el mapa baloncestístico del país. El mejor jugador del equipo del instituto St Mary St Vincent fue LeBron James, pero viendo el documental, uno se da cuenta de que lo importante era la piña que formaban estos chavales. Kristopher Ballen emplea multitud de imágenes de archivo que documentan perfectamente esta unión y que dejan a las claras que éste fue uno de los mejores equipos de la historia del baloncesto de instituto de EEUU.
También se reflexiona sobre la cobertura mediática exageradísima a la que se ha visto sometido LeBron James desde una edad muy temprana (sólo comparable a la que tuvo Lew Alcindor hace casi cincuenta años). James ha tenido que estar siempre a la altura de las expectativas, superando dificultades más que notables (criado por una jovencísima madre soltera, cambiando de escuela primaria y mudándose de domicilio cada dos por tres, etc).
Un documental muy recomendable que añade un poco de profundidad a la sobredimensionada figura de LBJ y que nos presenta la emocionante historia de este grupo de amigos que acabó convirtiéndose en el equipo número uno del país.

(Gràcies, Jordi!)
Película
Subs

The Beatles

2011-03-01T14:56:00.000+01:00

The Beatles
"Everybody´s Got Something To Hide Except Me And My Mixtape"
(2011)

Los putos Beatles. Durante dos años de mi vida (de los catorce a los dieciseis) un 80% de la música que escuchaban mis oídos eran los Beatles. En el walkman, yendo al instituto, odiando al mundo pero sabiendo que, después de todo, no era un lugar tan asqueroso porque de él habían salido los Fab Four. Desde entonces no han pasado más de, digamos, un par de meses sin que escuche un disco de los Beatles (mis favoritos: "Rubber Soul", "White Album" y "Revolver", pero va cambiando -excepto el primero-). No lo sé seguro, pero creo que como mucho cada 36 horas alguna canción de los Beatles atraviesa mis pensamientos, ya sea por alguna referencia pop que me los recuerda o porque se dispara en mi memoria aquel bajo de Macca en "And Your Bird Can Sing" o el juego de voces de "Here, There and Everywhere". Cuando alguien me pregunta por mi grupo favorito casi siempre digo los Beatles, sin pensar mucho (también puede que diga Neil Young).
Últimamente he estado escuchando bastante a mis amigos en la distancia y el tiempo y he pensado en hacer una mixtape sobre ellos. Para ello me propuse algunas consideraciones previas (soy un flipado, no es algo nuevo): nada de canciones excesivamente conocidas ni de melindrosidades 100% McCartney (aunque me encantan, que quede claro). Tampoco he incluido ninguna de Ringo: aunque hay alguna que me hace mucha gracia (el podio para mí serían "Act Naturally", "What Goes On" y "Don´t Pass Me By"), en general soy de la opinión de que Ringo canta en plan de broma y tienen un valor anecdótico, como de broma interna.
Hay un poco de todo:

1 "And Your Bird Can Sing" (de "Revolver" 1966): Una de mis canciones favoritas de uno de mis discos favoritos de los Beatles. Seguramente en un combate a muerte entre esta canción y Godzilla ganaría "..Bird Can Sing". Incluye referencias ocultas al LSD, como mandan los cánones de cachondismo privado de los de Liverpool.

2 "Flying" (de "Magical Mistery Tour" 1967): Una canción verdaderamente enigmática, tanto por su moderno sonido como porque fue una de las pocas que fue compuesta por sus cuatro miembros. Una canción que da la nota psicodélica enmedio de un ya de por sí psicodélico "Magical Mistery Tour". Totalmente instrumental.

3 "I´m Looking Through You" (de "Rubber Soul" 1965): "You don´t look different but you have changed". Triste, pero seguro que todos nos podemos identificar con una letra así. Una favorita personal.

4 "Why Don´t We Do It On The Road?" (de "White Album" 1968) Sobre un clásico blues, Paul McCartney se casca un verdadero tour de force vocal (a la altura de "Helter Skelter"). Os interesará saber que a Macca se le ocurrió el tema de la canción después de ver a dos monos copulando enmedio de un camino en la India.

5 "Mother Nature´s Son" (de "White Album" 1968) Ya sé que había dicho que una de las premisas era no incluir ninguna canción 100% Macca, pero a veces no se puede hacer lo que uno quiere. El puñado de canciones acústicas incluidas en "White Album" son la repanocha (excepto "While My Guitar Gently Weeps").

6 "Got To Get You Into My Life" (de "Revolver" 1965) Una de las mejores canciones de "Revolver" que resulta que Macca escribió pensando en el verde, la yerba, la mandanga: la marihuana. Es conocido que poco antes Dylan les había introducido en el mundo del fumeteo y los cuatro chavales (por aquel entonces más aficionados a las pastillas) quedaron encantados. Los arreglos seguían los cánones dictados por las producciones de Stax o Motown, no están nada mal, ya lo creo.

7 "I´m Only Sleeping" (de "Revolver" 1965) Gran composición de Lennon, es especialmente molona -entre otras cosas- por esas guitarras de Harrison que suenan marcha atrás. Un verdadero himno slack.

8 "Martha My Dear" (de "White Album" 1968) Una de las grandes canciones que Macca escribió inspirándose en el patrón estético del music-hall. Absolutamente inevitable para mí escuchar el nombre de Marta y no pensar en esta fantástica canción.

9 "She Said She Said" (de "Revolver" 1966) Los Beatles se metieron un tripi de LSD con Peter Fonda (los dias de "Easy Rider, recordemos) y los componentes de The Byrds y Lennon escribió una canción sobre las experiencias resultantes. "You're making me feel like I've never been born". La historia es bastante graciosa, vale la pena leer la entrada en wikipedia.

10 "Everybody´s Got Something To Hide Except Me and My Monkey" (de "White Album" 1968) Otro de los momentos más roqueros y al mismo tiempo extraños del "White Album". Los Feelies harían años más tarde una gloriosa version de esta canción.

