martes, 27 de septiembre de 2011

Agitpop



(Nuestro amigo Marc Balfagón, aka "El Balfita", inicia su colaboración con Un Gran Follón introduciéndonos a la obra de esta banda ochentera, Agitpop. Gracias, man!)

Agitpop eran un grupo de art-punk americano que habitó, de manera bastante discreta, la década de los ochenta. Su sonido basculaba entre el punk college de los Replacements o Minutemen y los devaneos arty de grupos herederos de Captain Beefheart y Red Krayola como Pere Ubu. Ahora que lo pienso, un buen nombre para describir al grupo sería collage punk.

Oídas ahora, sus canciones suenan con una pureza increíble: rabiosas, extrañas, cambiantes, libres…pero siempre conservando la forma y el estribillo. De sus cuatro discos, me quedo con los dos primeros ("Feast of sunfish" y "Back at the plan of jairs"), los más personales y experimentales, pero "Open Seasons" y "Stick it" son igualmente brutales. Estos dos últimos son los que prefiere Carlos Alonso, persona que me descubrió el grupo y que tiene menos tolerancia que yo a los sonidos rarunos. No dejes que el tiempo los entierre y dales una oportunidad. 



jueves, 22 de septiembre de 2011

Sun Araw "Ancient Romans" (Drag City/Sun Ark, 2011)



Sun Araw
"Ancient Romans"
(Drag City/Sun Ark, 2011)

Estaba escuchando el último disco de Mark McGuire para Mego y un pensamiento ha cruzado mi mente: quizá todos estos chachos que sacan tantos discos (y que tienen mil proyectos paralelos) no aspiran a que su música sea escuchada de manera repetida y atenta. Es imposible escucharse la discografía de -digamos- Wolf Eyes con detenimiento, con lo que uno acaba teniendo una impresión del conjunto, como si cada disco (o CDR) fuera en realidad una canción de un disco de 427 minutos. Ahora hay MÁS de todo: más conciertos, más grupos buenos, más grupos malos, más grupos gñe, más festivales, más gente que sabe de música, más grupos en el Rockdelux, más listas, más revisiones con grupos antiguos que no habías escuchado y que deberías conocer... No sé si es bueno o malo, pero la escena actual es así.
Sun Araw (aka Cameron Stallones) es de estos que tiene un sótano y mucho tiempo libre y, también hay que reconocerlo, personalidad. Casi todo lo que ha sacado mantiene bastante interés, aunque también es cierto que podría haber editado exactamente la mitad de lo que ha sacado y el mundo seguiría girando tan tranquilo. A mí los que más me gustan son los que está sacando últimamente. De "On Patrol" (Not Not Fun, 2010)  ya hablamos por aquí y ahora el amigo Stallones ha tenido a bien compartir con nosotros "Ancient Romans" (Drag City/Sun Ark, 2011), un disco que -al igual que el anterior- trasciende la mierdosa etiqueta del chillwave, porque suena a un montón de cosas a la vez. Sun Araw ya hace ese tipo de música que se convierte en un ser mutante y cada vez que la escuchas adopta una forma distinta: ahora Dub de andar por casa, ahora Psicodelia hippilonga, ahora Dronerio, ahora Kosmische, ahora Alemania peluda, ahora Disco patibulario... Todo ello mezclado con las señas de identidad que hacen que todo esto tenga solución de continuidad: ecos, reverberaciones, flangers, bajos que te llevan por los sitios, teclados que encienden lucecitas y una tendencia a alargarlo todo hasta el límite.
Bastante bien. Esto de la música moderna a veces parece que está bastante bien.