11 "I Will" (de "White Album" 1968) Macca en todo su esplendor. Una canción que habré tarareado más de dos millones de veces.

12 "Drive My Car" (de "Rubber Soul" 1965) Glorioso inicio de album con esa rickenbacker de Harrison a petar de treble. Las palabras "drive my car" no se tienen que tomar en un sentido literal, sino en un sentido figurado, como invitación al sexo.

13 "I´ve Just Seen A Face" (de "Help!" 1965) Favorita personal. Incluye unos "lailailai"s de lo más odiosos, pero estamos hablando de los Beatles. Aquí quedan bien.

14 "Dear Prudence" (de "White Album" 1968) Otra canción más del inabarcable album blanco. Dedicada a Prudence Farrow, hermana de Mia Farrow, que estaba con los cuatro (también el capullo de Mike Love) en India en pleno periodo de meditación. La batería es tocada por Paul. Temazo inmortal con una producción de otro mundo.

15 "Sun King" (de "Abbey Road" 1969) "Abbey Road" es mi album maldito. Nunca he podido encontrarle el punto, pero esta extraña canción siempre me ha gustado y creo que sirve perfectamente de cierre a este grupo de canciones.

Bitels Mixtape

John Porcellino

2011-02-28T13:57:00.001+01:00

Wiki
Website
He estado leyendo una antología de comics americanos y me he enamorado del trabajo de John Porcellino, minimal, cálido y honesto.

Black Dice

2011-02-22T17:18:00.000+01:00

Black Dice
"Beaches & Canyons"
(DFA, 2002)

De Black Dice hay que comérselo todo. Es uno de esos grupos modernos que hacen canciones ruidosas y rítmicas y que entienden su carrera musical como un work in progress. Han editado una cantidad ingente de EPs, discos, CDRs, remezclas, etc.. aunque es justo reconocer que últimamente se lo toman con un poco más de calma y que artísticamente también han suavizado un poco su discurso (que quede claro que siguen molando, ojo). "Beaches & Canyons" es, junto a "Creature Conforts" (DFA, 2004), su mejor y más variado disco y el que mejor sirve de introducción a la obra de este trio de Brooklyn. Su obra posterior se caracterizaría por el uso y abuso de electrónica cafre y oscura, pero aquí todavía podemos identificar algunos instrumentos y definir algunos pasajes como "oníricos". Otros se centran en el estudio del caos y del ruido como patrón creativo, dando lugar a unas canciones que defecan directamente sobre la idea tradicional de canción. No sé si es porque estoy escuchando mucha No Wave últimamente, pero veo bastantes similitudes entre la vocación anti-todo de los grupos neoyorquinos de finales de los 70-principios de los ochenta y Dados Negros. Supongo que también lo podríamos definir como "psicodelia" y quedarnos tan anchos (de hecho, las largas composiciones del grupo respiran un ambiente improvisatorio, rollo jams a lo Grateful Dead en plan industrial y ruidoso), como una mezcla loca de Can y Whitehouse.
Dadle todo el volumen que sea posible y que sea lo que dios quiera.

Dados

Lee "Scratch" Perry

2011-02-20T20:13:00.000+01:00

Lee "Scratch" Perry and The Upsetters
"Super Ape"
(Island, 1976)

Hacía tiempo que no hablábamos de ese agujero negro musical (no offense) que es la cuna del dub, el ska, el reggae y el dance hall: Jamaica, y hoy lo vamos a hacer con una de las indiscutibles obras maestras del género. La discografía de "Scratch" Perry da para mucho. Podríamos haber elegido "Chicken Scratch" (1968), "Cloak And Dagger" (1973), "Roast Fish, Collie Weed And Corn Bread" (1978) o incluso cualquiera de los buenísimos discos que ha sacado en los últimos diez años junto a Adrian Sherwood, el capo del sello británico On-U Sound. Pero el elegido es "Super Ape" (Island, 1976), su obra más emblemática, el disco en cuya portada aparece un orangután de quince metros de altura fumándose un canuto mientras arranca una secuoya de cuajo. Acompañado por los Upsetters y con contribuciones vocales de Prince Jazzbo o los Heptones, "Super Ape" refleja la maestría a la producción que había adquirido Lee Perry en su estudio Black Ark, que por aquel entonces ya llevaba unos años funcionando a pleno rendimiento. Todas las características que hicieron grande al Dub en general y al loco de Lee Scratch Perry en particular están presentes en este album: ecos, reverberaciones, delays, canales de sonido con teclados, trompetas, voces o melódicas que aparecen y desaparecen como si fuesen nubes de humo. El estudio de Scratch, Black Ark, se llenaba de sonidos profundamente experimentales pero muy orgánicos al mismo tiempo. Producciones secas, de bajo coste, con una sección rítmica metamorfoseada en un solo instrumento y una vibración general como de otro mundo que se hace plenamente irresistible incluso cuarenta años después.

Supr Ape

DNA

2011-02-15T00:57:00.000+01:00

DNA
"DNA On DNA"
(No More Records, 2004)

La palabra "iconoclasta" sería la que mejor definiría las intenciones de DNA, el trio de Arto Lindsey. Normalmente es una palabra que no designa algo realmente "inconoclasta" sino ligeramente anti-establishment, como unos tejanos rotos o un piercing en el labio inferior. No. DNA eran realmente iconoclastas. Querían destruir todo lo que se había hecho hasta entonces y lo que vendría después. Lo que es innegable es que destruyeron conceptualmente todo lo que musicalmente se hacía en el Nueva York de finales de los 70 / principios de los años 80. DNA no dejaban títere con cabeza. La escena No Wave nos sirve para situar a DNA en su contexto cultural, pero en realidad su approach primitivista, tocacojones, ruidoso, de ritmos aparentemente deslabazados no tenía parangón en la escena neoyorquina. De lejos podían hacerte pensar en referentes igualmente iconoclastas, bajo el paso de los cuales ya nunca más creció la hierba: Captain Beefheart, Suicide, The Stooges/Velvet Underground, Stockhausen, Albert Ayler y el free jazz, Can. DNA escuchaban música étnica antes de que eso fuera un lugar común en los grupos de corte experimental. Pero DNA no suena a nada de eso. Se parecen a la lejía, si acaso.
El grupo tuvo dos formaciones: una con teclados y otra con bajos. Los dos elementos constantes fueron Ikue Mori (a la batería; después conocida en la escena experimental neoyorquina por su manejo del laptop y los teclados) y Arto Lindsey (cuya prolífera carrera artística es demasiado larga como para resumirla en dos líneas). En su primera época DNA contaban con Robin Crutchfield a los teclados y luego tuvieron a Tim Wright (antes en Pere Ubu) al bajo. Mi época favorita es la segunda, como una especie de This Heat menos cerebrales y frios. Siempre canciones secas, cortas, directas y una actitud genuinamente artie y do-it-yourself que influyó a multitud de bandas de la actualidad: Black Dice, Wolf Eyes, Liars, Erase Errata, Flying Luttenbachers, US Maple, Arab On Radar, Ex-Models y un -afortunadamente- largo etcéterea. Da mucha rabia cuando notas que un grupo se esfuerza al máximo por sonar extraño y retorcido (la expresión inglesa-americana "try too hard"), pero en cambio es genial cuando te das cuenta de que un grupo es capaz de sonar así sin esfuerzo, como es el caso de DNA.
El enlace que encontrareis más abajo recopila canciones de origen diverso: el EP que publicaron a finales de los 70, "A Taste Of DNA", los cuatro temas incluidos en "No New York", más grabaciones en directo (no quiero ni imaginarme el shock que significaba ver a esta troupe a principios de los 80) y tomas alternativas, inéditas, etc.. Todo el material es absolutamente imprescindible, DNA son una de las bandas más grandes y salvajes que jamás ha salido de Nueva York.
Si alguna vez os topais con el cd que recopila todo el material de la banda, no dudeis en adquirirlo. Incluye textos de Byron Coley (respect!), Jason Gross y Glenn O´Brien, además de flyers de la época, fotos, etc..

Os desgloso un poco el tracklist, porque quizá os mareais al descomprimir el archivo y ver que son 32 canciones:

1-2 "You&You" 7''
3-6 temas de "No New York"
7-12 temas de "A Taste Of DNA"
13 grabado en Canadá, fecha desconocida
14-18 en directo Squat Theatre´s Obie
19-23 directo CBGB 23 Jul 1978
24, 26 y 30 directo Columbia University 5 Marzo 1980
25, 27-29 "cinta Fiorucci", fecha desconocida
31-31 directo CBGBs último show 24 Junio 1982

DNA

Com Truise

2011-02-14T00:08:00.000+01:00

Com Truise
"Cyanide Sisters EP"
(Ghostly International, 2010 Reedición con bocadillo y olivas)

Como llevamos algunas entradas redactando textos más largos que la nariz de Hedo Turkoglu y sobre grupos oscuros y/o antiguos vamos a hacer un post ágil, juvenil y sobre música de ésta de sonidos de la Modernidad. Joder, incluso tendremos la oportunidad de teclear la palabra "chillwave" (si alguien ha llegado a este blog googleando "chillwave" ya os podeis largar de aquí ahora mismo, fac yu).
Así a bote pronto y de manera juveniloide y desenfadada se podría definir la música de Com Truise como una mezcla entre Dam Funk -uno de los totems de este follón de blog- y Hype Williams. Funk, electrónica con algún toque retrofuturista y saturadísimo de teclados, ambiente decididamente ochentero ("arcade-wave", venga, me la juego) y atmósferas como de peli de Serie B (rollo que el prota se baja de una nave de la que sale humo blanco y observa que acaba de llegar a un planeta extraño y el plano se va abriendo y cada vez se ve más espacio deshabitado y volvemos a un plano cerrado con el jetolo del prota que tiene cara de "ostia, otra vez no"). Muy pero que muy jander.

Com Truise

fIREHOSE

2011-02-11T00:09:00.000+01:00

fIREHOSE
"fROMOHIO"
(SST, 1989)

El caso de fIREHOSE es realmente injusto. Dos de sus componentes (Mike Watt y George Hurley) venían de tocar en Minutemen, una de las bandas que cambió el panorama del punk rock americano para siempre, y esta banda ha acabado eclipsando a fIREHOSE de manera inaceptable. Estuvieron en activo ocho años (1986-1994), hicieron cerca de mil conciertos (mIL!) y publicaron cinco discos (tres de los cuales se pueden calificar como obra maestra sin ningún género de dudas) y dos EPs.
Se ha escrito mil veces sobre las circunstancias que rodearon al nacimiento de esta banda californiana que ayudó (junto a Descendents, Black Flag, Sonic Youth, Dinosaur Jr, Meat Puppets) a cimentar el glorioso legado discográfico del sello de Greg Ginn, SST Records, pero por si acaso allá vamos otra vez: tras la trágica desaparición de D Boon, el carismático cantante y guitarrista de Minutemen, Mike Watt (amigo inseparable de Boon) y George Hurley pasaron un tiempo sin ganas de tocar. Ed Crawford, un fan acérrimo de Minutemen que vivía en Columbus, Ohio, escuchó un falso rumor -al parecer iniciado por los miembros de Camper Van Beethoven- que decía que Watt y Hurley estaban buscando un nuevo cantante-guitarrista para formar un nuevo grupo. Ni corto ni perezoso, "Edfromohio" (como pasaría a conocérsele a partir de entonces entre el tropel de SST) se plantó en casa de Watt y le tocó unas cuantas canciones de Minutemen y de los Who. Watt y Hurley quedaron sorprendidos con el chaval y decidieron iniciar fIREHOSE. Ed fromohio pasó nueve meses durmiendo en casa de Watt. Las canciones que darían forma a su primer LP, "Ragin´ Full On" (SST, 1986), fueron escritas en su mayoría por Watt para Dos, el proyecto que tenía con Kira Roessler (esposa de Watt en aquel entonces y a la sazón bajista de Black Flag). El estilo del grupo todavía estaba por pulir, pero ya se podía apreciar que fIREHOSE eran algo distinto de Minutemen, aunque mantenían la amplitud de miras (punk, free jazz, funk) que hizo grandes a la mejor banda que ha salido nunca de San Pedro. Ed era un cantante más versátil que Boon y fIREHOSE parecían tener un toque un poco menos urgente y más juguetón. "If´n" (SST, 1987), con el poster de Hüsker Dü en la foto de la portada, era un disco más serio que "Ragin´ Full On", la banda había desarrollado una personalidad que se desplegaría en plena madurez con "fROMOHIO" (SST, 1989), el mejor disco del grupo sin discusión (al menos para mí: mirando en la red hay gente que prefiere cualquiera de los dos anteriores). Un sonido variadísimo (solos de batería, interludios a-la-John-Fahey, folk, punk, hard rock, tropicalismo) que sin embargo no evita que el oyente centre su atención en las composiciones. Exactamente 31 minutos y 13 segundos que se suceden en un periamén. Después ficharon por Columbia, sacaron un par de discos más que repetían lo ya visto y en los que ya no estaban tan finos a nivel de composición, etc.. bla bla bla. Escuchad "fROMOHIO" y después cualquiera de los dos anteriores, descubrireis uno de los secretos mejor guardados de la inagotable cantera de SST.