Sun Araw Romanos Ancientes

lunes, 19 de septiembre de 2011

Ali Farka Touré "Niafunké" (World Circuit, 1999)



Ali Farka Touré
"Niafunké"
(World Circuit, 1999)

En una larga conversación* que pudimos mantener con Daniel Higgs, el cantante de Lungfish nos explicaba cómo la música del llamado tercer mundo se construye alrededor de una tradición y a partir de ahí va evolucionando. Siempre con las raíces presentes la música se mueve hacia adelante y cambia de forma. Nos explicaba que los músicos del sur de la India conocen la vida de grandes músicos de la comunidad que vivieron hace más de siete siglos. En Occidente, mientras, nos preocupamos constantemente por generar nuevas músicas que rompan con lo preestablecido, que hagan rabiar a nuestros padres, quizá movidos por los intereses de las grandes compañías discográficas ávidas en crear siempre nuevas tendencias. En Occidente –continuaba Daniel- tenemos una idea equivocada de lo que es la tradición: tendemos a pensar en lo tradicional como algo que tiene que mantenerse exactamente igual a lo largo de los siglos (Stravinsky, Wagner, Beethoven, las sardanas, las jotas, Wynton Marsalis).
Cuando Ali Farka Touré grabó este disco su intención era volver su mirada hacia sus raíces.Ya había gozado de una notable notoriedad a nivel internacional (Premios Grammy junto a Ry Cooder, exitosas giras internacionales) y sentía que debía volver al corazón de su identidad cultural, devolver a Mali lo que había aprendido de su periplo en Occidente. Su música en ningún momento se alejó en exceso de sus raíces, pero el gran Ali sentía que se había alejado de ellas. Qué mejor manera que grabar el disco en Niafunké, la población situada al norte de Mali en la que creció y de la que sería alcalde unos años más tarde. El resultado es uno de los discos más espirituales y serenos de Touré. Desarrollos que adquieren un tono mediatitvo y profundamente espiritual en su mayoría y que demuestran que la música de este artista es de ésas que hace grande una tradición y que la renueva sin que pierda sus señas de identidad.


*Esta entrevista será publicada dentro de poco (ahora sí!).

martes, 13 de septiembre de 2011

Nuno Canavarro "Plux Quba" (Moikai, 1999)



Nuno Canavarro
"Plux Quba"
(Moikai, 1999)

Nuno Canavarro es un músico portugués de corte electrónico y experimental. Publicó "Plux Quba" en el año 1988 y no tuvo mucha repercusión, a pesar de lo avanzado y enigmático de su sonido. Un par de años después, Christoph Heeman introdujo a Jim O`Rourke y Jann St Wener (Mouse On Mars) a la música de Cannavarro y el de Chicago acabó reeditándola en Moikai, el subsello de Drag City, diez años después.
La verdad es que este disco se las trae. No se parece a nada que haya escuchado. Quizá se podría emparentar a algunas cosas de Kevin Drumm, de Pauline Oliveros o de Mouse On Mars (aunque estos vinieron después del portugués) y estoy convencido de que gente como The Notwist, Guillermo Scott Herren (Prefuse 73), Nobukazu Takemura o media plantilla del sello Anticon (Bracken, sobretodo) han escuchado este LP en algún momento. Quince cortes de electrónica bastante experimental que sin embargo transmite una sensación de calidez y de cercanía que no se acostumbran a encontrar en este tipo de artefactos. Al principio cuesta un poco acostumbrarse al ritmo en el que se suceden las canciones, porque la mayoría son temas relativamente cortos que tienen un motivo central claramente definido y que no varía mucho en su desarrollo. Después de unas cuantas escuchas el tono intimista -odiaría decir "emocional"- acaba resultando familiar y extrañamente adictivo. El uso de voces distorsionadas a un volumen bastante bajo en la mezcla es uno de esos trucos originales que muestran a las claras que el portugués es un artista con una voz propia.
"Plux Quba" serían como quince polaroids distintas, quince texturas. Quince tipos de luz.
Un disco asombroso que vale la pena reivindicar más de veinte años más tarde.