dESDEOHIO

Terakaft

2011-02-08T23:42:00.000+01:00

Terakaft
"Akh Issudar"
(World Village Music, 2008)

"Las guitarras son un arma mucho más poderosa que los rifles Kalashnikov. Las guía el corazón de un artista, no el ansia de verter la sangre de ningún enemigo." Son palabras de Liya Ag Ablil (nombre guerrero: Diara), quien junto a los demás componentes de Terakaft ("La caravana") participó en las rebeliones del pueblo tuareg contra el Gobierno de Malí.
Al parecer, Terakaft fue fundado originariamente por Keddou ag Ossad, a su vez miembro de Tinariwen, otra banda de blues desértico, tuareg blues o como se le quiera llamar que han gozado de cierto prestigio internacional. También se ha etiquetado a este tipo de bandas como "Teshumara", que es una deformación del francés "chomeur" (parado). Este movimiento estaría formado por jóvenes combatientes que se vieron obligados a cambiar instrumentos por armas en la rebelión alimentada por Muammar el Gadaffi.
La etnia Kel Adagh, a la que pertenecen los miembros de Terakaft, tiene unos mil años de historia a sus espaldas. Estos bereberes abandonaron la vida agrícola en pos de un nomadismo impuestopor las circunstancias. Se adpataron como nadie a las durísimas condiciones de vida desérticas y controlaron las rutas de caravanas que conectaban el Atlántico con el Mediterráneo (de hecho, Terakaft quiere decir "la caravana"). Una cultura propia que bebía de distintas influencias fue consolidándose poco a poco, fortaleciéndose por oposición al colonialismo francés. La entrada de los franceses neutralizó las antiguas rutas de caravanas, lo que empobreció al pueblo tuareg de manera severa. Con el nuevo mapa post-colonial, el territorio de este pueblo quedó dividido entre Malí, Niger, Argelia, Libia, Mauritania y Chad. Esta nueva situación empeoró todavía más la situación de estas tribus, lo que significó de facto el colpaso de sus ancestrales formas de vida. Acabaron estableciéndose en el noroeste de Malí. Se rebelaron un par de veces contra el gobierno de Malí, pero la represión que soportaron fue tan grande que tuvieron que buscar refugio en otros países. Fue en esta situación de vagabundeo ilegal por el desierto del Sáhara (con dos cojones y nos quedamos cortos) en la que se formaron Terakaft. En los años 80, Gadaffi financió y puso a disposición de las guerrillas rebeldes campos de entrnamiento en Libia. Los músicos de Terakaft fueron parte de esos recultados. En este contexto, estos músicos entraron en contacto con influencias musicales occidentales (el blues, Bob Marley, Hendrix, las guitarras y los bajos eléctricos) y desarrollaron un nuevo tipo de música contestataria. Grabaron en condiciones precarias unas cuantas canciones, que circularon durante años en copias piratas en cassette. En los años 90, Malí inició un proceso democrático que nombró un Consejo Nacional de Reconociliación y los tuaregs fueron llamados para formar parte en el nuevo gobierno. Las guerrillas quemaron sus armas y desde entonces viven en medio de un estado de paz frágil. Las canciones de Terakaft (mantras de repetitivo blues directamente emparentado con Ali Farka Toure) significan nada más y nada menos que la conciencia de un pueblo milenario que se resiste a su desaparición y la denuncia de sus precarias condiciones de vida material y cultural.

Terakaft

Docus sobre Baloncesto #2: "Gunnin´ For That #1 Spot"

2011-02-06T23:46:00.000+01:00

"Gunnin´ For That #1 Spot"
(Adam Yauch, 2008)