Canavarro

sábado, 10 de septiembre de 2011

Jeff Parker "The Relatives" (Thrill Jockey, 2005)



Jeff Parker
"The Relatives"
(Thrill Jockey, 2005)

Mi subconsciente es sabio. Cuando no tengo muy decidido qué voy a escuchar, Él guía mis pasos. Hacia Chicago, ya sabeis. Normalmente pienso en todos los discos de la Gran Familia de Componentes de Tortoise que me quedan por escuchar/descubrir/reescuchar/prestar más atención/etc.. John Herndon. John Mc Entire. Doug McCombs. Dan Bitney. Jeff Parker. La lista de proyectos interesantes en los que se ha visto envuelto alguno de los miembros de la GFCT es de ésas que estimulan las papilas gustativas: Bastro, The Sea And Cake, Isotope 217, The For Carnation, Chicago Underground Trio, Brokeback, Pullman, Directions In Music, Eleventh Dream Day...
Jeff Parker es el Tortoise que aporta un elemento más genuinamente jazzístico y sus discos en solitario todavía se acercan más a este tipo de música. De entre todos los que ha publicado (con resultado desigual, todo hay que decirlo) el más interesante es "The Relatives", editado por Thrill Jockey en el año 2005. En él colaboran músicos de la escena experimental de Chicago de entre los que destaca Chad Taylor (batería de Chicago Underground Duo/Trio junto a Rob Mazurek y el propio Jeff Parker y que también es conocido por tocar en los discos en solitario de Sam Prekop, el cantante de The Sea And Cake).
A lo largo de las ocho composiciones que dan forma a este fantástico disco, el cuarteto (guitarra, bajo acústico, teclados Fender y batería) se mueve dentro del terreno del Jazz relajado y accesible (quizá un cierto aromilla soul se cuela en alguna ocasión) que no suena a naftalina y que no se pierde en extravagancias innecesarias. Los cuatro músicos desarrollan variados diálogos musicales que en todo momento mantienen la chispa y el interés y que dejan un excelente sabor de boca.
Grabado en los estudios SOMA de Chicago por John McEntire.

Lo podeis comprar por unos ocho euros en Thrill Jockey.

The Relatives

jueves, 8 de septiembre de 2011

Eh!, una entrevista con Elías Egido


Elias Egido ha dado unas cuantas vueltas desde que dejara Standstill y E-150. A lo largo de este tiempo ha estado ocupado -entre otras cosas- con un estimulante proyecto musical que lleva por nombre Eh! Hace un par de años ya sorprendió con "36 de 48" (BCore, 2009), un CD grabado en Sevilla con músicos de la escena local y madrileña. Un portentoso concierto en las fiestas del BAM barcelonés confirmó la solidez del conjunto, que ahora se ha visto confirmada con la publicación de su segundo disco, "La Fase Del Sueño Intratable" (BCore, 2011). En él encontramos diez canciones orientadas al imaginario de las bandas sonoras que harán las delicias de los fans de Lalo Schiffrin o de los "Filmworks" de John Zorn. Todo ello construido y ejecutado con un buen gusto y una claridad de ideas que los sitúan como una verdadera rara avis dentro del panorama musical estatal. Charlamos brevemente con él via email y esto es lo que nos explicó.

Al final de la entrevista podeis escuchar entero su estupendo primer disco, "36 de 48", ya que muy amablemente la peña de BCore nos lo ha subido a las nubes. Dentro de poco la indie de Barcelona publicará su segundo álbum, "La Fase Del Sueño Intratable", únicamente en vinilo (las copias incluirán el disco en formato CD)

1. Elias, nos puedes poner un poco al tanto de lo que has estado haciendo musicalmente en estos últimos tiempos? Qué tipo de música has estado escuchando, si has estado ensayando con alguien regularmente, etc..?

Tras cerrar mi etapa como miembro de Standstill y tomarme dos años de desconexión musical decidí retomar mi camino creando el proyecto Eh!, del cual Bcore editará la primera quincena de octubre la segunda referencia del grupo, "La fase del sueño intratable". Hasta febrero de este año en el que volví a Badalona, ensayaba con el grupo madrileño llamado Le Traste y en este tiempo he estado escuchando todo tipo de música, desde cosas más acústicas como Josh T. Pearson o Bon Iver a cosas más personales como Pony Bravo o John Zorn.