El director de este documental, Adam Yauch, también es conocido con el alias de MCA y es uno de los tres miembros de Beastie Boys. Actualmente está teniendo algún problemilla de salud, pero esperemos que con las toneladas de energía positiva que miles de fans en todo el mundo le habrán enviado en el último par de años, el Beastie tranquilo se recupere totalmente y pueda seguir tocando y haciendo videoclips y docus.
"Gunnin´ For That #1 Spot" es como una especie de versión reducida de la gran obra maestra de los documentales deportivos, "Hoop Dreams", de la que hablaremos en otra entrada futura: chavales de muy diferente background sociocultural que son de los mejores jugadores de baloncesto de todo EEUU se reúnen para jugar una especie de High School All Star Game en el legendario playground neoyorquino de Rucker Park. Si sois aficionados a la NBA, el documental tiene un valor añadido porque el docu se centra en ocho chavales, siete de los cuales han hecho carrera en la NBA (y uno de ellos, Kyle Singler, es el máximo anotador de la Universidad de Duke). Los que han tenido un mayor impacto han sido Kevin Love y Michael Beasley, pero también aparecen Jerryd Bayless, Tyreke Evans o Brandon Jennings.
"Gunnin´ For That #1 Spot" fue rodada en verano del 2006, y se centra en ofrecer un breve pero acertado retrato del entorno de cada uno de los chavales (desde el entorno WASP de Kevin Love al ghetto angelino de Compton donde creció Brandon Jennings), analizando el impacto que tiene la atracción del dinero del basket profesional en estos chavales que mayoritariamente vienen de un entorno bastante desfavorecido. A toro pasado es sintomático comprobar que ninguno de ellos completó su ciclo universitario, excepto Kyle Singler (blanco), que está en su último año con los Duke Devils. La última parte de la película ofrece imágenes del partido, con narración del mítico streetballer Bobbito García (no tiene precio el thrash talking de Michael Beasley).
Como os podeis imaginar la banda sonora está llena de temazos hip hop: Jay Z, Ludacris, Beastie Boys, EPMD, NWA (Brandon Jennings conduciendo por Compton), Public enemy ("By The Time I Get To Arizona", cuando aparece Jerryd Bayless), etc..

(Tampoco han salido todavía subtítulos de esta película, sorry!)

Spot

Robert Christgau

2011-02-02T23:27:00.000+01:00

Una de mis páginas de referencia -como buen neoyorquino que soy- es el Village Voice. Cuando ellos dicen que algo es guay, puedes apostar dinero a que el 90% de las veces lo es. La sección de música, Pazz and Jop, me ha dado bastantes alegrías: hace poco hicieron una encuesta entre varios críticos musicales para averiguar cuántos eran capaces de nombrar a todos los componentes de Wu Tang Clan. En serio, la prensa musical española está a años luz de la americana, no shit. Bien, pues el crítico musical Robert Christgau estuvo al cargo de la sección musical del Village Voice durante muchos años y también ha escrito en Playboy, Rolling Stone (sí, sí, lo sé), Creem o Spin. Artistas como Lou Reed o Sonic Youth han citado su nombre en una canción (lo correcto más bien sería decir que se cagaron en sus muertos en una canción) y es apreciado por su libro de reseñas "Consumer Guide", en el que los discos reciben una puntuación (aquí podeis ver el divertido baremo utilizado en el libro) y una breve reseña. Una de mis favoritas es ésta de "Ragged Glory", de Neil Young, en la que recrea un -imagino- ficticio diálogo entre vecinos:

"It's three o'clock in the fucking morning, will you turn that thing down? All I hear down here all night is thump-thump-thump-thump thump-thump-thump-thump--same fucking tempo, same fucking beat, on permanent repeat, you don't even have to walk over to the amplifier to start it up again, just galumph up and down in that stupid hippie pogo. Of course I love him too. I know the guitar is great. So what? This isn't the Beacon, goddamn it. It's my apartment."

No hace falta decir que, como en cualquier clasificación ordenada siguiendo parámetros estrictamente subjetivos, el criterio de Christgau es algunas veces discutible. Gran sorpresa, no? Pero aunque el criterio de Christgau no fuera fiable en un, digamos, 84% de los discos reseñados, aún y así valdría la pena leer sus comentarios. Lo mismo sucedía con Lester Bangs. Un tio de 68 años que es capaz de escribir sobre el último disco de The Roots, por ejemplo. Fan de la música africana desde principios de los años 80. Fue de los primeros críticos musicales en defender el hip hop o el riot grrl. Los únicos géneros musicales que no soporta son el heavy metal, art rock, progressive rock, bluegrass, gospel, el folk irlandés y el jazz fusión. No sé vosotros, pero yo me identifico totalmente con estas fobias.
Si podeis leer en lengua inglesa pasaros por su página, no os arrepentireis.

Docus sobre Baloncesto pt. 1: "Quantum Hoops"

2011-01-31T18:52:00.000+01:00

"Quantum Hoops"
(Rick Greenwald, 2007, USA)

Seguramente a nadie le importará dos mierdas, pero inauguramos sección follonera y lo hacemos con un curioso documental con el que algunos de vosotros os sentireis identificados: "Quantum Hoops". Fijo que nunca habeis logrado hacer un mate a dos manos pero sí que sois capaces de deletrear corectamente la palabra "idiosincrasia". Los componentes del equipo de baloncesto de la California Institute of Technology (CalTech) no ganan un partido desde el año 1985 (21 años seguidos perdiendo todos y cada uno de los partidos), y casi siempre palman por una diferencia superior a los 40 puntos. El palmatori deportivo por norma. Pero sacan dieces en los exámenes de Física Cuántica (ocho ex-alumnos del centro acabaron ganando un premio Nobel por su carrera en el campo de las Ciencias). Con esta premisa, es difícil no simpatizar con el atajo de nerds que desfilan en pantalla, algo que la película consigue con creces. "Quantum Hoops" sigue al equipo en la temporada 2005-2006 (con imágenes de los entrenamientos que no pasarán a la historia del deporte que inventó el Dr Naismith) y traza un entretenido recorrido histórico por el ignominioso curriculum vitae deportivo de la Universidad de CalTech. Una verdadera delicia de documental, la única putada es que no hay subtítulos.
La podeis descargar de este imprescindible blog.

"Coffee Is The Color": una mixtape de whitey Mike

2011-01-26T00:08:00.002+01:00

(En la foto Shuggie Otis. Es más elegante de lo que tú y yo seremos jamás)

Mike prepara unas muy decentes fideuás, es capaz de enchufar algún que otro triple y tiene mal perder cuando juega al Trivial Pursuit. Le gusta todo lo negro (dicho así suena mal, lo sé) y nos ha preparado una misteip de lo más jugoso que espero que disfruteis tanto como yo. Si lo veis algún dia por la calle de cidle que abra un blog ya, copón. Word up, Mike!

"Los recopilatorios o ‘mixtapes’ son simplemente obras de amor y en mi opinión de las más grandes, a la vez que satisfactorias para quien las realiza. Son obras concebidas desde la pasión para personas que te importan. Incluso cuando no tienen un destinatario específico pienso constantemente en ellos. Sinceramente creo que con el tiempo he desarrollando un hemisferio cerebral accesorio que se dedica exclusivamente a labores de rastreo y archivo para futuras recopilaciones. No hay nada mejor para levantar las expectaciones (personales) de un largo viaje en coche que no te apetece o una fiesta con desconocidos que hacer un recopilatorio. Es un ejercicio empático y ese debate interno que se produce me fascina. Por otra parte, para aquellos que hemos nacido sin los good looks y capacidades de seducción tradicionales, los mixtapes han sido instrumentos claves de supervivencia -sobretodo durante épocas de efervescencia hormonal- dada su capacidad de expresar todo aquello que superaba tu propio ingenio o aquello que simplemente no te atrevías a decir. Las ventajas selectivas y reproductivas que confiere la capacidad de crear buenos recopilatorios son innegables. Tarde o temprano el mundo será dominado por los más expertos mixtapers.

Pues allá va Mirolai, un recopilatorio que inicialmente pensé nombrar ‘Noir’, por la concentración melanínica de la mayoría de los músicos que aparecen en ella y porque extrañamente creo la mayoría de canciones funcionan mejor de noche (si es que eso tiene algún sentido). Al releerlo he decidido cambiarlo a ‘Coffee is the color’ en honor a la canción de Roy Ayers que he incluido y porque no me evoca tanto la imagen de un helado. En esta ocasión no pretendo seducir a nadie y menos al peludo de Manel que tengo el dudoso honor de ver semanalmente en la ducha (Montags-for-life!). Con que pueda reproducir en alguien esa mueca o media sonrisa tan placentera que va acompañado de un leve balanceo de la cabeza, que induce una buena canción que nunca has oído, maldiciéndote por haber deambulado tantos años por este mundo sin haberte topado con ella, me quedaré satisfecho. Espero que lo disfrutéis (a volumen alto, graves a tope y con unos altavoces que no sean de ordenador, por favor).

01. Dorothy Ashby - Soul vibrations
(de "Afro Harping". Cadet (1968))

Dorothy Ashby kickn’ ass con su arpa eléctrica bajo la tutela de Richard Evans. Un año más tarde publicaría otro discazo donde incorporaría su voz y varios instrumentos freaks dándole así un aire Zen-misterioso sin caer en los tópicos hippiéscos de la época.

02. Shuggie Otis - Inspiration Information
(de "Inspiration Information". Epic (1974))

Este es mi pequeño homenaje al bloguero insaciable que nos reúne hoy, siendo precisamente éste el que me introdujo al insultante talento de Shuggie que empezó a componer y a grabar discos propios desde los 15 años. Esta canción da título a su tercer y más grande LP que tocó y compuso casi íntegramente él solo. Claro que, por entonces ya era mayor. Tenía ya 18 años. Ouch!

03. Syl Johnson - Is it because I’m black?
(de "Is it because I’m black?" Twinight (1970))

Personaje con menos nombradía que Carl Davis o el trio escalofrío Mayfield-Hutson-Hathaway pero absolutamente imprescindible para entender el sonido soulero de Chicago a finales de los sesenta y principios de los setenta. Productor y hitmaker para el pequeño sello Twinight, más adelante grabaría para Hi Records donde permaneció a la sombra de Al Green.

04. The JB’s - Blow your head
(de "Damn right I am somebody". People (1974))

Hay pocas canciones que me disgustan más oír en un bar o en una fiesta que ‘Sex machine’ de James Brown y me sigue pareciendo una falta total de respeto. No porque la canción sea inherentemente mala, sino porque hay tantas otras más excitantes y menos conocidas que me desespera. Este es su grupo, los JB’s en solitario kicking-it.

05. Leroy Hutson - Cool out.
(de "Hutson". Curtom (1975))

Coolness en su máxima expresión. Quizás es la canción que más tatareo. Extraído de su disco titulado ‘Hutson’ que junto con ‘Hutson II’ son dos discos que no pueden faltar en toda casa de bien.

06. Pieces of Peace. Pass it on Pt.1.
(de "Twinight" (1970))

Banda de estudio que trabajó primero para Brunswick y que después de abandonar al tirano de Carl Davis bajaron la calle con sus instrumentos (literalmente) y ficharon para Twinight donde fueron los protegidos de Syl Johnson acompañándole en sus primeros singles y lps. Esta canción está sacada del recopilatorio monográfico del sello Twinight exquisitamente realizado por Número Group. Si me tuviera que quedar con solo uno de los muchos que han sacado, this is the one.

07. Darondo – Let my people go
(de "Let my people go". Luv N' Haight (2006))

Hay algo oscuro y misterioso de esta canción que me tiene totalmente cautivado. Quizás es esa sección de vientos tenue y sutil del principio o la línea de bajo sencilla pero arrolladora, no lo se. Darondo tan solo sacó 3 singles a principios de los 70 y desapareció. En 2006 fueron recopilados de nuevo juntamente con 3 canciones inéditas.

08. Donald Byrd – Street lady
(de "Street lady". Blue Note (1973))

Trompetista de hard-bop que tocó con casi todos los grandes antes de sacar discos por cuenta propia. Fue el padrino de los Blackbyrds y sacó una barbaridad de discos buenísimos para Blue Note, pero que más disfruto son los que gozaron de la colaboración de los hermanos Mizell durante los 70.

09. El Michels Affair – Detroit trice
(de "Sounding of the city". Truth & Soul (2005))

Leon Michels y su colectivo de hipters de Brooklyn. Aparte de sacar discos propios también está detrás del increíble sonido de otros grandes contemporáneos como Lee Fields o Aloe Blacc.