2. Cómo empezaste con el proyecto Eh!? Tenías en mente alguna idea previa o la cosa fue tomando forma a medida que todo empezó a rodar?

El punto de partida del proyecto toma forma el día en que tengo diez canciones que considero cerradas y listas para ser grabadas. Durante la grabación de "36 de 48" (BCore, 2009) conté con la batería de Daniel Arrizabalaga y el resto de músicos aportó su lenguaje trabajando desde su casa. En cambio en esta última grabación he tenido la suerte de poder grabar con la mayoría de músicos directamente en el estudio. De hecho ahora mismo Eh! ha dejado de ser el proyecto en solitario de Elías Egido para convertirse en una banda, es más, hemos pasado de ser cinco músicos trabajando individualmente desde su casa a diez  personas en el estudio, con el nivel de risas que eso conlleva.

3. Los dos discos tienen un componente “banda sonora” bastante marcado. Qué compositores te han marcado? En qué crees que se diferencia la música de bandas sonoras con la demás (si es que ves alguna)?

Además de los clásicos Morricone y Schiffrin, me gustan mucho Don Ellis y Danny Elfman, por supuesto todo el trabajo que realiza John Zorn con su serie Filmworks me parece excelente. Las BSO y en general la música instrumental permiten al oyente construir imágenes mentales. Dependiendo del estado de ánimo en el que te encuentres cada escucha va a ser distinta, aunque al final la música es música. 

4. Has hecho muchos conciertos tocando los temas de “Eh!? Qué planes tienes al respecto en el futuro próximo?

Preferimos hacer pocos conciertos al año ya que los miembros de Eh! están repartidos por toda la geografía española con los problemas de logística que ello supone. Todo el mundo involucrado tiene claro que este es un proyecto a cuidar debido a la gran amistad que nos une a todos y como cada uno de nosotros tiene proyectos más activos en directo, cuadrar nuestras agendas a veces puede ser considerado como un pequeño milagro. 

5. Tengo curiosidad por conocer tu opinión respecto a lo que hacen Standstill en los últimos discos. Mantienes el contacto con ellos?

Guardo un recuerdo único de mi etapa como Standstill, mi lenguaje musical no sería el mismo de no haber formado parte de ese proyecto. Por supuesto que mantengo contacto con ellos y sigo admirando su capacidad para ofrecer nuevos puntos de vista a su manera de entender la música. 

6. Los nombres que me vienen a la cabeza son Mirrocone y Schiffrin, pero también me ha recordado bastante a JG Thirwell (Foetus). Lo conoces? Te gusta su trabajo?

Foetus y Steroid Maximus son dos de sus proyectos que mas me gustan, concretamente el album "Gash" es mi favorito y ciertamente hay paralelismos entre su trabajo y el de Eh!.


Eh! "36 de 48" by BCore Disc

lunes, 5 de septiembre de 2011

Voice Of The Seven Woods "S/T" (Twisted Nerve, 2007)



Voice Of The Seven Woods
"Voice Of The Seven Woods"
(Twisted Nerve, 2007)

Rick Tomlinson es un músico británico afincado en Bolton, cerca de Manchester, que practica un estilo de música que se podría denominar como psicodélico. Iba a decir "folk psicodélico", pero es una etiqueta que me da náuseas porque hay un millón de bandas absolutamente mediocres que son definidas como "folk psicodélico". Tomlisnon va mucho más allá. Muchísimo más allá.
Tras la publicación de incontanbles CDRs, maxis y siete pulgadas (todos ellos con un muy notable nivel de interés) el proyecto musical conocido como Voice of the Seven Woods (ahora toca bajo el alias de Voice of the Seven Thunders) materializó su culminación con un LP que el sello británico Twisted Nerve publicó en el 2007. Bien. Este disco lo escuché por primera vez hace relativamente poco y me voló la cabezota. A priori -como decía antes- tiene todos los elementos que hacen que un grupo se me indigeste:

1. Están influidos por la psicodelia sesentera
2. Tiene sitars
3. La música recuerda vagamente a Incredible String Band o Pentangle (dos bandas que amo pero que han influenciado a un montón de grupos de mierda)
4. Tiene alguna guitarra con wah wah
5. Algunos momentos te hacen pensar en  gente con peinados extraños y pantalones de tergal.
5. Están influidos por la psicodelia turca (!)