10. Manzel – Midnight Theme
(de "Midnight theme". Dope Brother (1979))

Disco infinitamente sampleado por los diversos beats que contiene. Mi disco favorito de estas últimas semanas.

11. Lamont Dozier – Don’t leave me
(de "Love and beauty". Invictus (1974))

Más conocido por pertenecer al equipo Holland-Dozier-Holland que junto con los olvidados Funk Brothers inundaron a Motown de hits estelares. Esta canción está sacada de su primer disco en solitario después de dejar a Motown y formar su propio sello. El principio de la canción es absolutamente alucinante, con la voz desnuda de Lamont junto con el bajo que da paso a un estribillo irresistible. Vinyl rip so turn it up.

12. David Axlerod. The Fly. Capitol (1969)

El primero de los dos caras pálidas que indultaremos hoy por el amor que han demostrado hacia la música negra. Esta canción está sacada de uno de sus primeros LPs en solitario llamado ‘Songs of Experience’ que desde luego, está a la altura del título.

13. Pete Jolly. Plummer Park.(1970)

Segundo y último white-boy que voy a incluir en este recopilatorio, eso si, igual que David Axelrod, rodeado de músicos negros que grabaron juntos cuatro horas de gloriosa improvisación (no se asusten) que después se acabó de pulir en el estudio dejando un disco muy divertido lleno de funky keyboards y grooves.

14. William Bell - I forgot to be your lover.
Stax (1968)

De mis canciones preferidas últimamente. Todo, cada arreglo, cada palabra y tono está justo en el sitio donde debe estar.

15. Roy Ayers. Coffee is the color. Motown. (1973)

Una de las mejores bandas sonoras ‘blackspotation’ sin duda. No me canso nunca de esa pequeña pausa justo antes que Ayers entra aporreando el vibráfono para no dejarlo hasta el final de la canción.

16. Skull Snaps. It’s a new day (1973)

Otro de los incontables ejemplos de inmensos grupos de funk que tan solo sacó un disco antes de caer en el más absoluto olvido.

Coffee 1
Coffee 2

Ry Cooder "Jazz" 1978

2011-01-24T20:27:00.000+01:00

Ry Cooder
"Jazz"
(Reprise, 1978)

El disco jazz de Ry Cooder, como los más listos ya habreis adivinado. A estas alturas ya sabreis que los LPs del artista californiano son auténticas lecciones de historia de la música. En este caso Cooder El Musicólogo Voraz se centra en la recuperación de los sonidos del jazz más festivo -el de la década de los años 20-, antes de que existieran el be bop, el free jazz y demás deconstrucciones del jazz primigenio. En los años 20, los EEUU todavía no habían padecido ni la Gran Depresión, ni el boom del Rock n roll, ni la lucha por los Derechos Civiles de los años 60... El jazz de los años 20 (y anterior: algunas composiciones incluidas aquí se compusieron a finales del siglo XIX) era tocado por grandes orquestas en Nueva Orleans y a eso es a lo que suena "Jazz": dixieland, ragtime, Jelly Roll Morton, Earl Hines, Gershwin.. Se le puede achacar a este disco una excesiva voluntad academicista por recrear el sonido original, pero sin duda es una verdadera delicia para los oídos poder escuchar a todos estos fantásticos músicos veteranos de la escena de New Orleans siendo dirigidos por Cooder (con arreglos de Joe Byrd). Uno de los discos del amigo Ryland que más veces he escuchado.

Old school vs New school

2011-01-18T20:35:00.000+01:00

Hoy he leído una carta al editor en el último ejemplar de The Wire (Deerhof en la portada) que me ha hecho pensar. Qué impulsos guían la elección del próximo disco en escucha? Y, aplicado al blog, qué discos elegir para incluir en una entrada? Old School? New School?
Últimamente he estado escuchando novedades que me han dejado un excelente sabor de boca (como cuando acabas de comer la última gamba de un plato de alubias con gambas, ese mismo sabor). Los discos de Atleta, Pony Bravo, Dirty Beaches y Woodsman hacen que valga la pena pasar por el calvario que supone ser un aficionado a la música en la actualidad. Normalmente -esto es así- el aficionado medio no tiene una racha de buenas cartas como éstas. Demonios, uno abre las páginas del Mondo Sonoro y le dan ganas de destruir y de matar. Admitámoslo, no es que haya muchos grupos, es que hay demasiados grupos. Podrían existir el 25% de los grupos que existen en la actualidad y seguiría habiendo demasiados grupos.
Otras semanas he estado eligiendo (no con una voluntad consciente sino al buen tuntún, como normalmente hacen las cosas los Cáncer como yo) discos antiguos que:
a) No conozco de nada (blues polvoriento y comatoso)
b) Conozco tangencialmente pero quiero conocer con mayor profundidad (África, kraut rock)
c) Conozco realmente bien y sé que me van a poner la piel de gallina y me van a hacer levantar del sofá ("Beaster" de Sugar, The Minutemen, Hot Snakes, Melvins)

En este momento la sabiduría oriental sacaría a relucir la idea del yin y el yang (Joaquín Arozamena, presente) y nos la restregaría por la cara, con clara voluntad de ejercer la superioridad moral y espiritual habituales entre la gente con túnica: Siempre hay que aspirar al equilibrio. A la hora de poner discos, Confucio pondría "Doc At The Radar Station" de Captain Beefheart y, a continuación, uno de Hype Williams. Normalmente ya me cuesta bastante decidir qué comeré esta noche (Harvey Pekar, presente), así que cuando tengo que elegir qué disco poner en el plato intento captar bien qué es lo que me está pasando por los c***nes en ese preciso instante y ése es el disco afortunado. Y os lo tengo que decir: casi nunca decido poner un disco de Van Morrison.