Básicamente el disco sería como sintonizar una extraña frecuencia de radio en la que en cada emisora estuvieran pinchando un tema diferente de los 60 (Nick Drake, John Fahey, Davy Graham, Bert Jansch/Pentangle, Can, Hendrix, Zeppelin... además de los citados más arriba) y cada tres o cuatro minutos fuéramos moviendo el dial a un lado o a otro. Normalmente estos discos que abarcan un espectro tan amplio de influencias están muy bien sobre el papel, pero no me acaban de gustar. El conjunto suele carecer de un hilo que lo cohesione todo y te queda la sensación de que estás escuchando un recopilatorio de bandas diferentes. En Voice of the Seven Woods, en cambio, todo cobra sentido: un artista paga su tributo a los gigantes que le enseñaron a andar y lo hace de una manera arrolladoramente personal, genuina. Lo hace como si nunca se hubiera hecho antes y lo hace muy bien.
Un disco realmente sorprendente que me ha abierto las puertas a un músico realmente excitante, a pesar de que se pueda decir que hace "folk psicodélico" (puaj!).
Escucha imprescindible.

Seven Woods

sábado, 3 de septiembre de 2011

Michel Onfray


Este verano he estado leyendo con verdadera devoción al filósofo francés Michel Onfray, un intelectual de los que no abundan: comprometido, valiente, profundamente erudito y con una voluntad por trascender los círculos del ghetto de los happy few intelectuales que le ha reportado una merecida fama mediática en su país natal, Francia.

Michel Onfray (extraído de "La Inocencia Del Devenir. La Vida de Friedrich Nietzsche"):

"Primer tara: el solipsismo que triunfa tan a menudo en el arte y que adquiere la forma de autismo. El egotismo, el narcisismo, el placer autista de concentrarse en uno mismo; el olvido del público, la negligencia -si no ya el desprecio liso y llano- respecto del espectador: he aquí una lista de los síntomas de nuestro tiempo. según la vieja fórmula aplicada por los fracasados, para quienes la ausencia de éxito de hoy indica con seguridad el talento de mañana, por un momento se ensalza en toda su mediocridad lo que siempre será malo. Los tontos adoran esta retórica útil para transformar a los personajes lastimosos en héroes y a los espectadores engañados en improbables precursores sagaces."

"El cine llamado intelectual figura en esta categoría. Con esto me estoy refiriendo al cine que se dirige a los teóricos del cine. De ahí surge la segunda tara que ocasiona el egotismo: el elitismo. La década de 1970 exageró este defecto hasta la náusea: se producía filosofía para catedráticos de filosofía, música para musicólogos, novelas para los semiólogos, teatro para los maestros de la disciplina, ciencia de la educación para los expertos en pedagogía, obras de arte para críticos de arte, galeristas, conservadores de muesos y periodistas especializados... Todas esas producciones destinadas a la secta consumaron el divorcio del gran público cultivado, una ruptura que continúa haciendo estragos."

(...)

"Todo lo cual nos lleva a la tercera tara: el intelectualismo. El objeto de arte pasa a un segundo plano para convertirse prioritariamente en un medio para alcanzar un fin que lo supera: el debate, la elucubración, el comentario, la palabra, el verbo, el discurso, la divagación, el delirio, el texto, la smiótica, el anfiteatro. El filme sin imágenes, sin diálogos, sin realización ¿es el ideal del cine? El silencio ¿es el quid de la música?La tela en blanco ¿la verdad de la pintura? Lo incomprensible ¿el objetivo de toda comunicación?Una generación respondió afirmativamente; la nuestra se esfuerza por reponerse."

"Históricamente, puede comprenderse el papel dialéctico que desempeñaron las experimentaciones del siglo XX -los monocromos de Yves Klein, los conciertos de silencio de John Cage, las novelas de James Joyce, la poesía de Isidore Isou, el cine de Guy Debord-, pero esos momentos espcíficos y precisamente fechados no deben hacernos olvidar el movimiento general, que sigue su marcha indiferente a los accidentes que dufre la disciplina en su derrotero. Lo que un día revoluciona, no siempre revoluciona: también hace falta revolucionar la revolución."

jueves, 1 de septiembre de 2011

Umberto "Prophecy Of The Black Window" (Not Not Fun, 2010)




Nuestro amigo Abel inaugura su colaboración con el blog Follonero por excelencia con esta reseña que hará las delicias de los fans deJohn Carpenter. Que lo disfruteis! 
(Gracias, man. Espero que no sea la última)

De buenas a primeras, un grupo que se pone por nombre Umberto, siempre va a molar. Si alguno de los presentes no sabe ver esto, por favor, que paren el mundo que me bajo.
Umberto es el proyecto de Matt Hill, también bajista de Expo70 (proyecto de naturaleza improvisatoria, capitaneado por un tal Justin Wright, el cual no tengo el placer de conocer, y con la mirada puesta en el krautrock, ambient drone, la space exploration y sonidos minimalistas. Bastante jugoso, si bien esto es otra historia).
Matt debutó en formato cassette (como no podía ser de otra manera) en el sello Sonice Meditations con el albúm "From the grave", y reeditado en vinilo por Permanent Records. De ahí que el "sello de moda" Not Not Fun y su parejita responsable, le echaran el guante para sacar su segundo disco (de sonido más grueso y grasiento si cabe), convirtiéndose en uno de los pequeños grandes exitos del sello hasta la actualidad.
Umberto hace bandas sonoras ficticias de películas imaginadas, ni más ni menos. Matt se baja al sotano de su casa a las afueras de Missouri, lleno de telarañas e iluminado con centenares de velas a punto de consumirse, quitándole el polvo a todos los teclados analógicos que ha ido recopilando en sus paseos por los mercadillos y cash & converters de la américa redneck y profunda, y cual psicópata con las pelotas hinchadas por jovenes wasp universitarios con ganas de mojar bragas y calzones, se pone a aporrearlos y exprimir el sonido hasta fundir la resistencia y que huelan como carne humana quemada.
Los dos discos son un claro homenaje al sonido de las peliculas giallo y a sus máximos exponentes, Goblin, su teclista Claudio Simonetti y otros compositores italianos como Fabio Frizzi o Walter Rizetti y por supuesto, al influyente e imprescindible compositor y director de cine John Carpenter, pellizcando tangencialmente también, como no podía ser de otra manera, de pesos pesados como Vangelis o Giorgio Moroder.
En su última referencia hasta la fecha, un single 7" también para Not Not Fun, muta su sonido giallo hacia la action movie palomitera que tanto nos petaba en los 80, emulando a compositores del relieve de Harold Faltermeyer (recordemos su ultra hit Axel Foley Theme de Superdetective en Hollywood o su acertadísima aportación en Tango y Cash) o Jan Hammer (con la perspectiva que otorga el tiempo, esencial la popular bso de Miami Vice, por nombrar un sólo ejemplo y de sus trabajos más populares) que con la recuperación de los sonidos ochenteros que se está llevando durantes los últimos años, están saliendo nuevamente a flote.
Y si me preguntan, a mi el que más me peta es el segundo. El primer tema, con sus más de 3 minutazos de intro con teclados a cascoporro tocados con nocturnidad y alevosía, hace que aulle como un hombre lobo en pleno plenilunio atrapado en medio de un Barça-Madrid .

Umberto