Ry Cooder "Ry Cooder" 1970

2011-01-13T19:19:00.000+01:00

Ry Cooder
"Ry Cooder"
(Reprise, 1970)

El hombre que le dijo no a los Rolling Stones, a Taj Mahal y a Don Van Vliet (aka Captain Beefheart) publicó su primer disco en 1970, en la filial de Warner Bros., Reprise. Para ello, Cooder contó con la ayuda de Lenny Waronker, uno de los productores clave de la música americana de los 70 que por aquel antonces ya había producido a Van Dyke Parks y el primer disco de Randy Newman, "13 Songs". También se benefició de la colaboración del propio Van Dyke Parks, quien, años después, acabaría formando parte de una de las mejores bandas de acompañamiento que jamás tuvo Ry Cooder. Otros músicos de sesión que continuarían trabajando con nuestro hombre y que participan en este LP son Milt Holland (batería y percusión) y Chris Ethridge (bajo).
Para su primer disco, Cooder no se comió mucho la cabeza. Abarcando un periodo de tiempo de 60 años, el amigo Ryland se sirve del cancionero popular de la música de raíces norteamericana y relee con maestría piezas de Woody Guthrie, Leadbelly o Blind Willie Johnson, además de composiciones contemporáneas del propio Cooder o de Randy Newman (maravillosa "Old Kentucky Home"). Un album realmente variado (folk, blues, rock n roll, pop) que además brilla por la excéntrica producción de Parks y Waronker y que sirve de perfecta introducción a la primera fase creativa del músico califorinano (que culminaría con "Chicken Skin Music" o sobretodo "Paradise and Lunch"). Abundan los grandes momentos, pero yo me quedaría con "How Can a Poor Man Stand Such Times and Live?", de Alfred Reed.

Ry Cooder 1970

Ali Farka Toure with Ry Cooder "Talking Timbuktu" 1994

2011-01-10T21:20:00.000+01:00

Ali Farka Toure with Ry Cooder
"Talking Timbuktu"
(World Circuit, 1994)

Ry Cooder ha firmado grandes discos de duetos, pero "Talking Timbuktu" se lleva la palma. Uno de los mejores LPs de los 90 y sin duda uno de mis favoritos del amigo Ryland. El disco que grabó en colaboración con el añorado músico de Mali Ali Farka Toure supone una rendición a la música africana en general y la del "John Lee Hooker africano" en particular. Qué demonios, éste es un disco de Farka Toure, no de Cooder. A quién le importa. "Talking Timbuktu" -y toda la discografia del que una vez fue alcalde de Niafunké- es la demostración de que el blues tiene su origen en África, ni más más ni más menos. Diez extensas canciones exquisitamente interpretadas en diez lenguas diferentes por el maestro Farka Toure, con respetuosa e impecable producción de Cooder y el acompañamiento de habituales del amigo Ryland, como el percusionista Jim Keltner o el bajista John Patitucci, amén de multitud de músicos africanos sin tanto renombre pero idéntica sensibilidad.
Ali Farka Toure ya tenía cierto renombre internacional antes de que lanzara "Talking Timbuktu" en 1994, pero fue este disco el que sin duda significó su espaldarazo definitivo a nivel artístico. Como anécdota decir que aquel año se llevaron un premio Grammy.
Un disco fascinante, intemporal.

La versión FLAC del disco la podeis encontrar aquí.

Timbuktu

Ry Cooder "Paradise And Lunch" 1974

2011-01-06T16:11:00.000+01:00

Ry Cooder
"Paradise And Lunch"
(Reprise, 1974)

Esta semana me parece que el tema va a ser una serie de posts sobre Ryland Peter Cooder, aka Ry Cooder, uno de los antropólogos musicales más importantes que han surgido de la música de raíces americana del siglo XX.
Uno podría pensar que la carrera de este veterano músico californiano ha sido recompensada con reconocimientos y halagos en forma de Grammies, pero cuando analizamos su aportación a la música americana de los últimos 50 años, nos damos cuenta de que su figura está claramente infravalorada. Podría tirarme dos años escuchando sus discos o sus colaboraciones con otros músicos o producciones y no me aburriría. Folk, blues, rock n roll, reggae, tex-mex, dixieland, country, música folklórica (de origen hawaiano, latino, irlandés, africano), scores cinematográficos... De todo. Además de contar con una carrera de lo más interesante en lo que a su aportación estrictamente musical se refiere, Ry Cooder siempre me ha caído simpático porque fue un personaje incómodo para la industria discográfica. Él siempre ha puesto a la música en primer lugar, y eso no siempre gusta a los grandes estudios. Su actitud insobornable le llevó, por ejemplo, a romper el bloqueo cultural al que estaban siendo sometido los artistas cubanos, entrando a grabar (con la ayuda de su amigo Wim Wenders) el célebre "Buenavista Social Club".
Durante unos dias vamos a sumergirnos en su carrera discográfica, que ha dejado al menos una decena de discos que se escucharán con atención dentro de 83 años, sin duda.

El primero (gran portada!) que he elegido es "Paradise And Lunch" (Reprise, 1974), un disco de corte clásico que Cooder grabó a medadios de los 70, cuando ya contaba con una cierta fama que le venía de haber colaborado con los Rolling Stones en "Exile On Main St.", con Taj Mahal (Cooder tan sólo contaba con 17 años de edad cuando colaboró con el célebre bluesman), con Randy Newman o con la Magic Band del mismísimo Captain Beefheart ("Safe As Milk", 1967). En "Paradise And Lunch", Cooder agrupa una serie de diversos elementos que tienen su origen en la música folklórica americana y a los que el eminente guitarrista californiano le suma su propia personalidad, situándolos en un espacio nuevo. Originales tradicionales (magnífica "Jesus On The Mainline") o versiones de Bobby Womack o Burt Bacharach, da igual. Un pouporri de referencias cruzadas que se vuelven invisibles en el disco, que fluye como si todo hubiera sido escrito e interpretado por un único artista.
"Paradise And Lunch", como no podía ser de otra manera, está excelentemente producido e interpretado. Los músicos de sesión del L.A. de mediados de los 70 tenían un nivel acojonante y Cooder los conocía muy bien a la mayoría de ellos: Jim Keltner, Milt Holland, Russ Titelman).

Paradise and Lunch